音乐学结业论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇音乐学结业论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

“经师易遇，人师难遇”，于先生治学严谨，言传身教，至今已培养了复调专业硕士、博士研究生十余名，出版学术专著与教材六部，在《中央音乐学院学报》及《音乐研究》发表学术论文十七篇，作为作曲家，创作有交响诗《青春之歌》、管弦乐《大地序曲》、混声合唱与钢琴三重赋格《元夕无雨》（（清）丘逄甲词）以及《24首钢琴赋格曲及创作分析》等有影响力的作品。

一、20世纪末出版的两部著作

1.《歌曲钢琴伴奏的写作》

1978年7月由人民音乐出版社出版的《歌曲钢琴伴奏的写作》是先生的第一本著作（后出版增订本），也是我国出版较早且至今仍再版发行的、专业性的关于歌曲钢琴伴奏写作的著作。该书中的体例涵盖了国内外的民歌、创作歌曲与艺术歌曲等，涉猎的曲目范围广泛，书中关于歌曲钢琴伴奏基本写作的重要技术原则一直到现在仍然发挥着其不可替代的作用与影响。该书自出版发行三十多年来经久不衰，每个时期都发挥着它的专业性、基础性作用，也为其后的歌曲钢琴伴奏写作与研究开辟了专业化道路。

2.《申克音乐分析理论概要》

1993年11月由人民音乐出版社出版的《申克音乐分析理论概要》，则是我国较为全面系统地介绍申克音乐分析理论的专著，1997年2月获文化部高等艺术院校第三届优秀教材二等奖。该著作首次出版发行时先生谦虚地标注为“编著”，后在2001年再次印刷出版时听取出版社的建议改为“著”。

中国从上个世纪80年代初开始引入申克的音乐分析理论体系，于先生也从此开始相关研究，并历时七年完成了这部著作。期间，先生首先对申克的音乐分析理论进行理解消化，又对菲利克斯・萨尔泽（Felix Salzer 1904-1986）等申克的继承者们的理论进行研究，逐渐用通俗简洁的语言叙述出易于理解的申克理论体系。先生运用大量实践证明了申克理论能够分析、解释西方早期音乐以及现代音乐，也论证了其继承者们对申克理论的开拓，并为申克音乐理论增加了更为广泛的内涵。正如先生所言，“申克的理论超越了历史的局限而显示出其广阔性的价值和现代特征”。著书过程中，于先生进行大量具体作品的分析实践的同时，在1989年完成书稿后又进行了几年的教学实践，至1993年才正式付梓出版，足见先生严谨的治学态度。

《申克音乐分析理论概要》的出版以及先生的申克理论教学实践对我国的音乐分析及教学产生了深远的影响，之后一些有关申克的译作、著作、论文陆续面世，申克音乐分析理论在中国也变得越来越普及。

二，21世纪初出版的三部系列复调专著

2001-2006年，于苏贤先生先后出版了三部复调专著：

1.《复调音乐教程》

2001年5月由上海音乐出版社出版的《复调音乐教程》是中国艺术教育大系（音乐卷）普通高等教育“九五”国家级九部重点教材之一。于先生从上世纪70年代就开始了本教程的编写及教学实践，并于80年代开始作为学校内部教材油印发行多次，当今很多享誉中外的作曲家就是通过本教材的学习打下了良好的复调音乐基础。该著作从开始撰写到正式出版经历了于先生近半个世纪的分析、研究及教学实践。先生现在家中还保留着每届学生在复调课结业后创作的复调曲集，以及每位研究生学完该课程后的复调曲集，这些都是学习本教材的教学实践成果。

《复调音乐教程》分上下两卷，上卷开始为二声部基本对位，强调了福克斯（J.J.Fux 1660-1741）体系对复调音乐写作的基础性作用。之后按照声部数目的从简到繁、先对比复调后模仿复调、先单对位后复对位元这样循序渐进的顺序，而且在二声部复调技术之后还有二声部卡农曲及创意曲的创作实践章节，在三声部复调技术之后还增加了三声部复调合唱写作的实践环节。下卷主要是对复调体裁形式尤其是对赋格结构进行了从局部到整体的系统全面讲解，并将二重赋格进行了科学分类，对三重赋格、其他结构的赋格以及赋格的应用进行了内容详实的阐释，其中还增加了中国传统调式的赋格结构理论。总之，该著作结构严谨、逻辑缜密、清晰实用，可以说是目前作曲专业最全面、最完善的复调教材。书中也包含了于先生首次提出的理论概念。

比如关于多重赋格理论的创新成果有以下两点：

（1）关于赋格主题数目与声部数目的关系：于先生在讲到二重赋格时写到，“二重赋格与赋格的声部数目不是同一范畴的概念，二重赋格是表明主题的数目是两个，二重赋格可以用四声部写作，也可以用三声部或二声部写作。……总之，不要将赋格主题数目与声部数目相混淆”。（见教程第377页）。这一理论成果为多重赋格的创作与分析留下很广阔的空间：多重赋格的主题数目可以等同于声部数目，也可以多于主题数目，甚至可以少于声部数目。前两种情况在实际创作中非常多见，而第三种形式也早有了创作实践，比如俄罗斯作曲家戈登维捷尔就创作过二声部三重赋格。

（2）关于多重赋格的分类：教程对多重赋格的类型进行了归纳总结，将二重赋格分为并列式结构、重叠式结构、循环间插式结构三种类型。并列式与重叠式的多重赋格的实例，在很多复调教材都有提及，但该教程首次提炼出这两个概念。而循环间插式多重赋格概念的提出拓展了多重赋格的创作与分析的理论依据。这些对于多重赋格的教学具有非常重要的意义。

2.《20世纪复调音乐》

2001年8月由人民音乐出版社出版的《20世纪复调音乐》是我国第一部全面系统研究20世纪现代复调音乐理论及技术原则的专著，2002年获得北京市第七届哲学社会科学优秀成果二等奖。于先生从上个世纪80年代末开始了对该课题的研究，并于90年代在中央音乐学院开设相关课程，取得显著的成果。写作该著作时，先生对大量20世纪音乐作品进行了深入分析研究，并经过多年教学实践进行不断完善，从研究到正式出版历经近15年的时间。

该著作认为20世纪西方音乐的共同思维基础就是复调，认为20世纪是复调音乐的回归时代。先生通过分析、研究、归纳、总结，同时也吸收、容纳了20世纪众多音乐理论家的学术前沿成果，在一个更新、更高、更广的范围与层面梳理出一条系统的20世纪西方现代复调发展脉络，以复调结构的技术特点为章节划分依据。著作中关于“非序列无调性音乐的复调结构”、“双轴倒影”、“无轴倒影”等很多概念及理论都属重要研究成果。

3.《中国传统复调音乐》

2006年12月由人民音乐出版社出版的《中国传统复调音乐》，是我国第一部集中研究中国传统音乐中复调音乐技术类型、形式及技术原则的专著，填补了中国传统音乐研究的空白，是关于中国传统复调音乐的奠基性成果。70年代起，于先生开始对中国传统音乐中复调现象的分析与研究，通过搜集中国民间音乐资料，分析研究了大量的中国传统音乐作品，历时近6年完成了该著作。苏夏教授为本书的出版写了情真意切的推荐书，对著作做了很高的评价。

该著作的研究以分析大量传统音乐作品为基点，先生从作品中发现大量的复调音乐现象之后，系统梳理出中国传统复调音乐的形式、结构、技术等等。通过研究，先生认为中国的传统复调音乐实践远远早于西方复调音乐理论体系的建立，但对于中国传统音乐中的复调音乐，诸如对比复调、模仿复调等一些技术概念，先生仍然沿用原有表述，认为没必要创造新的概念术语。先生对中国传统复调音乐本身特点进行了详细的阐述，比如中国传统复调音乐的思维特性、调性结构特征、独特的声韵体系、结构体系等进行梳理，建立了中国传统复调音乐理论体系。

《20世纪复调音乐》与《中国传统复调音乐》两部专著都具有教科书意义，因此，这三本涵盖了中国与西方、传统与现代的复调音乐专著，对于建立我国完整的复调音乐教学体系起到开创性的推动作用。

三、于苏贤先生的音乐创作与

《24首钢琴赋格曲及创作分析》

作为作曲家，于先生在1960年中央音乐学院作曲系创作的三管编制毕业作品交响诗《青春之歌》曾由中央乐团演奏，韩中杰指挥，并于1981年被选至意大利参加国际女作曲家作品展。1981年4月她与李婉芬共同创作古筝独奏曲《战海河》发表于《中国音乐》；管弦乐《大地序曲》在全国管弦乐作曲大赛中获奖等等。后来先生主要聚焦于复调音乐创作领域，同时也是其复调音乐理论的实践过程，其中，赋格曲《儿童舞》被选编入全国钢琴演奏考级作品集新编第一版第七级；混声合唱与钢琴三重赋格《元夕无雨》（丘逄甲词）发表于《音乐创作》等等。

于先生最重要、最具代表性的复调音乐作品就是2013年1月由人民音乐出版社出版的《24首钢琴赋格曲及创作分析》，这是先生历时六年的呕心之作，是先生数十年复调研究、教学的总结与论证。自1772年巴赫《平均律钢琴曲集》问世以来，肖斯塔科维奇、谢德林、斯洛尼姆斯基、欣德米特等继续着大师的音乐道路，在巴赫模式的基础上加入本民族以及自己的创新进行继承发展，为后世留下宝贵的音乐财富。而先生的24首赋格曲同样是这条路线的延续，是我国第一部在24个大小调上创作的同类复调曲集。该曲集囊括了不同声部数目、不同主题数目、不同结构形式等几乎所有的赋格形式，创作技术精湛，重要的是先生将西方这种最高级的复调音乐体裁融入了鲜明的中国民族风格，正如杜晓十教授在该著序言中写到：“先生正是通过对技术的锱铢必究和对艺术的孜孜以求，在严格的逻辑思维中放飞形象思维的翅膀，在传统的西方模式中彰显东方艺术的神韵，这才是24首赋格曲所着力追寻的主题。”先生在24首赋格曲之后均附有分析阐释，为我们的学习、分析、研究、演奏提供了便利。总之，无论从创作角度还是从钢琴角度，这套作品都具有教科书性质，为中国复调音乐创作与分析，为中国钢琴复调音乐的教学与演奏提供了优秀范本。

四、于苏贤先生的学术理念初探

笔者于2001年起有幸在先生门下学习多年，对她的理论研究、创作理念及教学理念也有一些粗浅的认识。

1.关于理论研究：先生认为，理论研究要脚踏实地，没有捷径可走，不能人云亦云，也不能断章取义，作曲技术理论的研究要以对音乐作品的大量分析与研究为基础，研究的论点需从音乐作品中来，任何结论要有充分的论据论证。比如对于布里顿，很多音乐学家把他定位为古典保守派作曲家，但先生通过分析后指出，布里顿其实是很时尚、很现代的作曲家。此外，对于理论研究要开放思想，要有开阔的胸怀，无论苏俄、英美，无论过去还是现在，是优秀的、正确的成果就要吸收。最后，理论研究还要有专业学术精神，理论家、作曲家要有平和的心态，要有严谨的治学态度，研究过程要先后进行分析、概括、提炼、总结，最后将其逻辑化、围绕论点、建立概念，从而达到学术研究的目的。

2.关于音乐创作：音乐作品不能以浅层次的好听与不好听来评判。只要各种音乐参数符合音乐内容的审美需要，用的合适的、能够表达音乐内涵的具有其审美价值的音乐作品就是好的作品。此外，作曲技术理论无论古今中外没有好坏优劣之分，学习就是为了应用。音乐创作实践主要是用何种作曲技术、如何运用作曲技术的问题，只要运用得当，符合作品所要表达的内涵，就是好的技术、就是好的运用。

3.关于现代音乐：任何现代音乐摆脱不了传统，任何创新都与传统有或多或少的联系。先生说过：“……任何创新现象，哪怕表面离开传统已经十分遥远，然而，其内涵与外延都与传统保持着一定的联系，有些甚至是直接来源于传统。”比如勋伯格有深厚的传统功底，他的十二音音乐、无调性音乐正是在掌握了调性音乐的基础上的开拓创新。因此先生非常注重传统作曲及技术理论的教学及实践。她认为，如果传统作曲技术理论的基础不牢就去做所谓的现代音乐创作与研究，无疑是空中楼阁，经不住实践的考验。

篇(2)

一、 研究生教育“本科化倾向”的现状分析

首先从观念上，人们对研究生教育的认识仅仅理解为本科教育的自然延续，用本科生的教学模式来规划研究生教育，用本科生的教育规范来管理研究生，用本科生的评价标准来评价研究生教育，如此种种使得研究生教育较多停留在本科水平上。过多追求基础知识和技能的学习，对研究能力和创新能力重视不够，形成研究生研究能力不强、创新能力不足、探索精神不够，同本科生一样只学技能，理论研究水平偏低的现状。

笔者查看了几所高校硕士研究生的课程设置，如“声乐表演与教学”研究方向，其培养目标是“研究生应具有相当程度的歌唱示范能力，对中外声乐艺术发展史、声乐名作、歌唱教学理论、教材教法进行深入研究，并具有一定的写作能力、科研能力和教学能力的高级人才”。课程设置有学位公共课、学位基础课、学位专业课及选修课。学位公共课同本科一样采用“大统一”的课程模式，无非就是政治理论课、外语课、计算机课等，课程门类过于单一，课程结构缺乏弹性和开放性，学生根据自己的情况进行选修的余地很小。学位基础课同本科一样，只有视唱、和声、曲式、音乐史、声乐艺术史、钢琴艺术史、声乐理论等基础课，还有美学史、歌剧赏析等为数不多的选修课。基础课深度不够，选修课广度不足，其中培养研究生演唱能力的实践表演课、培养研究生研究能力的写作课、培养研究生教学能力的教学课几乎没有，最多象征性地同本科一样有几周的教育实习。有关论文写作和专题讨论的课程更是少之又少。学生仍停留在技能学习的层面上，很难将技能与表演、学习与研究、研究与创新结合起来。

从教学模式上看，研究生课程虽然比本科生从数量上减少了，但在上课形式上，大部分学校依然沿用本科的集体授课或“一对一”技能课教学形式，教师把学生看作是知识的接受者，学生把教师看作是知识的传授者，他们的关系是简单的“教”与“学”。教师不与学生交流、沟通，而是发表自己的见解让学生接受、记忆，教学变成一种单向的活动，因此学生的学习仍停留在被动接受的层面上。不能自主探索就很难有创新意识，当然更不利于培养研究生的研究能力和创新能力。另外，研究生缺乏统一编写的教材。目前研究生用的教材多与本科通用，无论理论课用书还是各种专业用书大都沿用本科教材，这也是“本科化倾向”的一个表现。

在研究生招生管理体制和结业标准上，研究生教育也逐渐和本科相趋同。在招生管理体制上，为了应付日益增多的研究生数量，管理上更注重行政力量而不是学术力量的运用。在招生过程中行政参与很多，导师“有责无权”，和本科招生没有更多区别。在结业标准上，只要学生考入校门就意味着取得学位证书。综上所述，研究生教育已大部分等同于本科教育，成为本科教育的延续。研究生教育“本科化倾向”降低了研究生的创新性和研究性，忽略了研究生的学术性，势必会降低研究生的质量。

二、 对研究生教育“本科化倾向”的反思

出现研究生教育“本科化倾向”就是从根本上忽略了研究生教育同本科生教育的区别，忽略了研究生教育的特殊要求和运行规律，因此，要想提高研究生教育质量，必须从根本上认清研究生教育的特殊性，认清研究生教育的研究特性和创新要求，只有这样才能在研究生教育中遵循学术规律和人才成长规律，才能在研究生教育中培养出不同于本科生的高级专门人才。

在人才培养目标上，提高质量、培养创新精神和能力是研究生教育的核心。研究生教育的本质在于创新教育，是在继承本科教育的基础上，培养学生创新能力的教育。研究生教育担负着培养高级专门音乐人才和发展音乐事业的双重任务。一方面研究生教育在培养过程中直接产生知识和财富，培养出音乐领域的专门人才；另一重要方面是培养有创新精神并能够产生新知识的人才，也就是说，研究生不仅继承已有知识和财富，还要在理论研究或专业表演中创造出新的财富。

随着研究生招生规模的扩大，面临的首要问题是导师队伍严重短缺。大部分学校出现一个导师一届带四五个研究生，这对于音乐专业来说，导师不仅要指导毕业论文而且要准备专业学位音乐会，任务太重。二是导师质量堪忧。如果用学历层次来衡量，2000年全国普通高校专业教师中，具有硕士学位的教师比重23.4%，具有博士学位的仅有6.1%，而就音乐专业而言，学历层次更是偏低。从另一个角度看导师队伍质量，目前我国的导师制度仍以职称为准则，只有正高或副高职称才可以带研究生，而在评职称的过程中，多以论文的数量取胜，而不管其在某一科研领域的研究成果是否和其专业对口。同时，往往是刚刚晋升教授或副高职称就开始带研究生，无论教学和心理都准备不足，这也是造成导师质量下降的一个原因。

在人才选拔和程序上，研究生侧重于教育的效益和高层次人才的质量。本科教育的目标是为国家培养大量的高素质人才，因而在人才选拔上更注重人才的数量，保证所有的高素质青年都可以接受高等教育。而研究生生源相对狭窄，必须是获得本科学历或具有同等学历的人员。在人才标准上，研究生教育虽也参加国家统考，但仅限于英语和政治，专业内容则由各高校根据不同的专业要求和学校实际情况制定标准组织测试，因而高校具有最终的选择权和决定权。研究生的选拔不仅要成绩合格，更为重要的是该生具有所选专业的研究能力和发展潜力，也就是说，高校选拔研究生一定要在成绩合格的基础上关注学生的发展潜力、研究精神和治学态度。相对于音乐专业而言，目前公共课考试几乎成了决定命运的关键因素，往往只要公共课符合国家统一分数线，该生就基本能跨入研究生行列，这是因为多年来音乐专业本科文化分太低而造成的。这一畸形模式导致专业好的文化差，多数不考研，而文化能过国家线的又寥寥无几，为完成招生名额，只能按文化分招生，专业参差不齐，这是目前众多高校所面临的最为头疼的一件事，是服从行政命令完成招生名额，还是选拔优秀人才？这给研究生招生工作带来了很大的困难。

在培养原则上，研究生教育强调学术自由。本科教育虽也属专业教育，但比研究生教育而言，属于专业基础教育阶段，要求的是本专业基础理论知识的掌握和基本技能的学习。而研究生教育在学生掌握本专业知识与技能的基础上更关注学生对知识发展、问题解决的创新能力的培养和探索精神的形成，追求的不仅是学生对社会的使用价值，而且要求学生要创造新的价值，能给社会或本学科带来更大的价值，这就要求学生不仅能解决常规问题，并且能够通过研究和探索提出并解决新问题。

三、 对 策

其实导致研究生教育质量下降的原因，从相当程度上讲，是研究生招生规模扩大造成的，这是一种政府的宏观调控行为，也是导致研究生教育质量提高难的主要原因。而研究生教育的“本科化倾向”，则无疑是研究生教育质量不高的内在原因。因此，要提高研究生教育质量，目前还只能从内部改革，也就是必须改变研究生教育的本科化倾向。为此笔者提出以下几个对策：

1.注意研究生招生数量和质量的协调统一。既要关注数量的增长，又要采用多元化的质量标准。对学术性研究生应实行弹性数量招生，采取宁缺勿滥的原则。采取单独招生、联合培养、委托培养等多种方式来扩大研究生招生规模，满足社会需求和人才需求。

2.积极推行研究生教育教学改革。首先是加强导师队伍建设，完善导师的评聘和竞争制度，提高导师的综合素质，加强导师的责任意识，确保导师队伍具有较高的业务水平和具有先见性的教育理念及创新思维，使研究生教育向创新性、科研型方向发展。目前，由于研究生的招生规模扩大，学生人数增多，教学任务增大，许多导师只顾教学没有更多时间进行科研和教学改革，教学观念不能和同期的教学理念相一致，有些导师甚至很难接受一些新的教学理念。其次，导师的知识结构不太合理。随着现代社会科技的进步，专业设置和课程内容进行了相应的调整，一些适应实际需要的专业取代了不合时宜的旧课程，新的教学手段在教学中出现，因此要求导师必须加快知识结构的更新，适时把握理论前沿和学术动态，以便给学生以最新的知识，并引导学生进行有价值的理论和学术探讨。

其次要深化研究生教育教学改革，突出创新能力的培养。研究生课程要有一定的广度和深度，并具有前沿性和前瞻性。教学模式要打破以往的单一形式，提倡研究性教学和合作教学理念。

课程学习要注意理论和技能相结合、理论和实践相结合、理论和研究相结合、实践和研究相结合，在技能学习中找到理论的依据，从理论研究中受到启发。导师不仅要“传道、授业、解惑”，更要在知识传授的同时向学生展示思维过程，并培养学生多种思维解决问题的能力，强化研究生创新性思维的培养。

在教育过程中，研究生教学应更有弹性和学术性。首先，研究生教学要学习、研究和实践相结合。就拿声乐课而言，研究生声乐课要在声乐理论的指导下进行教与学，课下导师之间要相互沟通，要定期开展专题讨论和研究。声乐是一门表演艺术，光在琴房唱是远远不够的，一定要定期舞台实践，也要多参加社会实践，导师或学院要多组织教学实践。其次，研究生教学采取集中和分散相结合：课堂教学形式应具有伸缩性，不能拘于一格，有时是一对一的教学，有时是集中讨论，有时是分头查资料、找论据，导师应组织并策划这样的专题讨论和学习。再次，研究生教学要提倡跨学科研究和创新性教学：无论导师还是学生，一定要打破传统教育的桎梏，提倡跨学科研究，使学生的视野开阔，思维多元化。同时，研究生学习要突出自我学习、自我管理、自我负责性，以转变妨碍学生创新精神和创造能力发展的教育观念，这也是研究生创新能力培养的重要途径。

3.完善健全研究生招生及教育评估制度。在选拔标准上，要遵循“宁缺勿滥”的原则，注重学术力量而不是行政控制。研究生招生数量的增长不能以损害质量为代价。因此，在选拔中既要重视学生的学科成绩和专业基础能力，更要重视学生的科学研究精神和能力。

毕业要求一定要严格贯彻“宽进严出”的原则。“宽”是使学生在较为宽松的学习环境下学习，“严”是指学生的学位论文质量和学位音乐会一定要把好关，严格把握学生的质量；质量不合格坚决不予毕业。

音乐专业的学生不仅要写学位论文，而且要举办“毕业音乐会”，这也是衡量学生可否毕业的一个重要指标。音乐会既要体现学生的基本技能、表演才能、对作品的理解和诠释程度，又要体现学术性，也就是说研究生音乐会必须有一定的主题或学术方向，不能像本科生开音乐会一样，挑选各种各样的歌曲组成一场“大杂烩”。研究生音乐会要从学术角度出发，有一定的专场性质，如“艺术歌曲专场”、“中国歌剧专场”等等，如音乐会能和论文研究题目相匹配，那就更加有价值了。

论文的评定是研究生教育与本科生教育最大的区别。本科生也要做论文，但论文是检验学生的基本写作能力和学习基础知识的情况，学生只需对某一方面进行综述，而且论文只是学生学习成绩的参考。而研究生则要求淡化学生的平时成绩，更注重学生的学位论文。学位论文反映的是学生的创新精神和研究能力，学位论文质量不佳，则不予毕业。

篇(3)

论文摘 要:和声学这门学科的发展已经历了300年,形成了一套科学的、完整的理论体系。和声是多声部音乐写作的基础,也是高等院校音乐专业的一门必修课程。本文就当前普通高校和声课程教学当中存在的一些问题,针对教学内容的整体安排以及课程结构设置等方面提出一些看法。 

自从拉莫于1722年完成他的第一部理论著作《还原到其自然原则的和声学》至今,和声学这门学科经历了300年的发展,形成了一套科学的、完整的理论体系。和声学是研究多声部音乐写作技巧与创作原则的作曲技术理论课程,是高校音乐专业的一门重要基础课程,同时也是必修课程之一。 

长期以来,普通高校音乐专业和声学课程教学一直沿用音乐学院的模式,以四部和声写作训练为主要内容。诚然,这样非常细致、系统的训练,对于作曲与指挥专业的学生来说是很有必要的。然而对于普通高校音乐专业的学生来说,这种教学模式就不相适应了。 

普通高校音乐专业的和声课一般开设一年。此外,学生入学时的基础也不尽相同,有的学生甚至连基本乐理掌握得都不够扎实。在这种情况下,高校的和声教学如果还走以“四部和声写作为主线”的道路,势必会使学生在学习和声的过程中感到吃力,并且会觉得和声课枯燥无味,从而影响到学生学习的积极性和学习效果。由于对和声学掌握得不够扎实,自然会对后续课程如钢琴即兴伴奏、曲式与作品分析、复调、配器等的学习产生影响,乃至对其专业的发展、今后的就业都会产生一定的影响。学生在学习和声学这一课程的过程中,大部分时间都在小心翼翼地避免“平行五、八度”、“反向五、八度”等不良声部进行。这样,本应该充满绚丽音响色彩的和声课就成为了只有理论没有实践的、枯燥的“数学课”。学生越学越没有兴趣也就可想而知了,更别说去感受和声的美感了。真正能够学得好、用得上的人更是寥寥。 

而且,由于课程开设的时间一般很短,学生所学的内容势必会大大缩减。学生刚刚学完前面的自然音体系部分,后面很多重要的内容还没有接触,或者对其只是有粗浅的了解就已结业,从而对和声了解得不够全面,形成一知半解的局面。由此,在对某些作品进行和声分析时,就会有很多解释不了的和声现象,其实践能力也会受到一定的影响。 

如此,一个紧迫的问题就显现出来。即在新形势下,和声课程教学在内容的安排以及教学结构的设置等方面就急需改革,以使之适应新形势的需要。 

以往的教学内容是进行到一级关系调转调,后面的内容只涉及一部分,这样就会影响学生知识的全面性;可是如果照顾到了知识的全面性,由于时间关系就势必会形成囫囵吞枣、浅尝辄止、掌握得不扎实的情况。那么,怎样才能解决好这个问题呢?经过几年的教学实践,笔者认为下面的方案具有一定可行性,并且具有一定的成效: 

一、教学内容总体安排 

总体上说,就是有些重要章节的内容重点讲解,有些章节则可以合并到一起讲解,而有些章节的内容了解即可,可作为自学内容或略讲。 

1.自然音体系部分以合唱织体的四部和声写作为主,和声分析为辅 

自然音体系部分是基础,需要掌握得非常扎实。因为变化音体系中的内容都与自然音体系部分的内容紧密相关,如果前面基础部分掌握得不够扎实,就会影响到后面的深入学习;而如果前面的基础掌握得非常扎实,那么在学习后面与之有关的内容时,就会形成“迁移”效应,起到事半功倍的效果。再加入钢琴伴奏编配与合唱编写的内容,以培养学生理论联系实际的能力,从而解决学而不会用的问题。 

2.变化音体系部分以和声分析为主,写作次之 

在基础和声当中,所有的基本和弦连接方法都已经学习过。所以,由于时间的关系,有了前面扎实的基础,后面变化音体系部分中写作的内容就可以适当减少,留下更多的时间来分析完整的名家名作。通过分析优秀作品,学生从世界艺术宝库中充分汲取营养,把一些优秀的和声语汇、和声手法变成自己的艺术财富,并增强学生对和声艺术的感受能力和审美能力。 

二、课程结构设置 

课程结构的设置分为四部和声写作、为歌曲旋律编配钢琴伴奏、为单声部的歌曲旋律编配合唱及和声分析四个教学模块。

1.四部和声写作 

四部和声写作训练是和声学习当中的一项重要内容,但不是全部内容。此项训练的主要目的是使学生掌握和声写作总的原则及和弦连接的基础方法。进行该项训练可以根据教学的进度,将写作的内容适当简化。如在为旋律配写四部和声时,在给出高音部旋律的同时给出低音声部或和声功能,抑或给出关键部位的和声功能等等。这样,降低了四部和声写作难度的同时,在和声写作训练的初期,还可以起到引导学生进行规范化写作的作用。 

2.为歌曲旋律编配钢琴伴奏 

在实际工作中,为歌曲旋律编配及弹奏钢琴伴奏是一项很实用的技能。 

此项训练主要是要求学生在掌握和弦的基本连接方法的基础上,熟悉各种和声语汇及音响,熟练掌握几种常见的钢琴伴奏音型,熟悉为歌曲编配钢琴伴奏的基本方法。具体的训练过程可分为以下几个步骤: 

(1)每次作业布置一定量的键盘和声练习,主要是和弦连接,内容要遵循由简到繁、循序渐进的原则。 

(2)将和弦连接用特定的伴奏音型弹奏。 

(3)为歌曲旋律编配钢琴伴奏。也要遵循由简到繁、循序渐进的原则。 

这一教学模块在训练学生为歌曲旋律编配钢琴伴奏的同时,还注重其为同一旋律选配多种和声方案的能力。有的和声学专著将这一训练叫做“和声的变奏性写作”。经过这样的练习能够使学生将注意力集中在和声的音响上。在应用和声时,能够真正从音响需要出发,这对于拓展学生的和声思维大有裨益。 

3.为单声部的歌曲旋律编配二、三、四声部的合唱 

每学完一部分内容,在进行和声的四部写作训练的同时,进行为单声部歌曲编配合唱的练习。通过这一练习达到学以致用的目的。一边学习理论一边进行实践,以增强学生的实践能力,解决“只有理论没有实践”、“没有兴趣”等问题。在歌曲的选择方面应注重实用性,即尽量选择中小学音乐课本中的歌曲作为课堂实例、课堂练习和课后作业的内容。以便使学生尽早熟悉中小学的课本,为以后的工作打下坚实的基础。 

4.和声分析 

和声的规则来源于实际的音乐作品,反过来又影响着音乐作品的创作。因此学习和声就有必要对前人所创作的优秀音乐作品进行分析。在对前人音乐作品的分析当中理解和声的真谛,学习和声运用的经验和技巧。 

“和声分析是指对一首完整音乐作品结合音乐内容、旋律音调、曲式结构、织体写法等诸方面对和声(包括和声风格、和声序进、和弦运用、调性布局、和声的陈述发展手法等)所进行的一种全面的综合分析。”通过和声分析使学生从感性和理性两个方面去体验和理解和声在音乐作品中的艺术价值,使其能够更深刻地理解音乐作品,由此提高学习者对多声音乐的审美能力和自身的艺术修养。 

众所周知,和声学的学习过程则是本着由浅入深、由易到难、循序渐进的原则,是有一定顺序的。而在音乐作品的创作当中和声的应用则是“按需取材”,并没有一定的顺序。因此和声分析材料的选择就可以分为两个阶段:一是和声材料的识别阶段。在这一阶段可多选择一些片段性的谱例作为分析的材料。二是学习的深入阶段。此时学生已经积累了一定的和声知识,所掌握的和声材料也已经达到一定的量,就可以增大对完整或相对完整谱例分析的比重,从而全面把握音乐作品的艺术特征。 

以上是对和声教学内容的整体安排以及课程结构设置方面的一点想法。还有待于与同行进一步商榷,也恳请专家批评斧正。以使之更加合理、完善,形成理论,指导我们的和声教学,使之适应新形势发展的需要。 

参考文献: 

[1]桑桐著.和声的理论与应用.上海音乐出版社,1982年1月第一版 

[2]伊•斯波索宾、伊•杜伊波夫等合著.和声学教程.人民音乐出版社,2000年1月 

[3]王安国著.多声部音乐写作.上海音乐出版社,人民音乐出版社,2007年9月 

[4]于润洋编.西方音乐史通.上海音乐出版社,2002年8月第二版