美声唱法论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇美声唱法论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

关键词:意大利美声中国传统的声乐演唱艺术美声唱法中国化

一、意大利美声及其特点

“美声歌唱”是指意大利的一种歌唱风格，Bdcanto意大利语的字面翻译应为“美妙的歌唱”，也可译作“美歌”或“美唱”。具体讲，美声唱法讲究音色柔美、音质纯净、发声自如、旋律的连接匀称而灵巧、装饰音优雅而精美、歌唱风格真挚而富有情感。技巧上主张张开喉咙，声音明亮，吐字清晰和良好的气息支持。美声唱法规范的声音特点，可用“通、实、圆、亮、纯、松、活、柔”八个字来概括。

二、中国传统声乐的艺术特点

我国的声乐演唱讲究揣摩、润色、意境以及韵味。在中国艺术审美中“韵”是最高的范畴，中国艺术家认为“韵”是区别文艺与非常艺术、高级艺术与低级艺术的根本界限。“南腔多调缓，须于静处见长;北曲字多曲调促，须于巧处讨好。”(《顾误录》)演唱时必须突出地方特色，把握曲调特点，这好比量体裁衣，合适得体方能增加美感。

三、美声唱法中国法

1.美声唱法的传人、借鉴和发展。

美声唱法正式系统地在我国传授是始于1927年，在先生等的支持下和萧友梅先生的倡导下创办的中国第一所音乐学院—国立音乐院。当时，萧友梅、黄自等用白话文写了许多以西洋唱法风格进行表达的独唱、合唱歌曲。这些歌曲反映了海外游子对亲人、家乡的思念与爱慕深情以及对祖国河山残破的焦虑和对祖国深厚的热爱之情。值得一提的是，他们的创作改变了学堂乐歌时期“选曲填词”的方法，自己创作歌曲，均配以伴奏并广泛地运用了各种演唱形式。到了19世纪30年代以后，西洋音乐在中国得到了广泛地发展。以冼星海、聂耳为首的广大作曲家创作了许多外来艺术形式的作品，这些作品与我国的民族语言、民族情感、文化传统、人民生活以及民族命运相结合，在中国的历史舞台上发挥了极其光辉的作用。

2.美声唱法与我国传统演唱艺术的异同。

美声唱法与我国传统演唱艺术的异同可从“风格”、“节奏”、“曲调”、“语言”、“情感”四个方面来分析。

风格。音乐风格主要是由作曲家气质、性格、素养、审美观点以及生活本身发展变化而决定的。西方美声唱法和我国传统艺术的结合在风格方面可以说是异中求同的，既有相似的地方，也各自拥有各自的地域特点。

节奏。在中国传统的音乐中，声音和休止的长短用“拍”来衡量。在传统的音乐中，可以根据唱腔和演唱者的情绪来改变音乐中的拍值。欧洲音乐中的拍值基本上是保持不变的，而我国的传统音乐中常用“放松”和“拉紧”(拍值变长可以称作“放松”，拍值变短则可以叫做“拉紧”)，使曲调充满变化和活力。

曲调。曲调是音乐的灵魂。中国人侧重声乐曲调，在实践中非常注意语言和音乐的联系，且音域不宽，富于弹性和歌唱性。由于我国多民族多语言的实际特点，也就影响了我国曲调风格的多种多样。在演唱中国作品时，首先应该掌握传统曲调的风格。

篇(2)

关键词：民族声乐教学；声乐艺术；美声唱法；融合

作为我国声乐教学中两个比较关键的组成部分，民族唱法以及美声唱法对声乐教学水平的提升，对声乐人才的培养都有着至关重要的作用与意义。对于民族唱法而言，其是我国优秀的文化遗产，具有我国独特的唱法优势，能够做到“以情带声”，获得良好的舞台效果，充分表达出广大人民对精神文化的渴求。而对于美声唱法而言，其主要源自十七世纪的意大利，具有丰富多变的唱法以及优美的音色。其比较重视音色的统一，具有比较专业的发声方法，而且也具有较强的音量可塑性。为了能够更好地提升声乐教学水平，就要在民族声乐教学中有机地融合美声唱法，借鉴美声唱法的优势，进而更好地提升高校民族声乐教学质量，为我国培养出更多优秀的声乐人才。

一、民族唱法和美声唱法的异同点

（一）民族唱法和美声唱法的相同点

对于西洋声乐以及民族声乐而言，二者均是由曲调以及语言构成的，所以语言对其具有相当关键的作用。民族声乐比较注重歌曲语言的生动性与形象性，要具有较强的感染力。民族声乐得以良好的发展，是与民族语言的支持具有密切关联的。假若没有民族语言，则民族声乐艺术也无法得到良好的发展，无法发挥其光和热。而对于西洋声乐而言，其音乐的主调即为歌词，声音以及节奏为辅助，在实际演唱的过程中，必须要充分确保字正腔圆，确保其雄厚有力。对于民族唱法而言，其把丹田划分成三个部分，即上、中、下丹田[1]。对于美声唱法而言，其比较注重胸腹式呼吸以及整体混合式共鸣的有机结合。

（二）民族唱法和美声唱法的区别

民族唱法的基础即为汉字。汉字主要包括四声，在其具体发音的时候，其是由唇、舌头以及牙齿等多个器官共同配合而成，于是就会使得咬字、吐字比较清晰纯正。而对于美声唱法而言，其基础即为元音的发音。其具有相对简单的形式，在发音时比较注重规律的连贯性。在民族唱法的具体演唱过程中，其不但比较重视演唱过程的表演，与此同时，还比较注重演唱以及表演的有机结合。对于民族唱法而言，其具有相对比较丰富的表演形式，这样就能通过表演更好地打动观众。然而对于美声唱法而言，其认为在歌唱中进行表演是多余的，是没有必要的。所以在实际演唱中，演唱者是以单一的演唱来打动并且感染观众。在此方面，两种唱法是存在较大区别的。

二、民族声乐教学对美声唱法的融合

（一）演唱技术的融合

当前，在我国一些高校的声乐教学中，在民歌或是艺术歌曲的演唱中都积极地实现了对美声唱法的融合，这具体体现在以下几个方面。1.气息运用方面在气息运用方面，在民族声乐教学中，保留了传统民族声乐比较具有特点的技巧。与此同时还积极地融合了西洋美声唱法的呼吸原理。在实际教育教学的过程中，教师要引导学生能够如同“闻花香”般地将气息深吸进来，然后再使用横膈膜将其保持住。并且要利用吸气肌肉群以及呼吸肌肉群彼此间所具有的对抗性作为气息的支点[2]。在实际演唱时能够使得气息顺畅地流动，然后再持续不断地为声音提供支持。例如，在演唱《思乡》以及《我住长江头》等创作歌曲的时候，可以使用美声唱法中的连音唱法。在通常状况下，其并非是在句子中间行换气的操作，而是要保持声音的线条以及连贯性；在演唱《小白菜》以及《兰花花》等具有民族色彩的歌曲时，演奏者就要使用一些“偷气、换气、取气”的方式。对于我国的传统声乐艺术而言，其比较重视“以气唱情”，往往都会采用小气口的方法来实现对乐句的切断，进而充分地表达出作品中所包含的一些思想情感，例如诉说以及哭泣等。这样可以更好地表现出作品的抑扬顿挫。反之，对于一些爆发以及激烈的情感，会采用大气口的方式进行表达。除此以外，对于《牧笛》这种能够充分地体现出民间风情的新型创作歌曲，在其中运用了美声唱法中的花腔技术。在这些歌曲的演唱过程中也采用了西洋歌剧中演唱华彩乐段的气息方法，实现了对这些技术的有机融合。2.咬字技术应用方面作为一种声乐艺术，美声唱法主要是基于意大利民族语言得以发展而来的。在采用西洋的美声唱法对中国作品进行演唱时，需要将字音咬清，同时还要保障声音的通畅性，这是存在较大难度的。究其根本原因是由于在意大利语言当中，“母音”以及“子音”之间是存在较远的距离，这和中国汉语的咬字习惯存在着较大的区别。在声乐教学当中，其有效地借鉴并且融合了美声唱法[3]。在通常状况下，其会比较注重对喉头位置的降低，于是字的着力点就相对较为靠后。在此状况下，就必须要提起软腭，保证后咽壁的树立，于是就能够建立稳固的咽腔。在一般状况下，往往都会是使用意大利语当中的a、e、i、o、u这几个基本的元音来完成声音训练的，并且选择使用混合母音的方式使得纯母音逐渐混合其他母音的色彩，如此操作就会使得母音变得比较圆润。把五个母音最近距离的咬清，能够使得声音比较顺畅地发出来，在此基础上找到共鸣。不仅如此，还要比较注重练习的哼鸣音，要努力发现声音的高位置，如此一来就能够保证声音的统一性，使得演唱变得比较圆润、连贯。在掌握良好的发音方法以后，就能够在技术方面得到更大的自由以及发展空间，如此一来就能够更加轻松地咬清汉字的字音。对于周小燕以及黄友葵等早期的声乐教育家而言，他们都是最早学习西洋唱法的，而且采用美声的唱法对中国作品进行了演唱，其中包括《黄水谣》以及《康定情歌》等，而且这些歌曲也在广大群众中得到了广泛的流传。当前，我国也开始采用美声唱法对中国作品进行演唱，并且在咬清字音方面取得了较大的进展。在此状况下，也使得人们改变了对美声唱法咬字不清的这一种错误认识。例如，廖昌永在演唱《母爱》这一歌曲时，采用的是美声唱法，然而在其风格上充分体现出中华民族对亲情的重视与理解，因此歌声比较感人动听，得以广泛流传。3.共鸣应用方面对于我国传统的民间唱法而言，其往往是采用的口腔共鸣技术。其比较重视的是局部共鸣的运用。在当前的声乐教育教学中，也是借鉴了美声唱法对混合共鸣的应用。在此过程中，要求演唱者能够将喉咙打开，能够形成比较稳定的通道，有效地调动全部的共鸣腔体，这样就能够有效地避免在传统民族声乐当中所存在的压、挤以及卡的声音，进而能够有效地提升声音的圆润性。与此同时，其能够结合音高的具体改变对腔体的音色以及大小进行合理的调整。然而，在声音得以改变的状况下，对真假声的实际运用比例进行有效调整，在此基础上就可以使得声音达到头腔、胸腔以及口咽腔的共鸣。于是就实现了对声音色彩的美化，使其能够更加的圆润，具有光泽，可以传得更加遥远。例如，在演唱一些创作歌曲，如《沁园春•雪》这首音乐作品的时候，合理地应用混合共鸣的方式，可以有效地体现出中华民族的宏大气魄；在演唱一些感情相对非常细腻的民歌，例如《绣荷包》歌曲时，演唱者要结合作品的实际风格，合理地调整共鸣以及嗓音，要结合曲目的不同风格特点，对共鸣腔体的运用情况进行合理调整，如此才能更好地实现美声唱法以及传统民族唱法的有机融合。

（二）在声乐教研方面对美声唱法的融合

1.我国古代的声乐理论在我国古代创造了许多关于声乐理论的研究作品，例如，张炎的《词源》、沈括的《梦溪笔谈》以及清大椿的《乐府传声》等[4]。这些作品论述了声乐艺术中的一些歌唱技术以及发音的原理，总结了当时声乐艺术的发展情况以及在演演唱时所遵守的艺术标准等。其中更加详细地论述了咬字吐字的技巧以及声腔技术，包括对作品情感的表达等。但是这些著作往往都是一些经验式的总结，缺少对科学原理的详细阐述。然而对于美声的声乐理论而言，其中融入了许多相关学科的研究成果，如生理学、医学以及物理学等。其中对歌唱发声的本质规律进行了科学、系统的分析与研讨，而且也成立了比较科学、合理的歌唱训练体系，这也使得声乐的实践与艺术理论得到了有效融合，从而实现了歌唱艺术以及科学的有机结合。2.声乐理论研究方面的融合对于我国的声乐理论研究来说，其主要是根据声乐教学系统的开展而形成的。自从上世纪八十年代开始，我国加剧了对声乐学科及其与其他学科的交叉研究。截止到目前为止，《音乐研究》以及许多高校的学报上都刊登了一些与声乐相关的论文，其中包括《中国音乐》《音乐探索》与《音乐艺术》等[5]。这样也就有效地扩展了声乐研究的范围，引起人们更加广泛的重视。在1997年，石惟正先生正式组建成立“石惟正声乐理论研究室”，从此以后，石先生以及诸多优秀的音乐学者就开始汇总音乐相关的论文。从1997年至2003年期间，我国许多学者与机构也加强了对声乐的研究，并且取得了很大的进展。研究的方向日益广泛化，并且研究课题日益精细化。尽管开展的研究主要是沿承西洋美声学派当中的理论体系，然而其也实现了与我国声乐教学的有机结合，开展了许多新的研究课题，例如，西洋唱法以及我国民族唱法之间的比较分析等。总之，在我国的音乐教育教学中，民族音乐教学是一个非常关键的组成部分，其对我国民族音乐的传承具有非常重要的意义。而美声唱法也具有其较多的优势，如果将其合理地融合在民族声乐教学中，就能够取得更好的音乐艺术效果，能够得到更强的舞台感染力，可以形成更加优秀的新唱法，从而有效地实现歌唱的多元化发展，促进声乐人才的全面发展。

参考文献：

[1]陈浩月.论美声唱法对我国民族声乐教学的影响[J].音乐时空,2015,(09):115.

[2]杨星.民族声乐教学对美声唱法的借鉴与融合[J].教育科学:全文版,2016,(25):104-105.

[3]许静哲.论美声唱法对我国民族声乐教学的影响[J].北方音乐,2016,(10):26.

[4]孙加航.论美声唱法对我国民族声乐教学的影响[J].文艺生活旬刊,2016,(01):118.

篇(3)

关键词:民族声乐;美声唱法

在一百多年以前的时期,西洋美声唱法就已传入我国。从那一刻起我国的民族唱法与美声唱法的碰撞就已经开始,我国的民族唱法在继承传统演唱精华的基础上,开始借鉴美声唱法的科学发声方法,并逐步发展成为一种既有民族特色又与世界联通的新时代民族声乐理念。这种强势的主导理念已经成为现今民族唱法发展的大体方向。本文通过研究民族声乐的发展,以及美声唱法对民族唱法的影响展开研究,从最初的碰撞慢慢演变为共融,又从共融升华为互通。民族声乐在漫长的发展过程中逐渐吸取了美声唱法的科学化声音理念,又加之自身的民族特色,已经形成了具有民族特色的声乐体系,其科学化、系统化的声乐演唱形式,已经在世界声乐艺术的舞台上占有一席之地,并得到广泛认可。

民族声乐有着千年的发展史,人们对民族声乐的研究也一直没有中断过,从春秋时期出现的歌唱家,到汉武帝设立的音乐机构“制音度曲”――乐府。声乐艺术逐渐繁荣起来,从戏曲、曲艺及民间歌曲中不断创新发展的声乐艺术,在理论方面也有突出成就,《曲律》一书中就古代的声乐演唱方法进行了全面论述。到了建国前,随着西洋音乐的传入,新音乐运动的兴起,以肖友梅等为代表的音乐家对西洋音乐的理解和认识逐步加深,借鉴和吸取了西洋音乐的先进文化,用于民族音乐的发展,民族声乐也在其中得到升华和发展。

建国后,民族声乐艺术的发展进入了一个新的历史时期。在“百花齐放,洋为中用”的主导文艺思想指引下,广大的文艺工作者在深入挖掘传统声乐的精髓的同时,开始广泛借鉴西洋美声唱法的科学发声方法,这一时期涌现出以吴雁泽为代表的多位声乐艺术家。中西合璧的艺术成果崭露头角。民族唱法的快速发展期开始在七十年代末八十年代初,随着的结束,被扼杀的民族声乐重获新生,中西文化交流全面展开,音乐文化交流更为突出。这一时期民族声乐与美声唱法都是高速发展时期,这一时期的民族唱法与美声唱法出现了大面积融合的趋势,这给民族唱法的高速发展奠定了基础。这一时期也出现了关于歌唱的理论书籍与论文杂志。例如:N・K那查连科所撰写的《歌唱艺术》,在著作中对科学正确的歌唱方法做出了详细说明。这些专业的书刊为民族唱法的科学发展提供了理论依据。

九十年代至今随着音乐文化交流的加剧,中西合璧的民族唱法得到了充分的发展与展现,这一时期的民族声乐在演唱方法上、作品难度上、艺术处理上都有了跨越式发展,一批资深声乐教育家也总结出了较为完备的民族声乐理论,并在艺术实践中得以印证。其中以声乐教育家金铁霖为代表,金铁霖先生长期从事民族声乐研究与教学实践工作,积累了大量的研究成果和宝贵经验,他提出的“科学性、民族性、艺术性、时代性”有机统一的现代声乐美学标准,这在金铁霖先生,1991年发表在人民音乐的论文《科学性民族性艺术性和时代性》中有详细剖析。金铁霖先生曾经在1986年的中国音乐上发表了《谈民族声乐教学》一文,文章总结了多年的教学经验,其理论观点直接影响了以后20多年来的民族声乐教学与演唱。金铁霖先生的研究成果为推动民族声乐的发展进步做出了巨大贡献。

随着美声唱法的传入,我国过去的传统民族唱法也在悄然发生着变化,尤其在改革开放以后,与国外的文化艺术交流日益增多,一批又一批的国际知名的歌唱家和声乐教育家纷纷来中国访学,带来了新的经验和新的声乐理念,为我国的声乐快速发展创造了外部条件。我国各高校音乐专业中涌现出了一批声乐教育家;如沈湘、周小燕、郭淑珍、金铁霖等。其中《沈湘声乐教学艺术》一书中,就详尽地阐述了沈湘先生的声乐教学方法和歌唱理念。《沈湘声乐教学艺术》一书展示了沈湘先生一生中,艺术成就的一个侧面,也刻画出了沈湘先生对中国声乐的理性认识。正因为有了许多像沈湘先生一样的声乐教育家、歌唱家的呕心沥血,我国声乐艺术才有了质的飞跃。

民族声乐在吸收和借鉴美声唱法技术手段的同时,还要继承和发扬中华民族声乐的传统精华与民族特色,正确客观地解决这一现实问题是民族声乐发展中必须面对的一个难点。民族声乐教育家、研究者为此也付出了大量的心血,这也是每一名声乐研究者所面临的一个考验。在民族声乐与美声唱法高度融合的今天,如何把握民族声乐在科学发展途中,还依旧保持传统民族声乐精华和民族特色,这对民族声乐的生存发展至关重要。民族声乐演唱技术的升华,得益于学习借鉴美声唱法的科学发声原理。民族声乐与美声唱法有机结合,使得民族声乐既能演唱民族风格浓郁的民族歌曲,又能演唱对演唱技术要求较高的艺术歌曲、歌剧和创作歌曲,这在一定意义上是填补了民族声乐演唱形式上的空白。演唱技术上的逐步完善给民族声乐的发展带来了更广阔的空间。《音乐研究》中“民族声乐技法的历史变迁”的作者乔新建就是以民族声乐演唱技法的变迁作为主线来划分民族声乐的不同发展时期的。对民族声乐发展时期的划分有多种解释,但对于民族声乐与美声唱法相结合的高速发展期是普遍认同的。

篇(4)

论文内容摘要 ：通过对美声唱法与民族唱法的起源和发展过程以及风格、特点等的阐述，使我们清楚地认识到美声唱法与民族唱法之间的差异。  

 

随着音乐艺术的不断发展，社会欣赏水平的不断提高和人们理解程度的不断加深，声乐艺术已经不仅仅是作为音乐的一种表达形式存在了，它已经作为一门具体的学科成为人们研究的对象。提到声乐艺术，人们自然会想到“美声唱法”的问题，对于“唱法”问题，在我国，大部分人认为意大利源流的唱法，也就是欧洲歌唱艺术中最科学、最合理、最有理论根据的歌唱方法。而一提到中国的歌唱艺术，同样人们也自然会想到“民族唱法”的问题，许多年来，人们争论着两种唱法究竟孰优孰劣的问题。在这里试将两种唱法做一比较。 

美声唱法的起源在17世纪左右欧洲地中海美丽的半岛国家——意大利。当时的“美声唱法”只是一个比较简单的概念，而它的基本成熟是在18世纪初叶，而18至19世纪是“美声唱法”的黄金时代。“美声唱法”一词的最早出现大约是在17世纪的佛罗伦萨，随后很快传播到意大利的其他几个音乐城市。美声唱法的出现是因为在古典的复调音乐作品中，旋律线把不同的声部都唱出来，形成一种复合的音乐织体，而在新风格的作品里，旋律线乃是由一个主要声部所唱奏，并且用乐器进行伴奏，在这种情况下，杰出的器乐家和首席女高音作为独奏独唱者出现了，歌唱被看作是华丽的歌曲，出色的歌声，便被人们称为“贝尔康托”即“美声唱法”。由于器乐演奏者宽阔的音域，而激起歌唱者们努力发展自己嗓音的潜在功能，致使音域能够发展到三个八度，由于他们发展了声音的灵敏度而歌唱快速的乐句，以及对旋律线的润色，装饰所采用的花腔技巧使“美声唱法”誉满全球。 

美声唱法有如下一些特点： 

 

第一，声音方面的特点是八个字：通、实、圆、亮、纯、松、活、柔。 

 

“通”是声音通畅，指人的整个共鸣腔（如头腔、喉腔、鼻咽腔、胸腔）从上到下气息通畅的感觉。“实”是声音结实、饱满，指有音量、有力度、有穿透力和致远力的声音。结实的声音才具有威力，它是表现人物英雄气概和朝气蓬勃的精神面貌必不可少的声音条件。“圆”是声音圆润，圆润的声音让人感觉悦耳、好听，尖锐的声音听起来刺耳、难听。“亮”是声音明亮，明亮的声音使剧场里所有的观众都能听得见。“纯”是声音纯净，纯净的声音让人感觉清晰、透明。“松”是声音松弛、松弛的声音让人感觉轻松、愉快。“活”是声音灵活、自如，只有灵活的声音才能随心所欲地表现歌曲在音乐艺术上的所有要求。“柔”是声音柔和，在歌唱艺术的表现中不只有阳刚之美，还应有柔和细腻的声音。 

 

第二，艺术方面的特点。 

 

1.具有朴素平易的朗诵风格的宣叙调。宣叙调是介于朗诵调和歌唱之间的一种不独立的、引子式的曲调。 

宣叙调的特点是：节奏自由，结构松散，伴奏简单，词曲结合紧密，宣叙调是歌剧作品展开故事情节，表现矛盾冲突的重要组成部分。宣叙调的格式多样，有以朗诵为基础的“音乐散文式”的宣叙调；有急口令式的宣叙调；也有完全模仿语言音调，一个音节配一个音符等几种。 

  　2.具有丰富多彩抒情风格的咏叹调。咏叹调是歌剧或大合唱中的独唱曲，由管弦乐队伴奏，特点是篇幅大、音域广、技巧复杂、结构完整，曲调优美悦耳，常富有戏剧性和抒情性，采用三段曲式、变奏曲式或回旋曲式，偶尔也使用奏鸣曲式，也有专为音乐会演唱的独立声乐作品与旋律优美的乐曲。音乐理论家尚家骧，在他著的《欧洲声乐发展史》一书中，将美声唱法的艺术风格分为三大类：平易朴素的演唱；“加花”的装饰性演唱；朗诵性演唱。朗诵性演唱又分为两类：严肃的朗诵性演唱和诙谐的朗诵性演唱。 

中国的歌唱艺术，就占人口最多的汉族来说，有着十分丰富的声乐文化传统。这种传统的形成，是在漫长的岁月中经过长时期的歌唱实践，由于语言特点、歌唱习惯、生活格调、乐曲性质等因素的影响所积累起来的。它和西方的歌唱艺术相比较，存在着一些显著的差别。 

第一，是在语言文字方面，汉文是一种意符，是以形传意的单节语。一个字一个音，每个字音是由一个到四个音素组成。如“啊”是一个音素，“我”是两个音素，“高”是三个音素，“天”是四个音素。按语音学音缀组成的原因，汉语字音依它们的构成，又形成了起、舒、纵、收四个部分。如“香”（x-i-a-ng）、消（x-i-a-o）、庄（zh-u-a-ng）。歌唱时，在吐发这类字音时，口形是由闭合到开放，又由开放到闭合的。就如同枣核从细到粗又从粗到细。这是在西方各种语音中所没有的。如意大利语，几乎每一个字都是以元音收尾的，其口形总是处于开放状态，歌唱是语音的扩大和延长，由于此种关系，他们的歌唱习惯是充分把口腔打开。可是在用汉语歌唱时，情况则是另外一回事，发声器官就必须适应汉语语音开合特点，从而很自然地形成了与西方不同的发声方式。 

第二，汉语是汉藏语系的一个语族，它和印欧语系的日尔曼语族、罗马语族、斯拉夫语族等以强弱音节组合而成的语音不同，它以单音节词占据大多数，除个别方言外，每个音节都有固定的声调。也就是说，汉语字音是由声、韵、调三个要素构成。声就是声母，是指一个汉字音节开头的辅音，韵就是韵母，是指一个汉字音节除声母以外的其余音素。有人把声母、韵母和辅音、元音等同起来，这是不对的。从严格意义上说，中国音韵学上的声母和韵母，与西洋语音学上的元音与辅音，还不是完全一样的。其分别是：（一）元音和辅音是以音素为单位，一个元音和辅音，只能代表一个音素；而一个声母和韵母，可以包含一个以上的音素；（二）元音、辅音在音节中的位置是不固定的。辅音可以放在元音前面，也可以放在元音后面；声母、韵母在音节中位置是固定的，所谓“前声后韵”，声母在音节中一定是在韵母前面。 

声调主要是由一个音节内部的音高变化构成，即在语言中利用嗓音高低的音位来辨别字的异同。汉语普通话的声调有阴平、阳平、上声、去声四种，简称为阴、阳、上、去四声。声调在汉语中关系至为重要，离开了声调，语言的意义往往难以区别。按赵元任先生所说：“语言里头的音位性的声调的不同，不光是在中国语言所独有的，（只是）声调这个东西，在中国语言里头，它的负担相当重。”因此在歌唱中，有所谓“腔随字走，依字行腔”的说法，而这种声调表现手法，是中国传统所有而为西方歌唱中所无的。 

从理论上说，歌唱者在歌唱过程中，要把歌词的每一个字的声、韵、调都处理得完好，才能解决好读字的问题。为了做到这一点，对于一位中国的歌唱者来说，就需要有着与歌唱西方歌曲时不尽相同的唱法，否则就很难唱得准确、清楚、亲切。 

第三，是在歌唱方式方面的差异。中国的传统歌唱方式，无论是戏曲、曲艺、民歌、小调，大部分是从“吟唱”发展起来的。所谓“吟唱”是指歌唱者所唱的歌调，大体上是一首具有某种程度灵活性的旋律音调，在它和不同的歌词相结合的时候，由于歌词、唱者、时间、地点、场合等因素的不同，可以即兴地把旋律加以变化、装饰和发挥。西方的歌唱方式，绝大部分是采用“咏唱”。所谓“咏唱”是指歌唱者所唱的歌调，它的旋律在一定程度上是和特定的歌词相匹配的，歌唱者在唱时对旋律不能或基本上不能加以改动，即所谓定谱定腔，专曲专用。由于这两种歌唱方式的不同，变形成了各自的歌唱体系。如王骥德在《方诸馆曲率》中说：“乐之筐格在曲，而色泽在唱。”这就是说，曲子所提供的只是筐格，只是基础音调，歌唱者在唱时要把它加以润色，使它丰满、充实、美化、形象化起来，于是就出现了“润腔”手法，出现了“依字行腔”“字领腔行”“字正腔圆”等等一系列从吟唱派生出来的术语。这些术语在西方的歌唱艺术中是没有的，也不可能有，这是歌唱方式本质上的不同所决定了的。 

第四，声音方面的差异。美声唱法的声音特点是厚实、宽广、洪亮。民族唱法虽然声音也追求亮度，但不过多追求厚度，如果用美声唱法的那种声音去演唱民歌，那一定是走味，而失去了中国民族风格。 

改革开放以来，中国民族唱法由于受美声唱法的影响，从声音的宽度、亮度等方面都有所发展和提高，尤其是美声唱法的头腔、鼻腔、喉腔、胸腔共鸣以及气息方面的运用，使中国民歌的发音更加圆润、甜美、透亮，感人。上世纪五六十年代那种窄又扁的演唱方法已被淘汰了，从现在的民歌作品和民族唱法的旋律声音上去辨析，我们似乎感到具有现代中国的民族精神和现代中国欣欣向荣、蒸蒸日上的时代气息。 

 

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摘 要：中国民歌演唱随着时代的变迁，出现了多元化的发展趋势。文章针对中国民歌的发展现状进行分析研究，探寻用美声唱法演唱中国民歌的必要性，探讨我国民歌演唱的基本形态，美声唱法与原生态唱法的区别，以及用美声唱法演唱中国民歌对推动音乐艺术繁荣的意义。

关键词：中国民歌；原生态；美声唱法；演唱；基本形态；意义

中图分类号：J616 文献标识码：A DOI：10.3969/j.issn1003-7721.2012.04.022

作者简介：刘 媛（1979～），女，新西兰堪特伯雷大学音乐学院音乐硕士（master of music），武汉大学艺术学系讲师（武汉 430070）。

收稿日期：2012-05-23

一、我国民歌的当今形态

中国民歌多种多样，有各种各样的分类方式。如果按照地域划分，则可以北方黄河与南方长江为中心，分为北方民歌和南方民歌两大类。另有学者认为，民歌应该分为劳动号子、山歌、小调和民谣[1]等四大类。有的分类方法则更为细致，仅汉族民歌以其不同的社会功能就分为十大类：即劳动号子、山歌、小调、田歌、渔歌、茶歌、秧歌（包括灯歌）、风俗歌、儿歌、摇儿歌。但是，最平常的分类大致可分为号子、山歌和小调。

从目前情况看，由于社会的变迁和人们生活方式的改变，中国民歌正在失去其存在的根基，如传统“号子”随着社会的进步与发展，当使用大机器代替了劳动力时，这类劳动中传唱的歌曲逐渐消逝。山歌因其语言韵调有明显特点，有其浓郁的地方色彩，如陕西的信天游，甘肃、青海、宁夏的花儿，苗族的飞歌，蒙古族的长调牧歌等，但是这些由于中国目前人口流动的大量增加，也逐渐失去它原有的色彩。小调也如是，由于其产生于城镇，反映城镇的生活曲调，如卖货郎、锯大缸等，然而随着城镇生活的改变，这些内容丰富的小调，也逐渐消逝。因此，对中国民歌的收集整理，已刻不容缓。

中国民歌是认识中华民族的历史、社会、民风民俗的重要窗口，具有很强的人文研究价值。现在主要流传和演唱的民歌很多，它们不仅旋律优美，更是中国文化艺术的结晶。无论是在广播电视还是晚会庆典等活动中，作为民族文化艺术的象征，作为非物质文化遗产的传承手段，民歌都在以各种形式出现：（见表1）

二、民歌的搜集与整理

实际上，对我国民歌的收集，最早出现在周代《诗经》中的《国风》。它汇集了从西周到春秋约500多年间，流传于北方15个地区的民歌。春秋战国时期，诗人屈原等人，对楚国民歌进行搜集整理，加工创作新词，称为《楚辞》。西汉时期的“乐府”就大量收集了民歌。唐代民歌的搜集与创作也相当繁盛。到了宋代，民间产生的讽刺性歌谣增多。而元代，人民的痛苦越来越深了。明清民歌是继承历代传统而获得空前的发展，尤其是在明代中叶以后，城乡中小曲、山歌、号子等各种民歌兴盛，流传甚广。明代文人冯梦龙（1574-1646年）搜集编纂整理刊布有《挂枝儿》和《山歌》两部民间时调歌曲专集。《挂枝儿》大都是江南人依北方俗曲所作，其中的情歌常写得热烈而曲折深细，生活的真实感极强；《山歌》以描写男女私情为主。明代中叶，颜自德选辑、王廷绍编订的《霓裳续谱》，选录了当时流行于北京、天津的俗曲唱词；明代其他重要的民歌集还有《四季五更驻云飞》、《十二月赛驻云飞》、《太平时赛赛驻云飞 》、《玉谷调簧》等。清代重要的民歌集有华秋苹编《借云馆曲谱》，其刊于嘉庆二十三年，用工尺谱记写了十首俗曲曲谱，谱中所收《三阳开泰》、《五瓣梅》、《马头调》等都是较大型的俗曲，有的是由数支小曲联成的套曲结构，有的用帮腔形式演唱。清代贮香主人辑《小慧集》收有俗曲《纱窗调》、《绣荷包》、《杨柳青》、《红绣鞋》等曲调。[2]

据统计，明代留传保存下来的山歌、小曲歌词有千余首左右，清代有1712个单曲和套曲。这些收集的民歌，主要是歌词，只有个别的附有曲谱，但很多民歌一直在民间传唱，或被采用到各种曲艺、戏曲之中。[3]

到了近代，北京大学文科教授、周作人、刘复等发起在全国范围内征集歌谣，并在《北京大学日刊》上发表。中国民间文艺学开始于1918年，这也标志着中国民俗学的发端。这些学者征集到全国22个省份的3000首歌谣，并在《北大日刊》上选发了近150首。1920年，歌谣研究会成立，由沈兼士教授和周作人教授任主任，管理其事；至1922年，又创办了《歌谣周刊》，搜集和研究的成果有了集中发表的阵地。歌谣是民俗学上的一种重要的资料，把歌谣辑录起来的目的是为了专门的研究。从这些学术的资料之中，再由文艺批评的眼光加以选择，编成一部国民心声的选集。《歌谣周刊》出版了两年半（1922.12——1925.6），出刊97期，刊载歌谣2226 首，并有不少民俗学研究的论文。此间征集到的歌谣多达13339首。1923年，北大又在歌谣研究会外成立了风俗调查会，标志着中国民俗学研究的对象范围由最初的歌谣开始向民间风俗文化的全面拓展。[4]

民歌研究由来已久，从20世纪30—40年代以“创新音乐为目的的民歌研究运动”；到50—60年代的“民族民间音乐研究”；70年代，我国学者对民歌进行了普查和搜集工作；再到80年代至今的学术范式和研究方法的大讨论。1994—2009年间我国民歌研究成果主要体现在九个方面，它们分别为民歌的定义及版权问题、民歌变化的原因、民歌的美学研究和比较研究、民歌教育、民歌书评、民歌史、音乐家研究、民歌本体和形态研究、整体观视野下的民歌研究。其中第九方面又包含民歌与文化、民俗的关系研究；民歌的传承和发展研究；民歌实地调查报告；原生态民歌研究。[5]

近年来，类似在音乐创作领域对传统民族音乐的保护工作从未中断，例如接受过良好西方教育的中国作曲家周文中就曾受到他的导师的鼓励，学习和研究中国音乐的特点，并试图将中国音乐中有价值的元素融入自己的作品中。长期的海外学习和生活并没有磨灭他对中国音乐的热情，经过多年正统的西方音乐教育熏陶，他决定将自己的音乐重塑为一种具有中西合璧特点的风格。这种新的尝试也帮助他重新思考中国传统音乐和文学的价值，进而重建自己的音乐价值观。[6]

三、当今民歌的演唱形态

民歌的唱法原无定法，它主要存在于人民群众的口头演唱活动中，在一定的地域范围内又有些稳定的歌唱技巧习惯，这是由于某地区、某民族在民族的音乐、语言产生的地理环境，人文心理素质，表达情感的习惯等方面相近，使得民歌在演唱的发声、吐字、行腔习惯上相近。暂且勿论历史上民歌的演唱形态，而且，这也是一个非常重要的难题。由于没有实际的历史音响遗存，我们无法得知古代中国民歌演唱的实际形态。就当今而言，中国民歌的演唱风格和表演形式千姿百态。20世纪70、80年代以来，民族唱法逐渐形成了三种主要流派，它们分别为：原生态的唱法、学院派唱法（有人称“民美”）和通俗民歌唱法（有人称“民通”）等。[7]

1.原生态的民歌唱法

原生态演唱主要指我国民族民间的唱法。原生态演唱是一种原始的未加工过的唱法，由于我国各地有不同的民歌，因此，它有着各种各样的演唱方法，但是，它有一个共同的性质，就是与我国各族人民的生产、生活方式紧密结合，保持着民间“原汁原味”的音乐形式与歌唱各自的演唱方法，其演唱以真声为主，发声方法个性化，声音自然、朴实。原生态民歌演唱是我国“口头非物质文化遗产”的重要部分，2006年，在“第12届CCTV全国青年歌手电视大奖赛”中，原生态唱法被真正列入了艺术的行列，原生态民歌走上中国乃至世界舞台，给世界人民带来了强烈的音乐震撼力，展示出中国民歌演唱千资百态的风格特点。

2.学院派民歌唱法

学院派民歌演唱方法实际上是借用了美声唱法的发音原理，结合中国民歌的演唱与发音特征，总结而成的演唱方式。这种唱法有其明显的时代特征。

这种民歌演唱，可以分几个时期：（见表2）

在20世纪60年代，借鉴西洋唱法，各地建立专业音乐学院，开展专门民族声乐专业，民间歌手走入了专业院校。[8] 民族新唱法是继承我国传统唱法的同时，借鉴西方美声唱法，经过长期的实践，总结出来的。它与民族唱法和美声唱法不经相同：（见表3）

3.通俗性的民歌唱法

所谓“通俗性的民歌唱法”是指用通俗唱法演唱民歌，这种演唱方法明显地受到通俗演唱的影响。极赋个性的歌唱家有藤格尔、韩红、谭晶、萨顶顶等；其代表作品有《天堂》《天路》《在那东山顶上》《万物生》等等。

总而言之，民歌演唱无论从唱法上还是从旋律风格和歌曲内容上，均拥有广阔的发展空间，拥有多样的形式演绎民歌的精彩。

四、美声唱法与原生态民歌唱法的异同

现在所说的美声唱法产生于17世纪意大利，是以传统欧洲声乐技术、尤其是以意大利声乐技术为主体的演唱风格。早在20世纪30年代美声唱法被引入中国时，古典声乐教学法—美声唱法便被中国音乐院校普遍接受。其中喻宜萱、周小燕、黄友葵和郎毓秀等声乐教育家为美声唱法在中国的传播做出了很大贡献。美声唱法在17、18世纪秉着“唯声论”的声乐美学原则，而到了19、20世纪，要求演唱者必须字正腔圆、声情并茂。运用美声唱法训练出来的声音，音色听起来婉转优美，富于变化。美声唱法对声部区分严格，重视音区的和谐与统一。美声唱法发声方法科学，音量的可塑性大。注重气息的运用，强调真假声的结合。演唱出来的音色统一、淳厚。

原生态演唱自古以来就在我国民间广泛流传。它是最古老且最原汁原味的劳动人民，在生活中口耳相传的音乐非物质文化遗产。这些歌曲是人们在耕种、放牧、打鱼、娱乐、聊天、甚至是歇脚时候的生活写照。[9]它之所以被称之为“原生态”，是因为它的演唱在特殊的生态环境之下产生，脱离了这种环境，离开了它的特殊语境，它便不再是“原生态演唱”了。原生态民歌手们演唱的民歌，声音甜美、淳朴、高亢、音域宽广。他们的声音虽然没有经过音乐院校的专业训练，也没有我们所要的那种圆润、低喉器的混声，但事实证明他们这种唱法所发出的声音也是优美的，并被大家所接受。原生态唱法不仅有自己的语言、自己的文化背景，而且还有本文化背景下的声乐审美原则、自己的声乐发声方法和技巧。（见表4）

“无论要求歌手如何演唱古典风格的音乐作品，不管他们在未来需要何等精良的声乐作品或多高的麦克风技术，唯有掌握美声唱法的技术才能够满足这些要求。”[10]在美声唱法中，整个身体都参与演唱过程，共鸣部分包括头部和胸部。演唱不光是喉咙发出的声音，而是整个身体的协调过程。

然而，原生态演唱中涉及的共鸣腔体几乎只涉及到喉咙。民间歌手的音色较美声唱法的歌手更明亮、清晰，音色也相对尖锐一些。咽喉的使用很多，而头腔和胸腔的共鸣相对较少。在原生态演唱中，胸腔共鸣是主要技巧，高音部分的演唱主要使用假声，而头腔和胸腔的混声唱法几乎没有运用。

美声唱法所要求的呼吸较原生态演唱更深、更强。在大多数情况下，古典音乐演唱者在演唱乐句的开始部分时需要使用将近百分之七十的肺活量，在歌唱中对气息的需求远远超过静止状态下呼气所需的气息水平。“与古典音乐的演唱者不同的是，乡村歌手常常运用说话的位置唱歌，所以他们的声乐听起来跟说话、演讲的感觉很相似。”[11]林俊卿早在上世纪50年代就提出，歌唱时的呼吸是吸气肌肉群和呼气肌肉群共同作用的结果。歌唱中气息需要膈膜与腹肌的呼气法和运用胸廓的呼气法混合运用。[12]

气息是歌唱的基础。早在唐朝《乐府杂录》中，就有记载：“善歌者必先调其气。既得其术，即可致遏云响谷之妙也。”还有谈到“传统中国唱法”时，郭兰英老师曾说：“唱时小肚子常是硬的，唱得越高就越硬”，“唱高音时须把嗓子放开，胸口放松，小肚子使劲顶着。”[13]郭兰英老师是20世纪30年代民族声乐领军人物，当时的民族声乐演唱声音质朴、发生方法自然，还未借鉴西方美声唱法，演唱形态上更接近原生态演唱。

总之，在呼吸的运用方面，美声和原生态演唱不尽相同。美声使用胸腹式联合呼吸法 ，而原生态演唱中更多使用的是胸腔。此外，比较老式的声乐观点认为中声区类似说话的音色更受听众青睐，这也意味着原生态演唱中对呼吸和气息支撑的要求相对美声唱法低一些。[14]

语言是传递内心情感最好的方法之一，这也是为什么歌唱中的语言不但从来没有被忽视过，反而总是扮演着重要角色。在美声演唱技巧中，演唱时适当改变元音和辅音的发音，是获得纯粹发音和美妙歌声的一个途径。比如在演唱上行音阶中，随着音高的变化，元音（i）到（a）或者从（i）到（e）.的发音会变得越来越相近，字与字之间的区别越来越小。演讲中的发音和演唱中的吐字是有巨大区别的。演唱中喉咙只是参与了歌唱的工作，而并不在喉头念字。因此，寻找一种有效的方法来实现演唱和吐字间的妥协——即在不打破优美的旋律线条的同时保证清晰的咬字，是极为必要的。元音是歌手的朋友；辅音是歌手不共戴天的敌人。辅音可以进行修改，让它的声音听起来像元音一样美，从而达到音色纯美、统一的效果。[15]

声乐是一门表演艺术，它需要音乐与语言的完美结合。声乐演唱中发音既是情感表达的关键，又是体现中国音乐风格的载体。[16]汉语在咬字上讲究五音；吐字上重视四呼；收音归韵上分为十三辙；字音上还有四声变化。这些都是我国民族声乐传统唱法上最大的特点。掌握了这些技术，咬字才会真切，吐字才能清晰，声调上才会优美，演唱就会富有生命力和民族风格。[17]特别是汉语的声调特点：演员演唱时，音调是难以分辨的，这易使观众在聆听汉语歌词时产生一定障碍。歌手在演唱中需要吐字特别清楚，这样观众才能根据上下文判断每个字的声调和准确读音。原生态演唱也遵循它自身的唱词规则，有时候甚至用方言演唱。另外，汉语也有别于英语、德语等语言，词尾没有发音的辅音音节。例如英文中的student，德语中的ach，词尾的辅音都需发音。

总之，共鸣位置、气息支撑和演唱中咬字的不同使得原生态演唱听起来有别于美声方法演唱的歌曲。

五、美声唱法丰富民歌演唱的可行性

有人会提出，西方的演唱方法毕竟不同与中国的唱法，运用美声唱法的尝试或许会破坏中国民歌原有的音色，使得观众不能接受。在笔者看来，用美声唱法演唱中国传统民歌是展现中国民族音乐的一种新方式。我们无意诋毁或取代中国传统音乐，这只是一种繁荣音乐艺术的形式。

其实，中西声乐演唱也具有相似之处，比如，中西演唱均强调内心情感的表达，演唱中的声音与内心情感的表达被视为同样重要的部分：在西方演唱风格中，用表演来诠释音乐作品起着至关重要的作用；在民族演唱风格中，为了更好的传递情感，声乐表演在很大程度上甚至借鉴了中国传统戏曲中的表演方式。正是因为艺术是相通的，正是因为中西方演唱都同样注重情感，运用美声唱法演唱中国民歌才成为一种可能。

五声调式和它特定的五声音阶作为中国民歌的特征，使其具有鲜明的民族特点。因此，即使用西方演唱风格来演绎，中国民间歌曲听起来仍然不会失去中国音乐的原有特色。在不同地区，音阶和调式会有所不同。北部地区（黄河流域）使用七声或六声调式，徵调是最流行的调式；而在南部地区（长江流域）五声或四声音阶以及徵调是最常见的调式。在云南，商调式几乎可以称之为该地区的标志。民族音乐正是由于采用了特定调式而呈现出鲜明的个性特征，从而有别于其他的音乐形式——尤其是西方音乐。此外，中国民歌也有自己独特的结构，这是借鉴“中国文学”中的起（开放）、承（继承）、转（转折）、合（关闭），即第三句不押韵，但其他的都需要押韵。[18]

如今韩国作曲家正试图将其他音乐元素与韩国传统音乐结合。近年来，一些青年韩国作曲家已经开始在传统韩国乐团使用吉他和键盘两种西洋乐器。他们的这些举措模糊了韩国传统音乐和西方音乐之间的界限。当然，也有人认为，将新的元素融入传统音乐不一定是保护传统音乐最好的方式。但此类改革至少表明韩国音乐家对传统音乐的重视，虽然现阶段很难评判这种方式是否最具优势，却不能磨灭他们为了保存和完善传统音乐做出的巨大贡献。[19]

中国歌唱家在运用西方声乐技巧方面的努力也为本文观点提供了佐证。 黄莺九十年代初毕业于上海音乐学院，而后活跃在世界舞台。她曾经在歌剧《蝴蝶夫人》中扮演女主角巧巧桑，她演唱的曲目从威尔第歌剧《弄臣》中的经典咏叹调《亲爱的名字》到普契尼的《波希米亚人》选段《漫步街上》无一不是古典声乐作品的典范。在她1996年发行的专辑中，一首中国绥远民歌《小路》，让人为这位美声歌唱家的精湛技艺和音乐处理赞不绝口。陈露西在美国马里兰大学攻读声乐专业学位。她在2000年做了名为“一个古老民族所隐藏的宝藏”的系列讲座，试图将中国民间歌曲介绍给广大美国听众。讲座中还包含了一场民歌曲目为主题的音乐会，内容包括对中国民歌的简短介绍及美国本土歌手的演唱。整场音乐会不仅是中国民族音乐和文化的展示，更构建了一座世界人民认知中国传统音乐的平台。[20]

随着文艺创新的推进，近年来，更多更新的文化艺术形式展现在舞台上。如2011年“湖北民歌大家唱”颁奖晚会中，著名男高音歌唱家戴玉强用“民美结合的风格”演唱了经典民歌《再见了大别山》；在颁奖晚会上，比利亚歌手郝歌以及来自俄罗斯的时尚组合“莫斯科女孩”合作演绎《纤夫的爱》，“莫斯科女孩”的演唱新颖独特，外形性感甜美，还有一定舞蹈功底，郝歌的演唱更是充满了特有的R&B风格；又如2012年春节联欢晚会上韩庚的《除夕的传说》，韩庚的动作中融合了舞蹈和武术，舞起来威风凛凛，他的动作和动画的节奏配合得天衣无缝；还有李云迪和王力宏携手2012元宵晚会的《茉莉花》和《龙的传人》，蔡明和廖昌永演绎的美通风格的《因为爱情》等。

中西演唱方法的区别值得我们探讨，而在用美声唱法演绎中国民歌时如何保持民族音乐原有的风格特征，是演唱者应该思考的问题。笔者认为保持民歌风格特色的有效办法包括：保留方言、强调乐句中关键词以及掌握民歌中的装饰音。以下笔者将引用湖北民歌《龙船调》为例，详尽阐释用西方唱法演唱中国传统民歌的可行性。

《龙船调》属于江汉平原民歌支区，被联合国科教文组织评为世界25首优秀民歌之一。此曲采用了五声调式中的徵调式，曲调特色鲜明，歌词通俗洗炼，艺术感染力强，以浅显质朴的语言成功塑造了生动的艺术形象。

1.保留方言

《龙船调》具有土家族音乐风格，多采用三度音程进行，偶而加上六度大跳音程与之结合，充分展示出鄂西土家族音乐旋律独特的风格特点。为了保留方言读音以体现民歌的风格特点，《龙船调》的第一句“正月里是新年”中“是”可以用方言代替，湖北方言中“shi”发出的音效如“si”，即“是”发成“四”音；另外，“妹娃儿要过河，是哪个来推我嘛？”这一句中“河”可发为方言“huo”（活）的音。还有“妹妹”在方言中可以唱成“妹娃儿”，更具有地方特点。

2.强调歌词别的字词

强调乐句定的词不但能保留民歌的原有风格，更是增强歌曲感染力的有效方法。例如，“是”强调的是快乐喜悦的情绪——过新年了，年轻女子能够去对河对面探望娘家亲人，因此，这一句曲调高亢、自由；而后的短句“金哪银儿梭银哪银儿梭”，既有划船的节奏感，也体现了年轻女子的青春活泼；而后半说半唱的对白：“妹娃儿要过河，是哪个来推我嘛？”增强了诙谐的情调，又充满了生活气息。此外，“妹娃儿”也需要强调，这句体现了年轻女子稍稍羞涩，半撒娇地让艄公捎她过河的生动情态。整曲通过对关键词的强调，展现给听众一副如画江南的美丽图景，具有浓郁的利川地方特色。

3.运用装饰音保留民歌风格

如果说情感是音乐的灵魂，那么装饰音就是表达情感的重要手段之一，可以说离开装饰音，歌手是无法充分表达歌曲的情感内涵的。我国民族歌曲因为有其独特的风格和韵味，在演唱过程中就需要大量使用装饰音，并通过对装饰音加以变化来传达多种情感的变化。装饰音，又称花音，是用来装饰旋律的小音符；是记有特殊记号以表示该音符应作某种装饰性演奏的音。常用的装饰音有倚音、颤音、廻音、波音、滑音等。装饰音主要位于乐句起始和结束的地方，有时为了强调特定的语词，也可能出现在乐句中间。滑音适用于乐句中的大跳，波音通常用在长音部分，而颤音则用于长音部分和句末。北方民歌轻快、热情奔放，音域宽广，音乐起伏大；相比较而言，南方民歌温婉、流畅，音乐起伏小。例如在第四句的最后一个音符会唱下滑音；《龙船调》中多数句末可以加颤音。六、借鉴美声唱法演唱民歌的意义

中国正处于一个多元文化主义开始的时期。这个时期强调保护民族文化的生态环境，非物质文化遗产也越来越受到人们的关注。民歌演唱作为非物质文化发展的产物，其多元化发展是自身发展的诉求，同时也是时展的需要。顺应民歌的多元化发展，借鉴美声唱法演唱民歌的形式也是顺应时展潮流的，它必将作为一种民歌演唱的形式繁荣中国民歌市场。

文艺提倡创新，文化需要形成大发展、大繁荣的景象。要创新，就必须首先学会继承，同时还需要向其他艺术门类借鉴。这样文化艺术才可以通过继承、借鉴、最终达到创新的目的。民歌的继承、发展、创新也应秉着这样的思路：既要继承中国民间音乐、地方戏曲特色；又要借鉴西方科学的发声方法，从而最终实现民族声乐的创新甚至大繁荣。

民歌的演唱将不再受唱法的限制，但是对唱功的要求将是越来越高超和越来越科学，不同的歌唱家演唱同一首歌曲其风格和个性应该不同，民歌演唱将越来越要求歌唱者必须具有与众不同的声音特点和演唱气质。[21]

审美是一种内在感受，是心灵活动过程中对事物的感觉。随着时代的发展，各种艺术形式相互渗透，产生了不少新的舞台艺术形式。例如：“门类杂交”“张冠李戴”等。所谓“门类杂交”，指的是两个舞台艺术门类之间的杂交。杂技芭蕾《天鹅湖》是一个典型的例子，它是杂技与芭蕾杂交的产物。另外，“张冠李戴”的艺术创新是将一个古典交响乐与新编芭蕾舞相结合——柴可夫斯基的《第六交响曲》和莫斯科大剧院新编芭蕾舞《黑桃皇后》的结合。交响乐与芭蕾舞的结合是天经地义的事情，但是，《第六交响曲》的内容，无论是从柴可夫斯基本人的言谈、书信，还是从评论家的评论、同时代人的回忆，都看不出它与《黑桃皇后》有什么联系。然而，恰恰是因为把毫不相干的两部作品结合起来，造成了人们意想不到的审美效果。使人感到柴可夫斯基的《第六交响曲》仿佛是专门为《黑桃皇后》这部舞剧创作的，音乐和剧情珠联璧合，令人惊叹。[22]

随着新艺术形式的出现，人们的艺术审美水平不断提高，从而对民歌演唱的多元化要求，对不同的方法和形式演绎中国民歌的需求提高。单一的民歌不能满足音乐消费者的需求，需要多元文化，需要不同形式的音乐来承载中国民族民间音乐。

美声唱法传入中国只有数十年，已在中国的歌唱园地中占领了大片的面积，在全国的音乐教育学府中扎根颇深。虽说音乐是无国界的，但除了向别人学习先进科学方法的同时，更应该懂得和喜爱自己本民族的艺术。随着社会的改革，人民群众对艺术样式、门类、品种的选择，有着新的标准。唱好中国民歌，要从学习中国的音乐、中国的文化、中国的戏曲等方面着手。这是美声唱法工作者应该大力开展的工作。中国美声艺术要想在世界上占有一席之地，必须有大量的具有中国民族特色的创作出现。民族的音乐才是世界的音乐。中国美声艺术要在本国扎根，学习和演唱好中国民歌是不容忽视的。[23]

结 语

东西方文化并无高低之分，但在按照世界通用的样式、程序、风格进行歌曲、歌剧创作、演出、评估上，在运用这些文化的载体的各个环节上有经验丰富与否的区别，有熟练与否的区别，有一般作品和经典名著的区别。中国美声学派既要面向世界，也要扎根于本土。由于时代的变迁，人们的审美观念和民歌本身的音乐气质都发生了变化。20世纪60年代的“千人一面”局面已经不复存在。无论是民歌的创作，还是演绎上都发生着剧烈的变化。民歌市场逐渐繁荣，民歌演唱形态走向“百花齐放”。

面对日益开放和创新的时代，文艺的创新和发展提上了日程，我们要创新，首先要做好对历史和文化艺术的传承。随着人类社会的不断发展，中国民间音乐正处在一个特别时期，这也使得美声唱法丰富民歌演唱成为一种可能。作为一个学习西洋唱法的音乐工作者，笔者的初衷是从本专业的角度出发，以自己的实际努力继承和发扬中国民族民间音乐。近年来，业内也有不少音乐工作者提出类似的问题，但作为一个研究方向和值得探讨的话题，还有待更深入的研究。笔者认为，这种尝试是可行的，未来还可以就更好的掌握中国民歌的风格和借鉴西方美声的科学发声方法等问题进行更为深入细致的研究，不断探索。

作者说明：本文为江西省社会科学规划“十一五”（2009年）学科共建项目《陈铭志〈序曲与赋格曲集〉研究》的成果之一，项目编号为09WX275。

[参 考 文 献]

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On the Significance of Singing Chinese Folk Songs with the Method of Bel Canto

LIU Yuan

篇(6)

然而，初学声乐的男高音普遍对这一技术知之甚少，对高音区的盲目崇拜使得他们希望找到一条通往高音之路的捷径，而对于相关具有指导性的理论了解不多的情况下，在练高音技术这一环节上容易产生许多盲区。男高音的训练首先从研究美声唱法中男高音的嗓音特点出发，探讨如何在美声长发中运用正确的发声位置以及高音区的训练方法和中声区和换声区的训练相统一。然后针对美声唱法男高音的演唱中对男高音音乐作品难点的解决，建立正确科学的发声理念。其中，构建男高音声部的方法与要领的核心问题即是解决高音技术问题。

美声唱法中男高音的嗓音特点

美声唱法中，男高音是极其富有魅力的一个声部，它具有洪亮，宽大，优美，抒情等特点。在当今声乐界中，非常全面非常优秀的男高音又极为少数。原因很简单，要唱出震撼人心的高音很难，必须树立正确、科学的发声方法，而又具备极高的艺术素养。

正确的歌唱声音概念，应该是在腔体打开的基础上，气息、共鸣、咬字都要流动、松弛、饱满、圆润、坚实有力度；声音干净、平稳、适度用声带；轻巧、清脆、富有弹性。声音柔和中兼具力量、富有穿透力，同时音色要统一，气息流动，共鸣腔体统一。

美声唱法中男高音的发声正确方法

·男高音高音区演唱中常见的问题

美声唱法男高音高音区演唱中总容易出现一些毛病。对男高音在高音区演唱中常见的毛病提出几点见解：

（1）音色暗淡、没有光彩；声音过于厚重、唱高声区困难；这主要对声音的不了解，不理解，盲目的追求声音的宽，大，空而造成的。

（2）过分提喉，气息上浮，造成声音很单薄，这样使声音没有共鸣，缺少磁性，同样造成上高音的困难。

（3）声带闭合不好，声音漏气，这样造成音色极不干净，久而久之造成声带小结。

（4）过于追求声音靠前，声音的腔体感不够。

（5）气息太浅、声音不扎实，毫无穿透力和震撼力。

以上都是美声唱法中，男高音高音区演唱中容易出现的问题，也是急需解决的唱歌中的问题，建立正确的声音概念和发声方法，就是解决问题的关键。

·男高音高音区的训练方法

1、男高音自然音区的训练

要练好高音区的演唱，首先就要做好自然音区的训练。

男高音的自然声区也就是中低声区，是接近说话能够自然不费力就唱出来的声区。在教学时应该用较长的时间训练学生的这个声区，具体方法是运用正确的呼吸方法，喉头位置保持在打哈欠的较低位置。呼吸均匀。在歌唱时注重保持这个状态，无论是唱渐强、强音还是上行琶音音阶都应该如此。

同时，应该强化技能方面的训练，即加强声带肌肉训练，配合整合身体各发声器官、肌肉群等，在演唱时能把该用的充分用上，不该用的完全甩掉，锻炼在歌唱中的身体充分协调运动的能力；让学生建立歌唱通道的概念，坚守“高位置”歌唱。这样才能够在气息正确运用的基础上，规范地、较为轻松地歌唱。

中音区是歌唱者唱歌的基础，必须训练好。对于男高音来说，建立一个流畅并且毫不费力的，音色优美而声音高度统一的中声区尤其的重要。

怎样才能打好中声区的关键从根本上来说，就是呼吸、发声、共鸣、吐字的各部分器官都能协调地工作，做到呼吸吐气的均匀，喉头位置的相对稳定，发音、声的状态是积极兴奋，软腭硬腭能相互调节获得很好的共鸣效果，身体在放松的基础上，唱出来的声音流畅圆润，力度适当，吐字清楚灵活。在自然声区内能得到优美的音质和共鸣，使得声音规范、科学、富有感情。

下面是针对自然声区的训练而总结出的练声曲：

1 2|3 4|5 4|3 2|1 -|

a

在练习此练声曲时候，要注意声音的强弱，第一小节的“1”弱，唱到第三小节“5”时候，加强腹部也就是横膈膜的压力，做到气息下沉，感觉一个大叹气，同时，声音也要挂住面罩，此时音最强，然后再渐弱，唱出练习曲的旋律感。a母音的练习，在发声前要注意以牙关的打开为前提，硬腭软腭都要充分的抬起，以此获得一个圆润，明亮的声音。

1234 5432 |1234 5432 |1-|

ma mo

在练习此练声曲时候，速度稍稍有点快，在每一个母音的演唱时候要保持音高的上升而不会影响发音位置的变化，保证在演唱每一个音的时候都是从同一个位置出来，当音往上时候渐强往下时候则渐弱。

5 5 5 5|5432 1 |

a e i o u

在练习此练声曲时候，在打开喉咙的基础上，使得“a”“e”“i”“o”“u”母音的转换要在同一个位置，后头不要往上提，也不要过份往下压，保持声音的自然，统一最为重要，气息平稳，在母音转换时，腔体保持打开的状态，每个母音都要挂住“面罩”。

弹唱这三条练声曲，在小字一组dol到小字二组mi之间。

2、男高音高音区的训练

做好了自然音区的训练就要开始做高音区的训练了。

唱高音前的准备工作：抬起软口盖小舌头，首先大脑里有一个正确高音的状态，然后将气息吸至横膈膜，声音从后背向脑后一翻、一扣；让声音贴着咽壁吸着唱；在共鸣腔的运用上，胸腔、口腔、鼻腔、头腔的整体感觉是向外松开着唱；气息在歌唱时有胸口向下垂直叹气的感觉。

男高音到了关闭要牢记两个混合：纯母音与变母音的混合，真假声按音高比例的混合。同时练习关闭高音时要心里想着往后边唱，同时混着气息的共鸣声音再向前、向远发出，声音尽量往通道里唱，轻柔一些，不要过分追求大的音量，二十一有穿透力的声音为前提，经过联系后，高声区的声音也会越发洪亮。

想要获得相对轻松的高声区，关键是正确地打开喉咙。喉咙是非常重要的发音器官，气息经过喉咙中的声带引起振动而发出声音。声带振动的频率直接影响声音的强弱高低。在唱高音时必须正确地打开喉咙，让声带获得自由的高频率的振动，声音才会感到轻松自然、富有灵活性。在得到高音后，气息应支持住，同时用模隔膜和后背的力量来支持坚定的高音，做到有张有弛，才能使声音稳定而又不紧张。

下面是高声区的练习曲谱：

1 3 5 3 | 1 - |

ma

在练习此练声曲时候，都是三度音，让声带能有一个稍微小小的跳跃张力，能承受以后的音乐作品中的一些难点，这只是一个小小的训练，在练习时候也要注意强弱，在唱到“5”的时候，感觉打呵欠一样，气息往下叹，感觉声音在流动。

565 454 | 343 232 | 1- |

ma mi ma mi ma

此练声曲只是一个扩宽音域的小小训练，在唱“ma”的时候，小腹用力，能够带上去就好，在带上去的同时，也要保证“ma”和“mi”在同一个位置演唱，并且唱出整个乐曲的三连音的流动感，每三个音中间的一个音稍微强一些，唱出练声曲的流动性。在演唱时，保持腔体的打开，高声区尤其注意气息的保持，以及挂住面罩。使得头腔共鸣、胸腔共鸣能够合理的运用。

练习以上两条练声曲，从小字一组dol开始，适自己嗓子状态以及声音状态慢慢往小字二组的fa sol la走。

结束语

篇(7)

本论文关键词：美声美声耳朵美声呼吸打开喉咙

“美声”（BelCanto）就是美的歌唱的意思。仔细阅读“美声学派”大师的著作，我们会发现“美声学派”要求歌唱者能够表现以下这些特点：纯正的发音、优美的音色；演唱时的轻快和杰出的技巧；强弱自如、连音流畅；由正确的发声方法和听觉训练所形成的完美的音准；能随心所欲地表达感情和乐思。由此可见，“美声”的歌唱原则是有助于歌者的训练的。而将美声的歌唱原则运用在长笛教学中，同样收到了非常好的效果。

1．“美声”耳朵的训练

“美声耳朵”的训练其实就是“美声学派”关于听觉训练的目标。教师不仅训练学生视唱与音程的辨别，而且要求学生像对待发展正确的音高那样去发展学生预想中想达到的完美的声音音质的能力。一旦做到这一点，受过训练的富有识别力的耳朵就会引导学生自主地在练习中不断地去衡量音色、音准，并判断元音是否纯净、节奏是否准确，以及其它声乐问题。但是要获得正确的训练有素的听觉是一项长期而艰苦的任务，只能在教学中遵照循序渐进的原则，不能急于求成。

这一因素同样适用于长笛教学。对学习器乐的学生来说，“耳朵好坏”（指听觉能力的高低）是相当重要的。几乎所有的学生在接受器乐训练的同时就已开始了有系统的听觉训练。就拿音乐基础训练之一的练耳课程来说，要从小学一直坚持到大学，几乎成为仅次于专业学习的、历时最长的科目。长笛这件乐器对于初学者来说还是有一定吸引力的，因为它是一种初学时很容易掌握的乐器，（虽然它和其它的乐器一样，要精通它，达到最高水平是很难的）。长笛携带方便，不需调音，是一件固定音高的乐器，较之非固定音高乐器—拉弦乐器，在音准上相对容易把握一些。虽然长笛有这样的优越性，但仍要用耳朵仔细去辨听音色是否统一，音准是否准确。长笛是一件边棱音乐器，无需哨片，长笛的声音主要依靠吹奏者的气息控制和嘴唇的微调来调整。诸如呼吸不匀、嘴唇过紧或过松、吹孔覆盖的多少、嘴唇是否居于吹孔中心等等都会影响到吹出来的声音。这就需要用耳朵仔细听辨，勤奋练习，逐渐达到标准。

2．“美声”呼吸的训练

这里“美声”的呼吸指“美声学派”的先驱者为了要获得一种音质优美、圆润、甜美、柔和、连贯、轻松自如的歌唱效果，从长期的教学和演出中总结经验，终于得到一种一致认可的、最科学、最有效的歌唱呼吸方法—胸腹式联合呼吸法。将这种呼吸法运用于长笛吹奏中，也收到了令人满意的效果。

同美声唱法的呼吸训练相一致，长笛教学中对呼吸的要求也是胸腹式联合呼吸。获得这种科学的呼吸是非常重要的，它可以使笛声美妙清脆，柔和持久；使吹奏出来的音符干净清醇，流畅清晰。这就需要我们坚持不懈地练习—（1）可以采取陶醉的“闻花香”式的呼吸训练，口鼻同时缓缓地深吸气，两肋扩张、横膈膜下降，将气保持在腰间系皮带处控制一会儿，体会气息的扩张支持后再将气缓缓呼出，呼气时仍将继续体会腰部一圈的扩张保持。这种缓呼缓吸的练习是胸腹式呼吸的最好练习，它使得长乐句的吹奏不再成为困难。（2）可以采取“狗喘气”式的呼吸训练，即快速地吸气，导致两肋快速扩张，随后再快速将气呼出，如此反复的急吸急呼就象狗喘气时那样。这种呼吸的训练可以练出腰腹肌很好的弹性，对完成跳跃、短促的音符有轻快的效果。（3）可以采取“抽泣”式的呼吸训练，就象人伤心抽泣那样，快速地将气吸入后再将气缓慢地吐出。这种急吸缓呼的呼吸适用于较长乐句中的抢气，使得吹奏长乐句时气口很小，吸气不占时间又能保持整个乐句的连贯性。（4）可以采取“深吸气、暖哈气”式的呼吸训练，口鼻同时将气深深地吸入，再将气控制着轻柔地呼出，可以用保持长笛的吹奏嘴型同时往手心暖暖哈气的方法来体会这种呼吸的控制，这种呼吸训练可以极大地美化长笛的音色。

3．“美声唱法”打开喉咙的技巧在长笛教学中的运用

喉头是人声的声源体。歌唱发声时喉头位置的状态，与呼吸的深浅、共鸣腔的调节有十分密切的关系，它将会影响到声音的音质、音色、力度、音准以及声部特征。因此，歌唱发声时喉头应保持在相对稳定的正确位置上。喉头相对稳定是指歌唱发声时的喉头始终处于自然、自如、颈部肌肉放松、易于发出优美声音的稳定状态。正确的喉头位置形成于打开喉咙深吸气的状态。打开喉咙最充分、最自然、最适度的方法就是练习打“哈欠”。这里的打“哈欠”实际上是哈欠刚刚酝酿时的“半打哈欠”状态，这个状态下的哈欠，鼻腔呈开放状态，软口盖积极向后上方牵提，舌松软平放，使得舌根和后咽壁距离拉开而形成一个拱型空间。