音乐学专业论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇音乐学专业论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

（一）注重对学生学习观、人生观的培养

每位教师在钢琴教学的初期就应该注重对学生学习观、人生观的培养。教师应该有计划的、有方向的对学生的思想进行引导，使学生不论是在生活中还是学习上都能明确自己究竟怎样做才是正确的，帮助学生树立“不积跬步，无以至千里”以及学无止境、知难而进的学习态度，从而逐渐地帮助他们树立正确的学习观、人生观。

（二）注重对学生审美能力的培养

培养高校音乐学钢琴专业学生的审美能力是十分重要的，它不仅可以让学生的音乐鉴赏能力得以提高，还可以使学生们对钢琴艺术更加热爱，更重要的是它可以使学生的心灵得到净化。因此，一方面，高校钢琴专业的教师在授课时可以适当的插入历史知识、文化知识、舞蹈知识等,拓宽学生的知识面，让学生明白钢琴艺术与其他学科是有着千丝万缕关系的，而不是单独存在的。另一方面，教师可以引导学生在课余时间阅读文学名著、参观艺术展览，鼓励学生多亲近自然，寻找灵感，使学生在知识、艺术与自然的熏陶下渐渐提高自己的审美能力。

（三）注重对学生学习兴趣的培养

兴趣可以使学生在钢琴学习过程中表现的更加积极、主动和认真，教师应该加强对学生兴趣的培养。可以从三个方面入手：第一，言传身教必不可少。教师在授课过程中要全面展示作品的内容，积极表达对钢琴音乐的热爱，以此来感染学生，让他们对钢琴艺术产生浓厚的兴趣。第二，聆听优秀的钢琴音乐很重要。为了提高学生对钢琴艺术的兴趣,教师应组织、鼓励学生多听一些优秀的钢琴音乐，多参加音乐会，多了解音乐家的人生经历。以此使提高学生对钢琴艺术的兴趣。第三，学以致用是关键。教师要合理引导学生们应用课堂所学知识来分析理解钢琴音乐作品，培养学生对音乐作品的感受力和想象力，让学生在实际应用中体会到钢琴音乐的魅力。

（四）注重对学生音乐才能的培养

学生的各项能力是建立在高超的钢琴才能的基础上的。教师在钢琴教学中要注重对学生以下几方面的培养：首先是培养学生的节奏感。节奏是组成音乐的主要部分之一，教师在教学时要引导学生细心体会节拍的律动，指导学生正确认真地弹奏乐曲。其次是培养学生的音乐感。教师在钢琴教学的过程中要充分展示作品的内容，带领学生感受作品的意境，引导学生运用想象力想象作品描述的内容，体会作品的内涵。最后是培养学生的记忆力。教师应鼓励学生注重乐曲弹奏的连贯性，鼓励他们多做练习，多弹奏、背诵一些名作，增强学生的记忆力。

二、教学内容要更完善

完善高校音乐学专业钢琴教学的教学内容是高校钢琴教学改革的重点。

（一）教学内容丰富多样

为了让学生得到全面的发展，高校的钢琴教学不能只注重教授知识，传授技术，这是十分片面，十分单一的。高校应结合社会要求以及学生特点完善教学内容，使教学内容更加丰富多样。巴洛克时期的优秀钢琴作品内容丰富，结构系统，对提高学生对钢琴作品的理解十分有帮助，高校可以多引进这一时期的作品；高校可以建立一个数据库，收藏大量与钢琴艺术有关的资料供学生们下载使用；高校还可以使用钢琴教学法，让学生了解钢琴教学，提高学生实践能力。

（二）钢琴技巧与理论相结合

首先要引导学生认真学习各种有关钢琴的知识及技巧，为学生将来的钢琴演奏技能打下夯实的基础；其次要泛弹精弹相结合，提高学生的视奏能力和实践能力。这样理论与实际相结合，让学生在理论中学会知识，在实践中理解知识。

三、教学模式要创新

高校音乐学专业钢琴教学教学模式的创新是高校钢琴教学改革的关键。

（一）钢琴教学的针对性要增强

了解学生个体的差异，针对不同的学生个体确定不同的教学内容是增强钢琴音乐教学针对性的关键。教师应在日常教学中细心观察和了解学生所存在的问题，对读谱有困难的学生应帮助其学习谱号、音符等，使其学会正确读谱；对触键有困难的学生应帮助其学习触键准则，学会触键方法；对不会指法的学生要指导其进行正确的指法练习，帮助其进步。

（二）钢琴教学的灵活性要增强

高校可以通过不定期开设讲座等方式向学生介绍钢琴音乐的最新动态；通过组织学生参加高水准音乐会的方式让学生们领略钢琴艺术的魅力；通过组织学生开展学生音乐会的方式让学生得以展示自己的才华，增强他们的信心，使他们更加热爱钢琴艺术。

（三）钢琴教学的互动性要增强

教师应充分调动学生的积极性和合作意识，引导他们参与到钢琴教学中来。一是高校钢琴专业教师在教学过程中要尽力营造和谐民主的课堂气氛，告别传统的老师讲学生听的模式，让每个学生都能在师生共同探讨中学到知识，实现师生之间的互动；二是教师可以将学生分成不同的学习小组，让学生在小组中合作学习，互相帮助，共同探讨，实现学生与学生之间的互动。

四、结语

篇(2)

【关键词】音乐学专业 课程体系 人才培养 教学改革

【基金项目】吉林省教育科学“十二五”规划课题《2005年―2014年吉林省高师音乐学专业课程体系建设研究》，批准号：GH14374。

【中图分类号】J60 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2016）31-0211-01

吉林省教育科学“十二五”规划课题《2005年-2014年吉林省高师音乐学专业课程体系建设》申报于2014年5月，于2014年7月18日，经吉林省教育科学研究领导小组办公室审核批准立项。课题的研究背景建立国家教育部在2004年12年下达的《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科专业课程指导方案》以及2006年11月下达的《全国普通高等学校音乐学本科专业必修课程教学指导纲要》这两个重要的教学改革指导文件基础之上。自上述两个文件下达之后，吉林省高校音乐学专业积极响应改革，并根据自身办学基础与办学条件，调整课程体系。在近十年间，各所高校通过不断的调整课程体系，实现了各具特色的音乐学专业人才培养。课题的研究正是基于国家宏观教学改革方案，对近十年来在国家“方案”下达后，吉林省地方高师音乐学专业课程体系的具体建设情况进行调查研究。

前期的文献梳理：

近年来，随着教学改革的不断深入，有关高师音乐教育课程体系建设方面的论文层出不穷。仅从知网中获取相关论文，包括公开发表的期刊论文以及硕士与博士毕业论文有就243篇（从2005年-2014年）。这些论文从不同的角度对高师音乐教育改革提出不同的建议。对此类论文进行筛除，最后精选了其中的部分具有代表性的文献进行述评。

1.从宏观高师音乐教育专业课程体系进行研究。

这一类的文章直接从高师音乐教育专业课程体系的构建方面，通过较为详细的数据支撑其结论。代表性的文章如王丽燕的硕士论文《我国高师音乐教育课程体系改革研究》[D].（中央民族大学，2005.）等。

2.以某一专业方向作为切入点，对高师音乐教育专业课程体系进行研究。

这一类文章通常以“声乐”、“器乐”、“作曲技术理论”、“音乐基础理论”等专业方向作为研究的切入点，在高师音乐教育课程的整体中取其研究的部分进行专门研究。代表性的文章如龚迅的文章《浅谈高师音乐教育专业乐理课程教学框架与教学流程》[J].（《音乐探索》，2012，04：124-126.）等。

3.以基础音乐教育改革为中心，对音乐教育专业的课程设置进行研究。

这一类文章从高师音乐教育与基础音乐教育之间的统一性出发，以基础音乐教育教学改革的动向作为高师音乐教育课程调整的依据，对高师音乐教育课程体系提出合理化建议。代表性文章如张海彬的硕士论文《基础课程改革视野中的高师音乐教育课程整合研究》[D].（东北师范大学，2006.）等。

4.以社会人才需求为中心，对音乐教育专业课程设置进行研究。

这一类文章从社会人才需求、各类技能大赛中反映出的人才培养规格等方面，对音乐教育专业课程设置与课程体系建设展开研究。代表性的文章如李艳红，刘雪松的论文《以市场需求为导向的高校音乐课程设置与改革策略》[J].（《大舞台》，2013，10：178-179.）等。

综上，近十年里，有关于高师音乐教育专业课程体系的建设方面的研究已经形成了一定的成果。但是，以服务于吉林省音乐教育事业为研究目的，将吉林省省属高师音乐教育专业作为研究对象，对长春师范大学、吉林师范大学、通化师范学院、白城师范学院的音乐教育专业近十年来的课程体系建设方面的综合性研究成果目前还处于空白状态。

在过去的一年多的调查与研究工作中，我们先后走访了长春师范大学、吉林艺术学院、吉林师范大学、北华大学音乐学院、通化师范学院、白城师范学院等六家高校的音乐学（教师教育）专业，在各兄弟院校音乐学院教学院长与教学秘书的大力支持下，我们搜集到了各校近十年来人才培养方案共计11个版本。这些人才培养方案对于本课题的研究起到了关键性的支撑作用。

另外，在走访过程中，我们还对于课程的实际开设情况作出了一定的了解，在此基础上交流各校教学改革思路，这些工作中，课题组成员无论是从教学研究的视角与视野，还是从教学改革的构思与课题调研实践，各方面均有所收获。

本篇文章所综述的内容仅是课题研究过程中的阶段性成果。课题的研究目前仍在进行，课题的下一步工作将把重点放在人才培养方案及课程结构与课程体系的进一步对比研究之中，通过上述内容的比较研究得出结论，为吉林省乃至全国的高师音乐学教学改革提供一定的参考。

参考文献：

[1]王丽燕.我国高师音乐教育课程体系改革研究[D].中央民族大学，2004.

[2]龚迅.浅谈高师音乐教育专业乐理课程教学框架与教学流程[J].音乐探索，2012，04：124-126.

[3]张海彬.基础课程改革视野中的高师音乐教育课程整合研究[D].东北师范大学，2006.

[4]李艳红，刘雪松.以市场需求为导向的高校音乐课程设置与改革策略[J].大舞台，2013，10：178-179.

篇(3)

半个多世纪以来，特别是改革开放之后的新时期以来，作为主要发起者、组织者和承办者，武汉音乐学院作曲系多次开风气之先，举办了在中国现、当代音乐历史上具有重要意义的学术会议。武汉国际新音乐节正是在继承与发扬这一经验的基础上，进一步深化专业音乐教育管理改革，强化音乐创作、理论研究、专业教学与艺术实践齐头并进、相互促进的观念，进一步注重让武汉音乐学院师生广泛参与立体受益，使全国特别是世界各地同行多层面面对面交流的效果的产物。另一方面，我国的北京、上海等城市，已经都有以音乐学院为依托的常设国际音乐节制度，并对促进专业音乐教育水平与丰富城市文化生活发挥着越来越重要的作用。因此，武汉音乐学院、武汉国际新音乐节组委会希望通过辛勤的工作、高效的管理，力争把“武汉国际新音乐节”办成华中第一、全国一流并具有广泛国际影响的品牌音乐节，为武汉乃至我国的专业音乐教育事业的和谐发展做出积极的贡献。

“2007武汉国际新音乐节”（以下简称“音乐节”）策划、准备、举行了七场中外新作品音乐会、三场现代音乐学术讲座、两场作曲大师班，并务实举行了“第二届中国现代音乐创作研究年会”和“全国视唱练耳教学研讨会”，体现出理论研究与作曲实践交相辉映的鲜明特色。

一、以中外新音乐首演为中心内容的作曲实践

为期五天的“音乐节”举行了七场音乐会，包括两场瑞士新音乐团现代作品演奏会，现代电子爵士独奏音乐会，贾达群教授作曲大师班音乐会，“民歌琴深”――全国音乐专业学生根据中国民歌创编的钢琴独奏曲比赛决赛音乐会，武汉音乐学院作曲系教师作品音乐会，武汉音乐学院作曲系学生作品音乐会，共演出了中外现代音乐作品58首，其中的大多数为世界首演或中国首演。

武汉音乐学院作曲系师生专门为“音乐节”创作了大量的音乐作品。例如，刘健为中提琴和四件弦乐器而作的《面具》，其艺术想象基础来自于巫文化中的某些祭祀场景。作品用三种不同的民间音乐要素――随心演奏的弹拨乐器、似吟似唱似吼的人声、大小不同的鼓――构成主导性的音乐形态并不断变形发展。作品并不表现祭祀的过程或通神的力量，而是倾心于巫文化中“似颠似狂”行为中体现出的张扬个性及超越世俗的通灵状态。黄汛舫为独奏小提琴和七件乐器而作的《剑》，创作灵感来源于小提琴多姿的弓法与剑术绚丽招式间的音乐联想。作品并不仅仅囿于“具象”的“剑谱招式”，而谋求艺术与武学至高境界的神合。独奏小提琴借题发挥、借“剑”炫技，着力刻画特立独行的个体形象。其他乐器声部或群起群落，或夸张无常，联合营造与之相矛盾的“环境”形象。两个对峙板块按各自的材料和逻辑线索运行，从而完善了一个相对相依的“生态”共同体。靳竞的《为独奏大提琴而作》包括“沉思的”、“自由而渴望的”、“平静清澈的”、“清醒的”等四个段落，每段音乐描述的都是非常自我的意识形态，并因此给予了演奏者很大的发挥空间。靳竞为管弦乐队及合唱队而作的《歌，在忧郁与理想之间》的整体结构为带再现的多段体曲式，作品中的合唱素材仅仅被当作一个音色使用，合唱中所选用的词句都与生命与爱有关，来源于13世纪中叶的经文歌《Pucelete(漂亮姑娘)―Je languis(我憔悴)―Domino(吾主)》，主题是歌颂美好的爱情。乐队素材采用了十二音序列的原形与变形，和一个七音序列以及大小二度、四五度等音程关系。总的看来，作品在努力制造一个RE到LA的主属关系。赵曦的《无伴奏小提琴奏鸣曲》采用双乐章结构并连续演奏。两个乐章的小标题分别为：“我之所见”与“他/她之所闻”。乐章间从速度、结构、音响等方面，以眼“见”和耳“闻”这两种人类最重要的交流手段来体现生命间的互动。赵曦另一首作品是为钢琴、铜管、弦乐队与打击乐而作的小协奏曲《南国》。这里的“南国”既是一种地域的泛指，又是作者心中虚构的一个音乐世界。从“江南”到“岭南”，从“五岳之南”到“彩云之南”，这一片山水世界有着多变的地貌、多样的民族、多彩的音乐……因此它是神秘的、细腻的，也是火热的、粗犷的。作者试图以钢琴与乐队间强烈的节奏抗衡，音响色彩与线性材料的转换、交织，描绘出印象中南方绚丽的风景和人们的热情与多情。

需要特别提及10月14日晚19时30分在武汉音乐学院编钟音乐厅举行的“民歌琴深”――全国音乐专业学生根据中国民歌创编的钢琴独奏曲比赛决赛音乐会。本着“促进作曲教学，弘扬民族音乐，繁荣音乐创作”的宗旨，此次比赛从2007年5月起，向全国各音乐院校、艺术院校征集作品，共收到参赛曲目129首。其中18首作品经过初赛后进入到现场决赛音乐会。这些作品多用现代技法写作，将中国的传统民歌通过全新演绎，展现出别样风情。比赛特邀了著名作曲家、音乐理论家、音乐教育家罗忠F先生、桑桐先生、谢功成先生担任本次比赛的评审委员会顾问，武汉音乐学院院长彭志敏教授担任评审委员会主席，中外作曲家、指挥家、理论家、音乐出版家徐孟东、何训田、贾达群、刘健、徐仪、温德青、赵曦、黄汛舫、钱仁平、孙佳、安瑞尼・富兰索斯、皮埃尔-阿朗・莫诺等担任现场决赛音乐会评委。武汉音乐学院颜帅的作品《“其其米杂拉”的狂想》获得金奖，沈阳音乐学院白晨的《童年的走马灯》、武汉音乐学院姬华的《镜・花・水・月》获得银奖，中央音乐学院迟铁的《云梦泽》、武汉音乐学院柴佳的《湖北麻城“扯白歌”――梭・哆・拉・梭》以及潘锴的《海海漫漫土没川》获得铜奖。

优秀的音乐作品、精湛的表演技艺、热情的听众反映，共同构成了本次“音乐节”最亮丽的风景。

二、以中国现代音乐创作为中心的理论研究

作为“音乐节”重要板块之一的第二届中国现代音乐创作研究年会共在全国范围内征集论文35篇，其中有关中国现代音乐作品的“个案研究”占了大多数。武汉音乐学院郑英烈教授受“音乐节”中有关根据民歌创编钢琴独奏曲比赛项目启发，并结合桑桐先生《在那遥远的地方》创作60周年的契机，专门为年会写作了论文《民歌主题与无调性和声的巧妙结合――贺桑桐钢琴曲〈在那遥远的地方〉创作60周年》，从“创作历史背景”、“作品的构思与技术处理”两个方面深入分析研究了桑桐先生这部杰出的作品。上海音乐学院周倩的《多元语境中的作曲新路》从“隐形主题与微变奏”、“音高形态与节奏模式”以及“复语言和复文化与创作思维的创新”等三个方面，探讨了朱世瑞《草――词的微变奏》的创作思维与技法。首都师范大学王文的《继承传统、丰富传统》则从“主导动机的贯穿与延伸”、“调式交替手法的运用”、“多调性手法的运用”以及“调性与非调性手法的综合运用”等四个方面，论述了舞剧《白鹿原》的音乐创作手法。北京联合大学师范学院卢璐与中国音乐学院张忠平的论文则分别研究了高为杰先生的混合室内乐《雨思》与钢琴曲《冬雪》。上海音乐学院李涛与沈阳音乐学院吴家军的论文则分别研究了陈怡的《大提琴协奏曲》与混合室内乐五重奏《春夜喜雨》。而衡水师范学院徐文正与武汉音乐学院作曲系研究生龚光红的论文，则从不同的角度研究了同一个对象――金湘的交响大合唱《金陵祭》。

武汉音乐学院作曲系的研究生团队向年会提交了一批论文。龚华华的《积墨・破墨・泼墨》借鉴中国画用墨技法中的三个概念，阐释了杨立青《荒漠暮色》中的几种管弦乐色彩技法，并认为这部作品的管弦乐色彩技法与中国画中的用墨技法有着许多神似之处。李洋的论文则以杨立青的另一首作品《引子、吟腔与快板》为研究对象，通过对管弦乐队各乐器相对于二胡音色的融合性的分析与量化，探讨了作品各乐器组、整个管弦乐队相对于二胡音色的融合性变化过程。唐荣的论文从音色与织体的结构功能切入，详细分析了王西麟的《第四交响曲》。段文晶《民间戏曲音调与西方现代作曲技法的结合》通过对贾达群《蜀韵》的分析研究，概括出作品在横向音高旋律、纵向音高结构、多元化的创作技法、多层次的声部布局、多变的律动方式以及乐曲多变的结构布局等方面技法运用的特点。蔡志妮的《传统与现代的对接》通过对周振锡20世纪60年代根据同名花鼓戏主题创编的钢琴独奏曲《双撇笋》的分析，从旋律、和声、节奏、曲式等方面探讨了作品是如何在创作上将传统与现代“对应”起来的。孙剑的《音乐作品的二元解析与控制手段――参照赵曦室内乐作品〈葳蕤〉形成过程》，通过对作品二元关系的解析，提出“可动性二元关系”和“隐性控制手段”的重要作用。在此基础上，试图说明“控制”、“有限控制”、“非控制”三者在现代音乐创作过程中的功能和相互关系，以及“有限控制”技术的核心价值。

年会还发表了有关中国现代音乐方面的学术书评，比如，西安音乐学院夏滟洲的《音乐评论：理论与技术的二重奏》，由钱仁平的《中国新音乐》说开去，探讨了音乐评论，究竟该怎么评、论什么等相关问题。武汉音乐学院钱仁平、马学文的《不断完善的开山之作》则对郑英烈教授的《序列音乐写作教程》进行了较为全面的述评。

另外，“音乐节”还举行了三场学术报告会，也就相关专题进行了深入的理论探讨：温德青教授主讲的《来自中国书法的启迪――我的〈痕迹〉I-V 系列作品分析》；瑞士新音乐团主讲的《现代演奏法与现代记谱法》以及英国约克大学音乐学院罗杰・玛尔什教授主讲的《英国现代音乐的新动向》。

首都师范大学音乐学院王安国教授在第二届中国现代音乐创作研究年会闭幕辞中，对此次年会上新生力量的崛起感到欣慰，并对年会宣讲的论文给予了高度评价。2009武汉国际新音乐节期间，我们还将举行第三届中国现代音乐创作研究年会，武汉音乐学院中国现代音乐研究中心及其所创办的中国现代音乐创作研究年会，号召更多的学者投入到中国本土现代音乐创作研究中来，并期待着更加深入、更加系统、更加丰富的成果出现。

篇(4)

一、声乐艺术指导教学本质

声乐艺术指导（Vocal Coach）主要是指为声乐演唱者进行钢琴伴奏并进行音乐指导的表演方式。这种表演方式与所谓的“钢琴伴奏（Piano Accompaniment）”有相似和不同之处。其相似之处表现在，两者的演奏乐器均为钢琴，并且都以和声乐演唱者合奏的形式进行表演。而这种表演艺术则必须建立在钢琴弹奏与声乐演唱互相配合的基础上，因此表演者要在表演前进行大量的排练、磨合。而声乐艺术指导则与所谓的钢琴伴奏有这本质的区别。“钢琴伴奏是一个操作层面的术语，它暗示出器乐独奏与钢琴伴奏间的某种关系，这种关系既要求二者相辅相成，互相补充，又要求钢琴伴奏者不可‘锋芒太露’，‘喧宾夺主’”。（李智芳.关于国内音乐学院声乐钢琴艺术指导专业的分析与比较[D].中国音乐学院硕士学位论文，2008.）简而言之，钢琴伴奏是一个陪衬性角色的存在，它并不是声乐作品的一部分，而是为了提高声乐表演效果的手段。而声乐艺术指导则是声乐作品的一部分，它和声乐表演是一个统一体，二者缺一不可。并且钢琴伴奏的艺术表现取决于声乐表演者的需要，而声乐艺术指导更要体现“艺术指导”的效果，它是整个声乐作品的指挥者与策划者。因此，声乐艺术指导和钢琴伴奏在某种意义上来说是“指导”与“被指导”的关系，两者不可混为一谈。

声乐艺术指导既是声乐表演的一部分，那么艺术指导就不能仅仅以伴奏的水准来要求，应当打到更高层次的艺术境界。在声乐艺术指导研究生教学方向上，也应当有统一的专业教学标准。“众所周知，专业名称的统一，不仅代表着一个专业的概念、一个专业的性质，还说明了学术界对其专业内容已经达成了共识，对未来学科的健康快速发展也就起到了良好的推动作用。专业名称之所以要强调科学准确，甚至要求要与世界接轨，就是因为随着经济的全球化和信息的网络化，教育也必然走上国际化。为了同世界各国进行教育合作与交流，就必须规范专业名称，统一专业标准。”（李智芳.关于国内音乐学院声乐钢琴艺术指导专业的调查与设想[J].乐器，2010，（11）.）而要完成与国际接轨，我们就应当借鉴国外声乐艺术指导课程的设置方式，寻找国外声乐艺术指导课程的教学规律。

二、国外声乐艺术指导教学特点

国外声乐研究生艺术指导已经形成了一套独立的教学体系，这不仅体现在国外声乐艺术指导的课程设置方面，还体现在声乐艺术指导的专业教学方面。

国外音乐学院普遍将声乐艺术指导与钢琴表演视为同等重要的两个专业。“在钢琴系中，钢琴艺术指导不仅是钢琴表演专业学生的必修课，也是一个独立的专业。即使是主修钢琴表演专业的学生，从大学二年级开始，必须进行钢琴艺术指导的学习，一直到五年级毕业。如果要进研究生院继续深造，钢琴艺术指导也是入学考试重要的内容之一和将来必修的课程。由此看来，钢琴艺术指导与钢琴表演是相辅相成、缺一不可的。”（沈红.圣·彼得堡音乐学院的钢琴艺术指导课[J].音乐研究，2001，（3）.）在国外，声乐艺术指导和钢琴表演既然视为同一地位，那么艺术指导就不再背负“伴奏”或者“衬托”的身份，而是成为表演声乐作品的一部分。并且声乐艺术指导更是应当为声乐演唱者担当“艺术教练”，规划作品处理和完成方式，对整个表演起到宏观调控的作用。

在教学中，国外的音乐学院也颇为重视声乐艺术指导与声乐演唱者配合层面上的教学。“当开始学习一首新曲目时，钢琴艺术指导的教师在课上不但要教你如何弹奏，如何处理音乐，还要充当演员的角色，当你把伴奏弹奏得已游刃有余时，也就是大约一、二节课后，声乐老师或器乐老师开始进入课堂，与钢琴艺术指导教师一起帮助你处理歌曲（乐曲），这时在课上，实际是负责表演的教师在带动着你的弹奏，以此更好地培养你与演员的合作能力及其为此所必需的技巧。”（沈红.圣·彼得堡音乐学院的钢琴艺术指导课[J].音乐研究，2001，（3）.）声乐艺术指导不仅要指导声乐演唱者的艺术表现，更要参与其中，与演唱者形成某种形式上的默契，这样在实际表演当中才能使钢琴与声乐融为一体，你中有我，我中有你，不会在任何一方有所偏袒。

国外的声乐艺术指导教学特点极其鲜明，即教导声乐艺术指导的学生如何以指挥者的形象指导声乐演唱者，在表演时如何再从指挥者的形象变为参与者，配合声乐演唱者完成声乐艺术作品。

三、国内声乐研究生艺术指导教学现状

在国内，声乐艺术指导研究生专业方向于近些年在部分音乐艺术院校相继开设。他们对于此专业的名称理解也各不相同。如下仅列举中央音乐学院、中国音乐学院、沈阳音乐学院和武汉音乐学院的声乐艺术指导研究生专业方向设置情况。

中央音乐学院将此专业称为声乐伴奏艺术，系别归为钢琴系，学制为三年，研究方向为美声方向。教学方式方面，教授和副教授总共三人，授课方式为单独小课。教学内容方面，必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、钢琴发展史、钢琴艺术史、声乐发展史、论文写作指导课；辅修课有意大利语、德语、法语、总谱读法、重唱、歌剧排练、传统唱法沿袭等。

中国音乐学院将此专业称为声乐钢琴伴奏，系别归为钢琴系，学制为三年，研究方向为美声、民族两个方向。教学方式方面，教授和副教授总共两人（美声方向、民族方向各一人），授课方式为分配合作。教学内容方面，必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、声乐、总谱读法、即兴伴奏、歌剧排练、意大利语、德语、法语、论文写作指导课；辅修课有钢琴教学法、钢琴文献、歌剧赏析、西方声乐史、音乐剧赏析、键盘艺术史等。

沈阳音乐学院将此专业称为钢琴伴奏艺术，系别归为钢琴系，学制为两年半（两年的课程学习及半年论文答辩），研究方向为美声、民族两个方向。教学方式方面，教授和副教授总共五人，授课方式为自主合作。教学内容方面，必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、论文写作指导课；辅修课有法语基础及声乐作品导读、声乐发展史、欧洲歌剧发展概论、爵士音乐史、20世纪中国歌剧创作史论研究、歌剧排练、合唱、歌唱重唱、表演课、计算机制谱等。

武汉音乐学院将此专业称为声乐艺术指导，系别归为钢琴系，学制为三年，研究方向为美声民族综合方向。教学方式方面，教授和副教授总共两人，授课方式为选拔合作。教学内容方面，必修课有钢琴演奏课、钢琴伴奏课、视唱练耳（高级）室内乐（三重奏/双钢琴）、总谱读法、论文写作指导课；辅修课有钢琴文献、声乐文献、歌剧排练、声乐表演、合唱、即兴伴奏、意大利语、德语、法语等。（李智芳.关于国内音乐学院声乐钢琴艺术指导专业的分析与比较[D].中国音乐学院硕士学位论文，2008.）

通过上述内容不难发现，国内各音乐艺术院校对于声乐艺术指导专业有很多相同和不同的见解。相同方面体现在，各院校将声乐艺术指导专业归在钢琴系，在必修课程方面也主要以钢琴演奏水平和伴奏水平为主要出发点。不同方面体现在，各院校对于专业名称有不同的看法、对于专业研究方向有不同的设置、师资力量的大小决定着对此专业的重视程度等。

四、国内声乐研究生艺术指导教学改革方向

从国内声乐研究生艺术指导教学现状分析，国内声乐研究生艺术指导教学是需要进行改革的。只有国内各音乐艺术院校对于声乐指导专业达成共识，此专业才有可能立足于长久发展。

首先在专业名称方面，各院校有不同的看法。声乐伴奏艺术、声乐钢琴伴奏、钢琴伴奏艺术等诸如此类的专业名称，将伴奏提升到了一个较高的地位。应当明白的是，声乐艺术指导和钢琴伴奏属于截然不同的两个概念。因此，在专业名称上应当进行适当地统一。从英文翻译角度来看，“Vocal Coach”一词的最好翻译应当是声乐艺术指导，因为该名称体现了声乐艺术指导的最本质属性和专业侧重点。

其次在专业所属系别方面，国内甚至国外音乐艺术院校均认为应当将声乐艺术指导专业归属于钢琴系，因为该专业更侧重于钢琴演奏水平和钢琴伴奏水平。但也有人认为，声乐艺术指导与声乐也有密不可分的联系。那么，声乐艺术指导中的声乐修养也应当被重视。该专业也应当与声乐专业创造更多交流合作的机会，避免故步自封，使声乐艺术指导专业添上更多声乐人文色彩。

再者在专业教学课程方面，钢琴演奏和钢琴伴奏课程被国内各院校赋予声乐艺术指导专业以较高的课程地位。而这也会造成声乐艺术指导能力一边倒的现象：声乐艺术指导的钢琴技能高超，但声乐素养略低。声乐艺术指导与声乐密不可分的关系，决定声乐艺术指导专业应当重视声乐素质的培养，加强与声乐演唱者合作的意识。

篇(5)

一、拓宽了对音乐传播特征性研究的新视野

对音乐传播特性的思考成为本次学术研讨会的亮点，备受关注。这一点非常明确地体现在曾遂今教授的《音乐传播的时空关系研究》及薛艺兵教授的《流动的声音景观――音乐传播与地域分布研究方法新探》两篇论文中，曾遂今的论文中对于音乐传播中的时空关系进行了深入思考，归纳出了音乐传播的四种模式：音乐的“零信道”传播、“信道”传播、“盲信道”传播和“网络信道”传播四种模式，并揭示出音乐传播的“时空同向效应”和“时空反向效应”及两种时空效应观念。薛艺兵教授从“声音是一个流动变化的景观”这个新视角来思考，突破了以往静态研究的局限，以时间和空间双维度动态变化的角度审视在历史过程和地理分布中流动变化着的“声音景观”（sound scape）。他提出的“声音景观”这一概念在音乐的传播空间与历史流变中，对于音乐传播学和音乐地理学的研究具有方法论的启示意义。此外，中国传媒大学青年教师张谦的《论音乐传播中的现场互动行为》及博士生陈镇华的《论流氓学视野中的音乐传播》等论文对音乐传播在传播途径中的特征提出了新观察与新思考，拓宽出较新的观察视野。

二、丰富并呈现出对音乐传播思考多元化的新景象

在当代社会的音乐文化生活中，音乐传播作为一项重要的人为活动贯穿整个过程。音乐传播无论从理论层面还是实践层面都会涉及到更多的内容。在这次学术研讨会的开幕式发言和分组讨论上就可以听到来自各方面关于音乐传播各领域的诸多表述，表达出更为多元化的理论思考。比如，在第一分组讨论会场，在中国传媒大学副教授赵志安和中央音乐学院宗晓军两位老师的主持下，沿续第二届音乐传播论坛中关于艺术院校中“艺术管理专业教育与音乐传播和谐关系”的议题，会议代表们对几年来的艺术管理专业教学进行了总结和思考。来自天津音乐学院艺术管理系的蔡丽老师和广州星海音乐学院艺术管理系的蔡美娟老师对艺术管理教学模式和专业人才培养提出了议题。蔡丽老师指出目前我国的艺术管理教学仍存在局限性，无奈的“拿来主义”只是单纯地借用经济、工商管理以及音乐、美术等相关学科的理论知识拿来讲授，缺乏二者的良好结合，使得目前没有一套系统的、具有针对性的艺术管理教学模式应用于实际教学当中；其次是艺术管理师资力量的缺乏，依靠外聘专家来校开设讲座是不足以满足学生需要的。除此之外，中国传媒大学南广学院青年教师周烨通过《由南广模式引发的思考》一文对音乐编辑、音乐传播等专业的具体教学活动进行了生动的讲解。来自中国艺术研究院及中国传媒大学的两位音乐社会学方向的硕士研究生姚慧和韦杰分别表述了她们对国外关于音乐传播的相关译著的见解，强调了外文学术著作翻译及阅读的重要性。比较应时的论文比如天津音乐学院潘海啸的《3G音乐手机传媒――麦克卢汉媒介理论的音乐媒介诠释》、天津音乐学院传媒与文化产业硕士生姜萌的《唱片封面设计的视觉构成要素》一文、武汉大学程晓婷的《Web2.0时代的网络音乐传播》、天津音乐学院教师赵良云的《浅析中国婚庆演出市场》等文章从音乐传播的实践应用层面进行了多元化思考，立题新颖，具有启发性。

篇(6)

除了音乐制作和编辑类的软件外，许多传统意义上仅用于制作乐谱的软件，随着版本的不断提升，其功能也越来越强大，如最新版本的“西贝柳斯打谱软件”，同样也具备了调用软件音源的功能。如此软件不仅能够制作精美的乐谱，同样也可以通过电脑播放逼真的音效，达到与专业音乐制作、编辑软件几乎相匹敌的能力，因此也适合用于多媒体视唱练耳教学课件的制作。上述音乐类软件虽然可以为多媒体视唱练耳教学所利用，但这些软件并非专门为视唱练耳教学而设计，而澳大利亚软件厂商RISING开发的专业视唱练耳学习软件——Auralia则是一款专门用于视唱练耳训练的软件，这在国内也是认知度较高的一款软件，其提供了较为强大的交互式的学习环境，教师和学生在其辅助下，可以进行基本的视唱练耳课程教学和学习，并能够对学生的练习给以实时评判。Auralia的操作界面非常简洁，在当下电脑使用普及度较高的社会环境下，任何有过电脑软件实用经验的人，都可以轻松地使用这款软件。该软件具有四个核心的训练模块：音程和音阶、和弦、节奏、音高和旋律。点击具体课程，即可开始训练。四大模块中分别设有若干子模块（如点击音程与音阶后，就进入由音程比较、音程听辨、音程视唱、音阶、音阶视唱等内容构成的子模块），每个子模块又设定了不同的难度级别，由于可以提供实时成绩评判，软件的使用过程有点类似电脑游戏，可以在一定程度上提高学生的兴趣，通过连续正确率，可以很快获得学习的成就感，即使出现连续错误，也可以通过反复练习逐渐建立学习信心。另外，软件中还设定了班级管理以及考试功能，教师可以通过这些功能，为不同班级设定不同级别的训练内容，并进行有效的学习考核管理，十分适合学生课下进行自修训练。但就目前国内大多数音乐或艺术类高校的教学环境来看，在教学中使用这类专业视唱练耳训练软件存在一个缺点，就是教学资源所需的成本较高，需要构建一个有多台电脑构建的局域网体系，将软件进行安装后，才能建立一个完善的听觉训练系统，像视唱练耳这种跨专业方向的共同课，显然需要较多的教室资源、较为昂贵的教学设施财政支持，以及完善的维护和保养措施。但其通过人机交互的方式进行视唱练耳训练，提高了学习效率，确实是与传统视唱练耳教学相比所具有的一个巨大优势。

二、国内对多媒体视唱练耳教学研究概述

大约从2000年以后，随着国内电脑以及互联网普及程度的逐渐提高，一些专业音乐学院在进入21世纪不久，也开始对电脑、多媒体、专业视唱练耳软件以及计算机作曲软件在视唱练耳教学中的运用进行了研究。中央音乐学院早在2000年就已尝试用可以变换音色以及简单音乐编辑的电钢琴替代钢琴作为视唱练耳教学的教学工具，在多媒体视唱练耳教学的实践上迈出了第一步。2007年，在中国音乐学院举办的“全国高等艺术院校基本乐科理论与教学专题学术研讨会”上，中央音乐学院的赵易山教授就多媒体和计算机的软硬件技术运用于视唱练耳教学做了专题讲座，并在研讨会的论文集中发表了论文《电脑网络时代的视唱练耳、乐理教学——实用音乐听觉训练与乐理》，文章对如何实现视唱练耳的多媒体教学，在宏观上给出了可操作性非常强的思路和方案。该文非常实际地提出了两个视唱练耳教学中普遍存在的问题：一是教师如何在课堂上充分发挥自身的能量，二是学生如何在课下进行自觉有效的练习。计算机和多媒体技术是解决这两个问题的有效措施，实施这个措施的理想教学模式需要三个条件：

1.建立网上全国视唱练耳、乐理信息储备中心；

2.教室电脑备课系统的建立；3.视唱练耳自修听力教室的建立，使用《Auralia》专业教学软件。在该论文集中发表的同类课题论文还有中国音乐学院许清教授的《分级制多媒体教学系统开发策略》、星海音乐学院杨晓老师的《音乐院校<乐理>课多媒体计算机辅助教学的探索与实践》、沈阳音乐学院颜锐老师的《拓宽新视野展现新前景——展望电脑技术手段在视唱练耳教学中的应用》等论文。近年来，在各类音乐或人文类学术期刊上也不断发表了同类课题研究的10多篇论文，从中可以看，国内不同层次的本科音乐教育对于视唱练耳教学中对电脑和多媒体技术应用的意义和作用等已成为热点研究课题之一，但也应当看到，这一课题的研究在国内仍旧处于起步阶段。在具体的教学中，电脑和多媒体技术应如何介入，在国内教学中还未形成通用标准，很多地方专业音乐院校、艺术院校音乐系、综合大学的艺术系或音乐系以及高职艺术院校的音乐系因教学条件或师资力量所限，在传统的教学模式下能够使用的电脑或多媒体技术十分有限。

三、对多媒体视唱练耳教学的几点思考

（一）发展多媒体视唱练耳教学对师资队伍建设和教师自身能力培养提出了更高要求。作为新时代的视唱练耳教师，需要掌握一定音频的制作、编辑软件、乐谱制作软件、多媒体教学课件制作等现代化教学手段。

（二）专业音乐教师队伍中缺乏掌握计算机软件开发的人才，而专业的计算机软件从业人才大部分没接受过专业音乐的训练，这一矛盾在一定程度上阻碍了中国自主研发专业视唱练耳教学和训练软件事业的发展。因此，多媒体教材的出版物目前还停留在仅能提供mp3格式的配套光盘的层次上。

篇(7)

第二届音乐教师教育研讨会将办

本报讯（记者 刁艳）9月18日至21日，第二届音乐教师教育学术研讨会将在广州大学举行。届时，来自全国高等院校、中师和基础音乐教育领域的教师、研究人员、管理者将汇聚一堂，就教育理念、办学模式、教师培养等问题进行广泛深入的研讨。这是继2002年首届以来，第二次全国范围内的音乐教师教育研讨会。

本次活动由中国艺术教育促进会、中国教育学会音乐教育专业委员会主办，旨在贯彻落实国家《关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》精神，促进我国音乐界专家、学者在教师教育、教学等方面的交流，为基础教育领域培养合格的音乐教师。据中国教育学会音乐教育专业委员会理事长杨瑞敏介绍，为配合此次活动，学会从年初开始即面向全国征集论文，各地反响踊跃，评选工作日前结束，共收到文章1000余篇，最终获奖文章有95篇，其中一等奖14篇，二等奖33篇，三等奖48篇，部分优秀论文获得者将赴广州宣讲论文。会议期间，将邀请多名国际音乐教育专家、学者发表专题报告，国内知名专家作专题发言，并组织来宾分组交流和研讨。

全国200名音乐指挥教师

汇聚羊城

7日15日，来自全国各地近200名音乐指挥教师汇聚在广州市第二少年宫，参加由国际合唱联盟、广州市少年宫、香港童声合唱协会主办的2007年合唱指挥研修交流营。作为活动的一部分，天津北洋合唱团、香港旋律合唱团、深圳中学合唱团和广州市少年宫合唱团联袂演出“典范之声”专场音乐会。

据悉，此次活动是作为纪念国际合唱联盟25周年、广州市少年宫成立50周年以及香港童声合唱协会成立10周年而联合举办。■燕子

鲜于越歌全国巡演

本报讯 西安音乐学院主办的“鲜于越歌独唱音乐会”，由该院周玲教授带队，鲜于越歌、Marco Bellei（意大利莫德那国立音乐学院研究生钢琴教授）、史小亚、唐伟国、郑琼组成的演出队伍，分别在河南师范大学、上海音乐学院、星海音乐学院、中央音乐学院、沈阳音乐学院、新疆艺术学院和四川音乐学院成功进行了巡回演出。

鲜于越歌清澈柔美的音色，结实舒展的声音线条以及运用自如的气息和声音控制，充分展示了扎实的歌唱技术功底和优秀的舞台心理素质。Marco教授精湛的演奏技艺、史小亚、唐伟国的精诚合作、郑琼的全力协助，使音乐会的艺术水准达到了一个相当高的层次，加之当地艺术院校的声乐、小提琴、友情出演，更使得音乐会具有浓郁的学术交流气氛。

音乐会作品涉及不同时期、不同风格、不同流派的歌剧咏叹调、二重唱、艺术歌曲，涵盖意、德、法、英、中五种语言。这不仅仅体现出她个人的艺术修养、较全面的文化素质和科学教学理念，更体现了西安音乐学院对青年教师正确的培训方向。

鲜于越歌全国巡演

本报讯 西安音乐学院主办的“鲜于越歌独唱音乐会”，由该院周玲教授带队，鲜于越歌、Marco Bellei（意大利莫德那国立音乐学院研究生钢琴教授）、史小亚、唐伟国、郑琼组成的演出队伍，分别在河南师范大学、上海音乐学院、星海音乐学院、中央音乐学院、沈阳音乐学院、新疆艺术学院和四川音乐学院成功进行了巡回演出。

鲜于越歌清澈柔美的音色，结实舒展的声音线条以及运用自如的气息和声音控制，充分展示了扎实的歌唱技术功底和优秀的舞台心理素质。Marco教授精湛的演奏技艺、史小亚、唐伟国的精诚合作、郑琼的全力协助，使音乐会的艺术水准达到了一个相当高的层次，加之当地艺术院校的声乐、小提琴、友情出演，更使得音乐会具有浓郁的学术交流气氛。