电影艺术的审美特征精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇电影艺术的审美特征范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

[关键词] 电影 音乐美学 融合

一、电影艺术的特征

1、电影艺术所具有的审美特征

电影艺术作为一门独立的艺术，其本质被克拉考尔说成为“物质现实的复原”。电影艺术是一种运动的视觉艺术。首先它和摄影绘画一样具有最基本的物质元素光、影、色、形。电影艺术能够像戏剧、舞蹈艺术一样，可以通过视觉和听觉的功能，艺术地表现和再现出现实中的生活情景。

电影艺术所具有的审美特征是真实性、价值性和娱乐性。

电影艺术的真实性，真实，其实质是艺术的真实，是艺术对生活准确的提炼和概括。它包括有内容和形式两个方面的真实。内容的真实是艺术对社会生活内在规律的深刻反映，是社会生活本质规律的揭示。形式的真实是艺术对社会生活外在规律的反映，是社会生活外表的再现或是表现。我们通过所说的艺术源于生活，而又高于生活，就是这样一个意思。

电影艺术的价值性。电影艺术具有特有的观赏的艺术价值和净化心灵、移风易俗的教育价值。电影能让你亲临其境，亲身感受。进入到你想像中，或是未曾想到的世界中去体验，使你将你的全面情感投入到电影的情节和音乐中，你的思想感情都会随着影片中的思想情感和主人翁的命运，随着电影音乐的节拍而起伏变化。

电影艺术的娱乐性。电影艺术通过现代化的技术手段，依托现代化的音画设备，给人带来高级视听享受。使人倍感身心愉悦和畅快。

2、电影艺术所具有的知觉特征

电影艺术所具有的美感是它的知觉特征的集中体现。电影艺术的美感首先是电影的形式美，其中包括我们视听感受中的绘画和音乐美。还有电影艺术本身的电影语言美，即蒙太奇运动表现的美。在电影中往往是音乐和语言相结合，音乐和场景相结合，电影美术的声光色影相交织，通过这样一种综合艺术表现形式创造出电影艺术所特有的美来。其次是电影的内容美。电影通过故事内容深刻地揭示社会发展规律，反映广大人民群众善良愿望，或是批判现实，或是揭示丑恶的东西，或是颂扬美的东西，形成一种为大众所接受的批判现实主义的美。通过形式与内容最佳结合，让人感觉到一种意蕴深远的更高境界的美。

二、音乐美学的特征

1、音乐美学的审美特征

第一，音乐美学的艺术语言美。音乐是以声音为表现手段，以听觉为对象的声音的艺术，或叫听觉艺术，音乐艺术的声音，主要是由人们根据审美原则，加工创造出来的，而且由一系列乐音根据不同音高排列有序构成一个有机的整体，即音乐学中所讲的乐音体系。在音乐美学的乐音体系中，它依据自己特有的律动美的法则构成了音乐艺术语言美的形式。

第二，音乐旋律的运动的时间性。音乐主要是在时间中运动的一种时间艺术。由于音乐的物质材料是声音这一特点，这样又赋予了音乐美学的另一个审美特征，即音乐旋律的运动的时间性。对于音乐的审美欣赏，随音乐的演奏、演唱而开始而开始，结束而结束。

第三，音乐美学的抒情性。这种审美特征是真接区别于造型艺术的。造型艺术讲究以直接表现的手段再现外部现实生活，而音乐艺术，则是通过内心的表现，来反映人的感情、意志、命运等。

它的表现方式，既可以直接地抒发人的内心情感，也可以采取间接方式，借音乐的语言来描绘社会生活场景或自然景物来抒发人的感情和意志，表达人们对于生活及生命的思考和体验，造成一种音乐艺术特有的意境，塑造出特有的音乐艺术形象，《春江花月夜》、《汉宫秋月》等这些古典音乐就是采用了间接表达的手段。

2、音乐美学的表现手段

“情动于中，故形于声”，“声音”声之象也。2这是古人对于音乐美学的最初理解。音乐美学的表现手段，最基本的表现手段是声音，准确的来说应该是乐音。以乐音体系为载体，音乐美学才可以充分地表现和反映现实生活场景，抒感。声音有其特质，不同的声音可以表现不同的情感。音乐有着许多影响因素，民族、地方风格的不同，时代环境音调的不同，所表现出来的音乐也不同。这也就是音乐艺术塑造音乐形象，再现一定外部现实生活的特性。

三、音乐美学在电影艺术中的应用

1、音乐美学在电影艺术中的应用手段。

随着电影艺术的不断发展，音乐作为电影综合艺术的一种表现形式，在电影艺术中对于表现故事情节等许多方面发挥越来越重要的作用。电影中音乐的演奏通过现代技术处理，随电影放映而被观众所感知。电影音乐与对白、旁白、音响效果等其他声音因素结合后，如与画面配合得当，能使观众在接受视觉形象时，补充和深化对影片的艺术感受。电影音乐如脱离画面单独存在，则失去其视听统一的综合功能。在电影中，可以通过改变音乐的力度、密度、音色，突出某些乐器或增加立体感、增减混响程度等等，随着电影情节的发展而变化。所以音乐在电影中的作用不可忽视。

2、举例说明音乐美学在电影作品中如何与电影情节融为一体

在电影中音乐美学通过音乐来渲染烘托画面的情绪及气氛。一种是以此来加强画面所表现的事物的节奏特征，如火车奔驰、紧张追逐、风暴雷鸣、海潮起伏等；一种是以此来对加强对于辽阔的草原、晶莹的海底世界、科幻片中的外空间这些特定场景所作的色彩性、气氛性图景描绘等。

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[关键词]电影　音乐　审美特征　发展趋势

电影音乐作为音乐艺术中的一个边缘领域，是电影艺术重要的组成部分，具有不可低估的艺术价值。

一、电影的审美特征

电影是“用电影摄影机以每秒摄取若干格画幅的运转速度，将被摄体的运动过程拍摄在条状胶片上，成为许多格动作逐渐变化的画面然后经过一定的工艺处理，制成可以放映的影片。当影片通过放映机以同样的运转速度被连续地投映于银幕时，由于人类视觉具有滞留印象的特性(一说由于静物位移而在心理上产生似动感觉)，观众便从银幕上看到放大了的活动影像。”所以说，电影是运用现代科技手段，通过画面、声音、蒙太奇等电影语言，在银幕上创造出感性直观的形象，反映生活，塑造人物，表达思想情感的一门综合艺术形式。

电影具有下列主要审美特征：

(一)科技性与艺术性的结合

电影从产生那一天起，就是科技与艺术相结合的产物。它充分运用光学、生理学、心理学、运动学、机械学等原理，创造出动感世界的神奇。开始时无声音，称为“无声电影”。其正式诞生之日，已有明确记载：1895年12月28日晚，在巴黎一家咖啡馆的地下室内，法国人卢米埃尔兄弟放映了他俩拍摄的短片《火车进站》、《水浇园丁》等。完全可以说，电影艺术的发展、电影语言的创新、电影美学观念的演变，都与科技发展密切相关。1927年诞生的第一部有声影片美国的《爵士歌手》其实就是在无声片的基础上加进四首歌和一些音乐伴奏与简单的台词，但它标志着声学正式介入电影艺术。1935年，使用彩色胶片拍摄的美国电影《浮华世界》的诞生，又标志着彩新时期的开始。现在，随着高科技21世纪的到来，电影也进入一个崭新的高科技时代：计算机三维动画、数字电影、多媒体技术、虚拟现实技术等各种高科技手段全面向电影领域进军。《泰坦尼克号》中巨大的客轮沉入水中的大场面，就是用电子计算机制作的。

(二)综合性与创新性的结合

电影综合了艺术各门类，成为艺术的“百科全书”。因为它诞生在音乐、舞蹈、绘画、雕塑、戏剧、建筑之后，故被称为“第七艺术”。但是它几乎同所有的艺术都密切相关、紧密结合：它与舞蹈关系密切，并对进入它本体之内的舞蹈加以改造，使之成为新的电影舞蹈。例如美国影片《出水芙蓉》以及秀兰・邓波儿主演的许多影片中的舞蹈，就是精彩的电影舞蹈它与戏剧的关系更直接、更密切。电影中的故事片，其实就是戏剧由舞台走向银幕，无论是剧本中的情节、冲突、情境，还是人物、语言、细节等等，都与戏剧同根同源，如出一辙。根据同名戏剧改编的电影，不胜枚举。如《雷雨》、《日出》、《千万不要忘记》等等。而在导演、表演各方面，也都走的是戏剧的路子；它与文学也有密切关系，诸如诗电影、散文电影、小说电影等，俯拾即是。根据同名小说改编的电影《红楼梦》、《祝福》、《早春二月》、《家》、《春》、《秋》、《子夜》《青春之歌》、《林海雪原》、《红旗谱》等等，举不胜攀它与摄影也有直接关系，电影摄影原本来源于摄影艺术，无论是构图、光线、色彩等各要素，都以摄影艺术为基础，中国的第一部电影，1905年拍摄的戏曲片《定军山》，就是在照相馆拍摄的；它与绘画、雕塑、建筑、书法、工艺等各种艺术，也都不可分割，电影美术中的布景(内景、外景)、道具等，涉及到视觉艺术的每一个品种。

(三)创作性与制作性的结合

电影创作与制作密不可分，是一体化的。一部电影的完成，要依靠高度综合的庞大的艺术群体，一个摄制组，要包括编剧、导演、演员、作曲、摄影、照明、美术、置景、化妆、服装、道具、录音、拟音、场记、制片、剪辑、特技等10多个部门数十位专家，形成一整套复杂而有序的电影制作工艺流程，这也是一项复杂的系统工程。

二、电影的发展趋势

(一)高科技化

许多国家的电影，都呈现高科技化的发展态势，其中尤以电脑三维动画制作为突出代表。例如美国大片《玩具总动员》完全由电脑制作的1500个镜头组成。

(二)市场化

电影集艺术、文化、传媒、商品等特性干一身，在市场经济体系下，我国电影生产不得不考虑票房收入。于是商业大片应运而生《英雄》、《夜宴》等，都是典型的例证。

(三)国际化

电影是一个国家艺术的“形象大使”，是文化品格与民族风格的“展品”，更是国际文化交流的重要载体。因此，无论是国外电影市场的打入，还是国际各种电影评奖(戛纳奖、奥斯卡奖、柏林电影节奖等)的参与和中奖，都是势在必行、无可厚非的。中国电影必须步入世界电影的大循环之中，这是与经贸、文化国际化同步一体的。

三、音乐的审美特征

音乐是通过一定形式的音响组合，表现人们思想情感和生活情态的艺术形式。它通过演唱或演奏，为听众所感受而产生艺术效果。音乐是声音的艺术、时间的艺术、表现的艺术、再创造的艺术。

音乐具有下列主要审美特征：

(一)形象性

音乐素有“流动的建筑”之称，其意在于音乐虽然有声无形，却仍具有形象性特点。只不过音乐的形象性与一般看得见、摸得着的形象不同，它是看不见、摸不着的“音乐形象”，是凭借联想、想像、通感等方式，形成于音乐创作者、表演者、欣赏者头脑中的形象。当然，这种“音乐形象”的产生，并不是凭空而生，也不是人们的胡思乱想，而是根据生活的体验与感受，“借景移情”而获得的。同时，“音乐形象”又具有不确定性、非语义性、多义性、朦胧性等特点。这些特点既有长处，也有局限。

(二)抒情性

音乐的另一大审美特征，就是抒情性。音乐作品中，情感多于描绘，也大于描写。德国伟大的美学家黑格尔曾经说过：“音乐所特有的因素是单纯的内心方面的因素，即本身无形的情感。”音乐表演者(演唱者、演奏者)，通过对作品中词曲作者所表现的情感体验，再将这些情感传达给观众，引起观众的情感共鸣，收到“以情动情”的艺术效果。所以可以认为，情感是联通作者、表演者、观众三者之间的桥梁。正因为如此，俄罗斯大作家列夫・托尔斯泰在听了柴科夫斯基创作的《第一弦乐四重奏》的第二乐章《如歌的行板》之后，热泪盈眶地说，这部作品“已经接触到饱受苦难的俄罗斯人民的灵魂深处。”同样，《义勇军进行曲》因为充分表现了中华民族英勇顽强、奋进不屈的民族精神和民族情感，被定为 《中华人民共和国国歌》《马赛曲》也因为表现了法兰西人民爱国主义情感，两度被定为法国国歌。时期，有多少爱国青年，高唱《大刀进行曲》奔向战场?又有多少革命烈士，高唱《国际国》走向刑场?……音乐以情动人的实例，真是比比皆是。

(三)节奏性

节奏与旋律是音乐的两大翅膀，节奏能直接影响到音乐的抒情性。节奏是音乐家内在情感的外化，也是音乐作品情感含量的有效载体与重要的表现手段。所以著名美学家朱光潜先生说“节奏是主观和客观的统一，也是心理和生理的统一。”一般来说，缓慢沉重的节奏与不和谐的和弦，常表现出悲痛欲绝之情；而轻快急促的节奏，常表现欢快热烈之情。

(四)韵律性

韵律原指我国古体诗词中的平仄格式和押韵规律，在音乐中，乃指音韵的规律，例如声调铿锵，讲究抑扬顿挫等等，即人们常说的“音乐美”。

四、音乐的流派、发展趋势

古今中外，音乐的艺术流派可谓百花齐放、百家争鸣。从世界范围而言，主要有以下几大音乐流派：

(一)古典乐派

是18世纪下半叶至19世纪初在维也纳形成的以古典风格为标志的音乐流派，提倡理性与情感的统一，追求艺术形式的严谨与完整，注重创作手法上的戏剧对比、冲突和发展，成为当时的典范。代表人物是奥地利的海顿、莫扎特和德国的贝多芬。

(二)浪漫乐派

是19世纪在欧洲兴起的音乐流派，其风格特点是强调激情，强调抒发主观情感，强调表现个性。浪漫乐派前期的代表人物有德国的舒伯特、舒曼匈牙利的李斯特波兰的肖邦：法国的柏辽兹。后期的代表人物有德国的瓦格纳、勃拉姆斯；俄国的柴科夫斯基。

(三)民族乐派

是19世纪中叶以后出现于欧洲各国的音乐流派，其风格特点是追求民族风格和民族特色，以本国的民间音乐作为创作素材，将传统音乐精华与本民族音乐精华密切结合。民族乐派代表人物有挪威的格里格，捷兄的德沃夏克，俄国的“强力集团”成员穆索尔斯基、鲍罗丁、里姆斯基－柯萨科夫。

(四)现代乐派

是20世纪出现于西方世界的各种新潮音乐流派的总称，其中主要有以法国德彪西为代表的印象派音乐以奥地利勋伯格为代表的表现派音乐以意大利布梭尼为代表的新古典主义音乐以及爵士乐、摇滚乐、电子音乐、“偶然音乐”等等。

我国音乐，无论是声乐还是器乐，都呈现明显的多向交流、多元融合的发展趋势。例如声乐与器乐的一体化(自弹自唱)、音乐与舞蹈的一体化(狂歌劲舞)、通俗乐派的民族化(如李谷一的通俗乐派)、民族音乐的通俗化(如祖海德新民歌)、美声乐派的民族化(如杨洪基、关牧村、殷秀梅、王霞等的“民族美声”)等等。

五、电影音乐

电影音乐作为音乐艺术中的一个边缘领域，是电影艺术重要的组成部分，具有不可低估的艺术价值。它同音乐、戏曲等有着千丝万缕的联系。著名电影导演王家卫说：“音乐早已成为生活的一部分，成为一种提示，提示你身处于什么样的环境、什么样的时代。在我自己的电影里，我会先了解这环境是怎样，包括地理环境以及这地方会有什么声音?所以往往音乐成为环境的一部分……”

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一电影音乐的相关范畴概述

1电影音乐的分类

从音乐素材的获取与使用来看，电影音乐可以分为原著音乐和非原著音乐。原著音乐是专门为该影视作品设计的音乐素材，是剧作家与作曲家以及导演共同构思且创作的专项音乐，具有展现影视作品和推动电影音乐发展的作用；非原著音乐的使用相对较为普遍，是在音频作品中发掘适合影视作品的既有音乐，由于非原著音乐的使用更为方便快捷，因此现有影视作品中，使用非原著音乐占有比例较大。尤其是在电影发展初期，电影音乐中的音乐艺术，主要是由已有的古典音乐、流行音乐等进行画面配音，或者对既有音乐进行简单修改，而直接使用，后期逐渐出现异类音乐。

2电影音乐的表现形式

音画关系是电影艺术得以成立的基础，音乐在电影中具有多种表现形式，主要分为画内音乐和画外音乐，其中画内音乐也可以理解为客观性音乐或现实性音乐，画外音乐可以理解为功能性音乐或主观性音乐。画内音乐是对屏幕画面中的音源概括，包括各种画面场景中出现的各种音乐，不仅包括影视作品中的人物的唱、奏等，还包括影视作品中的音乐会、舞会、歌舞、小唱、街头音乐等多种形式。画外音乐主要是屏幕画面上没有展现发音源头，但是却又有音乐的匹配；画外音一般是有剧作家专门为该电影设计的音乐，重在为剧情服务，尤其是人物的心理活动渲染和环境变化的烘托等。

3电影音乐的艺术作用

作为有声电影发展中重要的构成因素，电影音乐从简单的音符到复杂的配乐、插曲音乐、主题音乐等阶段，是一个从单一层面向立体层面转化的过程，具有渲染人物心理、烘托环境氛围、折射时代气息，塑造人物、表现叙事、创造情感等多项功能。电影中的音乐艺术是受众在第一时间接收到的影音讯息，发展到现阶段，电影音乐成为电影综合艺术表现中的重要组成部分，不仅具有强大的塑造功能，还具有推动剧情发展的重要调节功能，已成为现有电影不可缺少的部分。同时，电影音乐也成为音乐艺术的一种重要载体。

二电影音乐的审美特征

1电影音乐美感的非独立性

电影音乐与传统音乐美感审美方式上有着诸多不同，电影音乐之所以是电影音乐，是因为依附于影视作品而富有更加深刻、扩张的生命属性。对于普通音乐的认知而言，必然被赋予更多的音乐属性。电影艺术无论是时空还是时间，都是相互依附，画面与音乐素材的共融融合共同构成了电影唯美成果。电影音乐的美感并非独立存在的，极端的分析开来，电影音乐唤醒了人类感知力的立体属性。在电影的艺术表现中，使用的音乐与画面的关系往往更加的紧密，尤其是电影中原创的音乐作品，没有电影的衬托，或许并不具备同样的生命力与感召力，而失去影视作品的电影音乐，必将难以在历史的长河中充满扩张力。普通的音乐能够流传的因素主要源于自身的生长属性，从一开始诞生即拥有自身的受众群体，而电影音乐是伴随着影视作品而诞生的，先入为主的审美原则必将对其审美层次和审美群体所接纳，而脱离开来重新定位，必会因失去画面受众的群体而失去相应的生命力。因此，电影音乐的审美特征难以独立存在，必将伴随着影视画面的具象化表达而加深观众对审美对象的感受。

2音画结合的互动性

电影音乐与影视画面的最普遍审美特征就是“音画同步”，是影视画面与音乐旋律相互融合、彼此互动渗透、节奏步调一致的常见依存关系。不论是从传播学上的考量还是心理学上的考虑，音乐元素都是影视画面、人物对话、文字穿插、音响烘托等其他元素无法表达的元素。影视画面传达给受众是直观的、富有冲击力或吸引力的视觉美感，而音乐的附加更增添了受众感官上的立体感受。画面与音乐的统一协调，让受众产生心灵上的共鸣，让渲染的氛围更加具有唤起性。在《菊次郎的夏天》电影中，主人公正男和菊次郎在受困于车站时，一段小提琴音乐随之响起，伴随着钢琴声两者与影视画面相融合，将受众带入一个凄美的雨夜，随后响起的大提琴再次奏响了影片的主题，将受众的心境仿佛带入到了一段深沉而又布满哀怨的记忆中，在记忆中，主人公寻找着自己的母亲，而与之相伴的大提琴奏乐更是让受众沉寂在寻找中，在奏乐临近尾声部分，伴随着雨滴的减小，欢快的小提琴奏乐将受众从沉寂拉向欢乐，这段人们熟悉的小提琴旋律让深沉的回忆包袱放下，重新振作起来继续奔向希望的道路。这种音画融合的特性，激活了画面的单调与直白，让画面更具有想象空间和立体质感，实现了两者相互衬托下的具象化。在《天使爱美丽》电影中，同样的古典手风琴音色和悠远的旋律犹如一阵微风，将欧式特有的典雅和浪漫扑面而来，欢快的音乐如同女主人天真烂漫的性格特点，活灵活现，像天使一样可爱。这些电影音乐之所以充满美感，是“音画同步”的接触效果，如果将音乐与画面割裂开来，无论是画面还是音乐的美感都将大打折扣，也难以成为彼此领域的经典之作。

3电影音乐对画面的叙事性

在电影音乐的美学功能中，音乐对电影叙事的烘托与渲染作用显得尤为重要。音乐在电影叙事中的表现形式大致有情景音乐、剧情音乐、背景音乐等。对于叙事的情景音乐，音乐的选取主要是根据影视画面的内涵而确定，此时的音乐对画面主要是烘托气氛和透视画面本质，是对氛围的进一步提升。比如，在《海上钢琴师》电影中，故事是对一位诞生于海上的钢琴音乐奇才进行的讲述，通过不同的音乐讲述其具有争议的传奇人生。在画面的配乐选取上，主要是大师级的作曲人，对不同的画面和环境进行独立原创，所创作出的钢琴为主，管弦乐和室内乐为辅的乐章，深深吸引了受众，并在影视作品之外对立成为出色的乐曲。在画面的配比上，主人公舒缓柔和的钢琴声，伴随着望向窗外“望向自己”女孩的画面，平静之中带有激动与惊讶。随着1900灵动的琴声，将观众带入了他的内心世界，讲述属于他的事件，纯真而自由，让受众纷纷沉浸在音乐最纯粹的欢快中，伴随着灵动的钢琴声，主人公传奇的一生显现在受众面前。影视作品自身就是故事的讲述者，而音乐的渗透，让影片所要表达的主题更加透彻深刻。电影叙事中，无论是影视人物还是作品环境的塑造或是各种情节的交叉，任何一个成功的部分都无法离开音乐而独立存在。通过优秀的电影音乐不仅对电影主题进行了画龙点睛，更大的作用就是让人们更深刻地去理解这部电影的主题。

4电影音乐的片段之美

电影音乐相对于普通音乐而言，篇幅相对短小，通常音乐都是作曲家情感认知的完整表达，然而在电影之中的音乐，鉴于电影音乐难以进行完整的“陈述”，只能与影视作品相对应采取片段式的采用，因此电影音乐具有片段之美的审美特征。在经典电影《钢琴家》选用的音乐《升c小调夜曲》中，平静舒缓的开始，忧伤宽广的基调，预示着千百万犹太人的生命即将终止的厄运。影视中这个细微音乐片段，正是为德国军官的人性与品质所做的对比铺垫。在影片中，钢琴家发现德国人到来之时听到悠扬的《月光奏鸣曲》驻足聆听时，一方面体现了杀人成性的德国军官内心中仍然残留着人性的善良和对音乐之美的追求，但另一方面又暗示了德国军官刽子手的嗜血本性。这两首原本具有特定美感的音乐在影视作品的片段之美，打破了原有的审美特征而焕发出新的审美特性。对于影视作品环境氛围、人物心理变化的渲染与烘托，既不刻意描绘场景也不特别地去表述主人公的内心感受，但是伴随着音乐声音的扬起，画面的定格表达了更为深邃的穿透性，让抽象的影视画面借助音乐的形象顺利的表达出来，让人物形象与环境特征更加生动、感人。可谓是片段之中尽显人性丑恶。

5音画非同步的对立美感

电影音乐与影视画面在“音画同步”方面是早期和现下主流的审美组合，新生代叛逆族的成长让“音画同步”之外诞生了“音画异步”的受众群体，并在时间的推移中有扩大趋势。电影音乐虽然历史上是与电影画面同步进行的，无论从音乐美感角度还是影视画面传递角度，都是同步表现同样思想的有机统一，但是从多元化的发展来看，“音画异步”也将是未来电影产业或者电影音乐产业的“新生代”，这种对立的关系，从表象上看是同步的，这时的音乐与画面都具有双重的含义，在彼此含义的另一面而言，存在着异步的本质，但是诠释的又都是影片所要表达的多层次化含义。音画异步的作品较为少见，但是在获得奥斯卡大奖的《泰坦尼克》作品中也有细微表现，比如在船体即将下沉的过程中，歌手以“啊”为代替歌词，与当时画面表现的景象已有不同，似乎是通过简单的歌词来将旋律更加“悠扬”的飘向远方。这种音画不同步的画面，在诸多的影视作品中都略有表现，只是由于先入为主的思维定式难以被受众所接受，因此也仅仅是某几个画面的展现。“音画异步”的对立之美，是表现多层次感的对立之感，细分为多层次探讨，实则仍然是剧作家的内涵对应。这种对立的审美特征所传达的异样之美，在未来多元化发展中，必然成为“同样”之美。

三结语

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[关键词]似；不似；文学；电影；表演

“妙在似与不似之间，太似则媚俗，不似则欺世。”这是一代艺术大师齐白石对绘画艺术的独特见解。意思是说绘画作品不能不逼真，画什么东西不像什么东西，这是对观众或读者的欺骗，是所谓的“欺世”；但是又不能完全拘泥于物象外在的形象，跟外在的形象完全一模一样，那则是所谓的“媚俗”。正确的做法应该是抓住物象本身所特有的内在本质，发挥艺术想象，或突出或夸张，融入作者的情趣思考，体现于不同其他物象的独有特点，在“是这一物象又不完全是这一物象”之间给人以广阔的想象空间。

齐白石真不愧为不朽的艺术大师，他用一句简单的“妙在似与不似之间”，就解决了多少年来艺术界一直争论不休的关与艺术创作的基本问题。在他看来，“太似则媚俗”，因为写生不是绘“标本”。如果认为仅是绘标本的话，艺术家就成了大自然的奴隶，放弃了对自然与生活的概括提炼，是对艺术的不负责任。“不似则欺世”，因为各类艺术也是对客观自然的一种反映，如果太不似则是对客观自然的一种歪曲，同样是一种不负责任的行为。它失去了艺术“真”的根本，是不会从根本上得到观赏者的共鸣的。齐白石的成功之处就是找到了“似与不似”的巧妙连接，为中国画的创造和发展作出了不朽的贡献。

笔者认为，“似与不似”这条美学原则不仅道出了绘画艺术的审美特质，而且也是对文学和电影的审美特质的精准概括。文学与电影都是作家或艺术家对热火朝天的、生机勃发的客观现实生活的反映，文学与电影之间存在着千丝万缕的联系。自从电影诞生的那一天起，就与文学结下了不解之缘。因为电影属于综合艺术范畴，它既包含了表演艺术(音乐、舞蹈等)，也包含了造型艺术(绘画、雕塑等)，更包含了语言艺术(电影文学剧本)。再者，文学与电影对生活的反映都必须共同遵守艺术创作的一般规律。它们在反映客观的社会生活时，都不能采取对生活作机械的自然主义的记录，亦即不能“太似”，而必须经过作家或艺术家对现实生活的概括和提炼，达到艺术上的真实。当然绝对不能“不似”了，不过这里的“似”是经过作家艺术家们按照艺术创作的规律，通过自己的艺术创造之后的“似”，是一种艺术上的“似”。只有经过这样的加工、提炼和再创造，才有可能塑造出既似曾相识但又并非相同的社会生活画面和“熟悉的陌生人”。对读者和观众来说，艺术形象是“熟悉的”，因为它“似”，因为它揭示了现实关系的某些本质的具有普遍意义的方面；艺术形象又是“陌生的”，因为它“不似”，因为它是作家或艺术家的一个发现、一种创造，是一个与众不同的“这个”。

它们之间虽有联系，但还是存在着明显的区别。文学的基本特点，在于它是一种语言艺术。高尔基说：“文学就是用语言来创造形象、典型和性格，用语言来反映现实事件、自然景象和思维过程。”“文学的根本材料，是语言――是给我们的一切印象、感情、思想等以形态的语言，文学是借语言来作雕型描写的艺术。”由此可见古今中外的一切文学作品，都是运用语言来塑造艺术形象反映社会生活的。文学作为语言艺术，它同其他艺术比较起来明显地具有自身的一些特点：首先是形象的间接性。意思是说文学的形象不能直接作用于欣赏者的感官，而必须经过语言的中介。语言是人类社会交际的工具，读者只有熟悉和掌握了某种语言，才能阅读用这种语言写成的文学作品，并借助这种语言感受到作品中所塑造的艺术形象。其次，文学可以借助语言多方面地反映生活。语言是一切思想的媒介，它可以灵活地表达客观世界的一切事物和人们的各种思想活动，因此从反映生活的容量和幅度上看，文学更少受时间、空间的限制，它可以从多方面用多种多样的方式来展示人与人之间的错综复杂的社会关系和人物内心的精神世界。由于语言艺术塑造的文学形象具有间接性的特点，因此它虽然不可能有强烈的直观性，但却能从更多的侧面来揭示形象的丰富内容，从而给欣赏者提供进行想象和再创造的广阔天地。因此，语言艺术塑造出的间接性的形象具有某种不确定性。因为它的形象要想在读者心里建立起来，必须经过每个读者的再创造，且因每个读者的主观条件(文化修养、生活经历、知识积累等)的不同，文学作品中的形象在每个读者的心目中生成的形象必然是不尽相同的，所谓“有一千个读者就会有一千个哈姆雷特”，就是这个道理。

而电影艺术则不然。首先，电影是连续不断地运动着的画面，并诉诸人的视觉的艺术。它由一系列流动的画面，展现变动中的人生与自然，形象的动态是直观可见的。电影的动态，是镜头的动作――依靠摄影机的自由移动，分别拍摄的一段一段的画面所形成的。众多的画面依据一定的规律进行组合，映现在银幕上，便使它具有“活动的画面”、造型的可见性的特点。其次，因为上述特点，也就相应的产生、形成了电影艺术独特的表现手段――蒙太奇。摄影机事先拍摄的一段一段的画面，需要将它们组合起来。蒙太奇就是把分切的镜头组合起来的手段。由于电影艺术的这两个最基本的特点，它所塑造出的银幕上的艺术形象一旦成功上映，即会具有某种客观的确定性了。概言之，文学是语言艺术，电影是视觉艺术；文学作品是供读者“阅读”的，电影作品是供观众“观看”的。

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关键词： 电视电影；动画片；美术艺术

动画的定义在《电影艺术词典》中的解释是：动画空间和人物造型等都是通过绘画的形式和逐格拍摄的手法把静态的人物逐一拍摄下来。电视电影动画呈现出来的不只是瞬间静态的美，而是可以超越时空，对客观事物夸张的再现，寄托人们对丰富多彩生活的向往。随着人们精神文化需求的提升，对电视电影动画的要求也随之提高，要求电视电影动画作品能够反映过去和未来，反映生活和畅想，同时还要求能融化各种文化因素，发挥创作者的创造性思维能力，赋予动画作品想象力、表现力等美学特质，实现电视电影美术艺术的美学特质，使形象美、意味美和道德美的因素融合到一部好的动画作品当中，满足多层次观众的审美要求。

一、影响电视电影动画美术艺术的因素

(一)文化因素对电视电影动画美术艺术的影响

戏剧在中国的历史源远流长，几近千年，而脸谱在中国人的生活中更是喜闻乐见，在很多时候，脸谱已经不单单是装饰，更多的是一种文化符号的象征，中国人喜欢用脸谱来刻画人物的真、善、坏、恶，例如我们在传统戏剧中了解的“生、旦、净、末、丑”一样，根据他们自身的性情、身份、地位的不同，脸谱的造型也各有千秋。我们熟知的半夜鸡叫中的周扒皮、《渔童》中的县官、《张飞审瓜》中的地保、《九色鹿》中的舞蛇人等，由于他们本身的丑恶角色，因此，脸谱也是都是运用丑角的。而相反的《哪吒闹海》中的李靖、《大闹天宫》中的玉皇大帝、《天书奇谭》中的裒公、《九色鹿》中的皇帝，他们所处的地位和形象都决定了他们的脸谱具有戏剧中“生”的形象。再如《张飞审瓜》中的张飞、《大闹天宫》中的护法、《哪吒闹海》中的天兵天将、《骄傲的将军)中的将军等人物，他们的命运早已经在观众的预料之中，人们对他们的形象耳熟能详，因此，他们大多数是以“净”的造型出现在观众的视线里。

(二)创作者的审美意识对电视电影动画美术艺术的影响

在中国，我们的动画片有着独特的区别于世界其他风格的艺术形式：山水画、剪纸、木雕、皮影、刺绣、年画等，但是，很遗憾的是，中国的国产动画片依然在国际市场上叫不动座。我们归结原因是：（1）现在的动画工作者一味抄袭国内外的艺术形式，只是学其皮毛，加之自身修为不足，无法驾驭好这种艺术形式；（2）片子的情节幼稚，内容缺乏兴趣性，故事讲解得不清晰，忽略了动画片的镜头感和视觉剪辑，仅仅将动画片停留在拍摄画面的低级层次；（3）由于好多动画片的创作者是搞绘画的出身，因此导致好多的画面是优美而生动的，但是其中没有内涵，视觉效果差。

一部动画片直接反映了创作者的美学修为、创作理念、镜头感觉。为了解决以上问题，中国动画片的创作者应该注意挖掘中华民族的独特艺术内涵，坚持本民族的艺术传统和语言风格，加之当代艺术形式、当代美学风格去诠释，决不能只是停留在比较肤浅的层面，没有深度。

二、电视电影动画美术反映出的艺术特征

动画片和常规的电视电影片最大的区别在于，常规的电视电影片是真实的人物，真实的物体，真实的动作在屏幕上的再现。而动画片是用绘画工具、材料和技法绘制的图画，是平面二维动画。例如用美术颜料、绘画颜料在透明板或纸张上绘制图画等。

（一）电视电影动画美术反映出的道德美

动画片既是具有一定的艺术美，又应该包含一定的道德美，具有道德价值，传播一定的道德规范，当然一些专门的宣传纪录片除外。我们可以使电视电影动画片的艺术美和道德美相结合，其实，在动画电影中，它的道德因素是对真善美的追寻，这种对道德美的追寻在国产动画电影中显得尤为突出，同时也是我国动画电影艺术的美学风格之一。

艺术美和道德美应该是和谐并存在动画电影中的。动画电影的道德美来源于生活又应高于生活，是对一个时代人们的精神面貌和精神生活的再现和反映。例如80年代的代表作品《三个和尚》，它的历史背景是中国的一句谚语“三个和尚没水吃”。这部动画影片的中心意思是人们互相推脱责任，一个人办事时尽心尽力，但是，两个或者更多的人办事时则会互相推诿，消歇怠工，采取一种消极的态度对待工作。编导们想借这个悠久但生动的故事告诫我们团结方可成大事，要有集体主义精神，一方有难八方支援的品德，私心只会耽误办事。

篇(6)

[关键词]电影音乐；审美特征；艺术表现

电影音乐是指为电影创作、编配的音乐，它既是电影中的一个重要组成部分，又是一部完整的音乐作品。电影音乐具有独特的艺术魅力和审美特点。通过电影音乐的演绎，观众可以用心去感知和体验影片中那些看不见的东西，使观众对电影中表达的世界进行审美思考，从而彻底融入电影世界中。而只有在电影所设定的故事氛围和戏剧情节中去感受电影音乐，才能更深刻地理解电影音乐的内涵。

一、电影音乐的审美特征

电影音乐的审美具有不同于其他音乐门类的特殊本质。它不具备传统音乐的自足性和独立性，必须时时刻刻明确地将其置于画面、音响和人声等系统元素的背景中进行体悟和考察，才能最大限度地获得艺术审美感受。

1　声音与画面相互结合相互渗透。

声音与画面的有机结合是电影音乐的最大特点。电影音乐与画面是一种你中有我、我中有你的关系。从传播学角度来考虑，电影音乐表达的内容是画面、文字、音响和人声等其他电影艺术元素所无法表达的东西，或情绪感受，或理性认识。电影画面给人以视觉上的美感，而音乐使人产生心灵上的共鸣，因此，只有在音乐与画面有机结合时，音乐才变得强而有力，才会激活了画面，促使画面与观众的情感互动，引起共鸣，使得音乐抽象化的表达与电影具象化的表达浑然一体。而另一方面，影片画面本身所具有的那种较强烈的客观性和具体性要求在音乐方面得到补充，使之获得一定的主观性和概括性；而纯音乐本身的那种“无对象性”、“不确定性”则要求从画面方面得到补充，使之获得一定的具体性和明确性，这里正体现了矛盾双方的相辅相成、相互渗透、相互联结的关系。

2　音乐表现内容具有确定性。

纯音乐的创作常常是创作者个人的某种情感的表现，可以是作曲家个人的自我表现。但是电影音乐的作者创作的音乐就不可能是个人的情感表现，必须受到规定情节和画面的制约。他在创作电影音乐时，必须跟着影片主人公的喜怒哀乐，必须与画面规定的情感相符，不能自作主张地表现与影片不相干的个人情感。从感受者的角度分析，电影音乐较之纯音乐更好懂，这是因为在欣赏电影音乐的同时，伴随着内容具体的画面，音乐的内容也有明确、具体的依据。因此，电影音乐具有很强的确定性。电影音乐可以帮助画面来完成影片所要表达的内容，并和影片所展示的内容相结合，推动剧情发展。

3　电影音乐的结构形态具有间断性。

由于电影中画面转换的关系，电影音乐往往会丧失其连贯性，并具有时间上的间断性，这也是电影音乐的主要特征之一。电影音乐的时间上的间断性，是影片画面的跳跃性以及音乐与画面相对应的从属关系造成的。电影作曲家必须跟随内容不断变化的画面，创作出不同内容不同节奏的音乐。也就是说，电影音乐的形式结构常常并不遵循通常的音乐发展的逻辑或程式，而是受到电影蒙太奇结构的直接制约。一部影片的音乐，有相对完整的段落，如片头音乐、片尾音乐，或为特定场面制作的音乐，但大多数情况下，音乐只是一个不长的段落，拉赫玛尼诺夫有时仅仅是一个短小的乐句，或是一个主导音乐动机甚至只是一个和弦。而情节内容的发展在时间、空间上的巨大灵活性，也必然造成传统音乐表演手段的丧失和音乐风格语言拉赫玛尼诺夫的丧失，而形成一种只有电影音乐才具有的多变性。这一切在电影音乐中是司空见惯的。

二、电影音乐的艺术性表现

电影音乐可以刻画人物性格，对塑造电影中的人物形象也起着关键作用。电影音乐准确地塑造人物形象、解释影片主题思想、参与剧作、确定影片风格、说明时间和环境等作用。音乐音响不仅能营造与影片贴切的气氛，还能诉说一些无从表达的心理纠葛，还能传递人物的心灵感受，强化和突出某种动作和动态。恰当的音乐呈现对观众理解电影的情感有巨大的促进作用。

1　对人物性格进行艺术性的塑造。

电影中的音乐一般对整个电影的剧情起着推动及调节作用，是影片情感的一种延伸，电影史上无数的经典影片都有经典的音乐伴随着，例如：法国名导卢贝松执导的科幻电影《第五元素》，为观众们带来了一场难以抗拒的美学及视觉盛宴。大部分看过本片的人，都为影片的景观惊叹，也为利落的剪接而惊喜，更多的人认为“第五元素”最令人印象深刻的部分，不是美学不是特效，而是它的配乐，古典歌剧变成动感十足舞曲的手法，配合蒙太奇剪辑，那段外星女郎唱歌的片段，成为电影史上的经典，完全展现出导演和配乐大师声气相通的默契。冯小宁导演的《黄河绝恋》、《红河谷》、《紫日》、《嘎达梅林》等影片，作曲家多创作庞大交响乐，表现侵略者铁蹄下不屈的民族英雄精神，影片《红河谷》中，战斗最惨烈的画面――人民反抗英国入侵者的战斗段落，嵌入优美绵长的藏歌(女声独唱)，使声音和画面形成了强烈的反差效果，接着是壮烈激愤的男声合唱，节奏渐快，从而表现了至死不渝的英雄气质。

2　艺术化地表现电影的主题思想。

每一部电影都有它所要表达的主题思想，而电影中音乐的恰当使用无疑对主题思想的艺术化表现提供了重要手段。电影音乐用音乐这一手段为深化影片的主题思想发挥自己独特的作用。在我国的电影音乐中，运用“主题歌”来概括一部影片主题思想的做法，有着优良的传统，不仅电影歌曲可以起到深化影片主题思想的作用，电影乐曲同样能起到这种作用，并且比用歌曲的时候多。这种用以表达影片主题思想、概括影片基本情绪或刻画主人公性格的主题音乐是影片音乐的核心，是全片音乐发展的基础。在一部影片里，往往在关键的时刻，用主题音乐对剧情或主要人物进行烘托、渲染，从而达到深化影片主题思想的作用。影片《人到中年》(导演王启民、孙羽，作曲吴大明)的主题音乐，对深化影片的主题思想起到了推波助澜的作用。动听的主题音乐，生动地勾画出女主人公对事业的追求，对人生的坚定信念，突出了这一代知识分子“位卑未敢忘忧国”的伟大人格力量。这一音乐主题以弦乐演奏为主，它所产生的震撼人心的艺术魅力，使无数观众深受感染，从而使它成为中国电影音乐史上的佳作。

3　对影片场景和气氛进行艺术化的描绘。

可以用音乐来渲染烘托电影画面的情绪及气氛，加强画面所表现的事物特征。用音乐对画面中富于动作性的事物或情景用独特的音响特征加以描绘，如鸟鸣、追逐、机器运转等，也 就是说用音乐手段为画面提供一种声音的造型。有的可以从听觉上强调和加快画面节奏，加强心理的紧张度；有的可以从视觉上拉慢画面的节奏，造成心理时间与实际时间的距离错觉，有的还可以对影片所表现的事物和情景作神似的描绘来表达感情，画面和声音是电影艺术形式的基本要素，一首优秀的电影歌曲，往往在承载它的影片已被人们淡忘，还因为动人的旋律、洗练的歌词、鲜明的思想而被传唱，成为一种挥之不去的情结，唤起许多沉睡的记忆。例如：当你在记忆中翻阅描写的影片时，《平原游击队》中鬼子进村的那段音乐可能是第一个浮现在脑海里的。铜管乐恢宏的气势、强力度、进行曲风格把日本鬼子鬼鬼祟祟的动作、小心翼翼的神态、阴森蛮横的行径，在滑稽而略带嘲讽的音乐声中被表现得绘声绘色、栩栩如生。利用音乐形象与视觉形象的相似性来解释画面，也是电影音乐中常见的一种，它的作用就在于对画面上呈现的视觉形象，通过相应的手段加以强调、渲染。例如：好莱坞著名电影《乱世佳人》这部影片中，情绪不同的音乐出现在不同的场景中，音乐充分发挥了艺术化的描绘功能。

4　以音乐抒情，艺术化的表现人物特征。

音乐在电影中可以起到抒情的作用，常用于塑造人物性格，表现人物思想感情、心理变化，体现内心潜台词等。观众通过音乐的抒情，可以进一步了解人物，并形成对人物的喜爱或憎恨。电影中的音乐往往有画龙点睛的作用，成为动人心魄的一把钥匙。电影音乐能够准确地抒发剧中人物的感情，能够加深和强化观众的情感体验；恰当的音乐呈现对观众理解电影情感有促进作用，深入揭示剧中人物的内心世界。一些经典老电影的音乐如《魂断蓝桥》、《飘》、《音乐之声》，它们的音乐就像其精美的画面一样深深地铭刻在我们心中，正是有了这些优美的电影音乐，电影才有了丰富的情感色彩，人物的性格特征才能鲜明深刻。根据王朔小说《动物凶猛》改编而成的《阳光灿烂的日子》，它的爱情主题就是玛斯卡尼的《乡村骑士》，每当马小军看到米兰，这段《乡村骑士》序曲就会适时响起，优美舒缓的旋律再配上慢镜的恰当运用，营造出一种如梦如幻的气氛，很好地表达了少男的初恋感觉，或者说马小军对米兰的单恋，以及马小军惟妙惟肖的心理变化。由此我们可以深切地感受到，画面与音乐准确到位的结合，不仅使音乐更富表现力和感染力，也使得画面更富有节奏和戏剧性，相得益彰。动情的音乐，还可以通过音乐音高的变化来表达不同的旋律表达不同的情感经历；声音高度的提高同时也震撼了观赏者的心灵世界；音乐的长短运用产生了非凡的音色效果；音色的悦耳动听，让人难以忘怀。这也就是电影精品音乐的独特艺术魅力所在。

篇(7)

［关键词］ 英文版电影；镜子；情象结构

传统意义上的镜子一直充当着某种信息传达的媒介作用，即镜子是一种工具。从洞穴理论到拉康的镜像理论，影视中镜子的艺术价值正在被影视艺术家们重新研究和探索。电影发展到今天，镜子的运用已经成为一种普遍的现象。

在许多优秀的电影作品中都有关镜子的镜头。《鸟人》中的艾尔，他伫立在镜子前，照着镜子把自己脸上的绷带狠狠地撕开；《蜘蛛侠》中绿皮在镜子中说话；《天使A》中Angela在走投无路时对着镜子看着自己的眼睛讲出自己的心里话再重新找回自己；《源代码》中柯尔特在列车上被克里斯蒂娜误认为另一个人时惊恐间冲镜子一照，发现自己的样子全变了……

电影中的镜子是一种“情象结构”，通过审美反思运行机制唤醒主体的清醒意识达到镜像与现实均衡的审美目的。进而在电影艺术中升华为艺术境界。

一、英文电影中镜子的艺术价值

影片中的“镜子”作为一种“情象结构”，在其普遍使用的过程前经历了一个由审美定位到定向、定质、定性和定形的漫长的审美经验积累过程。定形完成之后，“镜子”这一特定的“情象结构”在艺术技巧、价值观层面上就显示出其独特的价值来。

李健夫在《现代美学原理――科学主体论美学体系》中说道：“审美印象形成阶段至少有以下几方面的特点：审美定位以社会生活经验为现实基础。审美定向以审美理想和审美情趣为内在尺度来进行审美选择。审美定质以具体人物事物特征和生活内容为感受基质。审美定性是以审美感受和审美情感倾注对象从而规定审美印象的审美特性。审美定形是审美感受、审美情感与对象特征印象交融而形成较为稳定的情象结构。”［1］镜子在影视作品中的“情象结构”的形成同样经历了以上五个过程。

首先，审美定位，强调艺术家的亲身经历和感受的积累。镜子在生活中随处可见，便于导演的观察和体验，通过镜子导演可以亲感和亲知在日常生活中积累起对镜子的某种经验结构。这种审美定位的准备和完备是导演在影片中能对镜子运用自如的一个意识基础。

审美定向是在积累了亲感经验后，镜子进入到审美领域，导演开始严肃认真地将镜子划入自己的审美定向选择中来。这一阶段，导演加入自己的审美趣味和审美理想。审视镜子在电影中带来何种功效。

接着导演确定审美对象的实质，将镜子的本质和特征挖掘出来形成某种独特的映象，比如镜子的明亮、洁净以及与其他同样明亮、洁净的物质相比，镜子所具有的独特的特征，镜子的独特特征背后把镜子蕴涵的东西方文化相联系起来。

“审美定性是情象融合的结果，它意味着审美意象的感受与情感具有特定的、稳定的和具体的性质。”［2］在这里，镜子的明净透亮性质和照出的人物或景物的美、丑、滑稽或是怪诞与情感中的爱照镜子、恨照镜子和怕照镜子的情感交织在一起，形成了镜子的审美定性结构。

最后，导演还将其进一步完善成较完整较完善的内心创造物，达到最终的定形。也因此，定形后的镜子进一步具有较完善的情象结构的内在意义，即我们所说的艺术价值。镜子成为“情象结构”后，其价值主要突出艺术技巧。

镜子在艺术技巧上的价值包括空间改变和氛围烘托两个方面。许多电影都喜欢用镜子的反射、复制和透亮特征来改变整体的视觉空间感，让整个空间变大变神秘。

镜子在氛围烘托方面，主要是指其在恐怖片中的运用。无论是日本、韩国还是中国的恐怖片中都多次出现过“镜子”意象，如《异度空间》《古镜怪谈》等，尤其在《照出冤灵》一片中，镜子一直贯穿于影片中，影片中第一位被冤灵杀死的女性，她在商场打烊后才收拾东西离开，目的是想顺便窃取商品，她蹑手蹑脚地来到摆放商品的货架前，由于不安就不时地回头看身后的情况，后来直接倒退着走。镜子出场了，先是猛地一回头，看到镜子中的自己，吓了一跳，后来，她跑进洗手间，这时映入观众眼帘的是一面宽大干净的镜子。她还在不时地回头张望，一不小心，把手中的圆形滚动式切刀弄掉了，她弯腰去捡，镜子里的“她”却还站在那里，看着现实中的“她”，当她发现镜子中的异常时，镜子中的“她”用手中的切刀杀死了她。在整个过程中，镜子的出现都起到了烘托恐怖氛围的作用。这一价值作用追溯回去，可以说是由镜子的东方民间文化和西方文化中镜子是两个世界的临界点形成的。

同时，镜子在价值观层面上还具有提升道德境界的作用。镜子的明净、透亮特征和反射功能使得镜子在影片中，特别是在影片结尾中，有重要作用。一个恶人凝视镜中的自己，忽然发觉自己的丑恶，然后定定地思索一番之后，决定重新做人。这样的镜头在电影中比比皆是。这是镜子的明、洁、净对人类美好品质的一种唤起和对精神境界的一种追求。

二、英文电影中镜子对主人公心灵的反射

现代社会人们在各种诱惑中逐渐迷失自我，缺乏对自己内在真实的东西的关注，反而被外在的物质世界不断压制，形成了自我的遗落、自我的迷失和非我压制住了自我等不良现实。

重视人的主体性是审美主体论的一个重要阐释角度。受萨特和尼采的存在主义哲学影响，现代电影特别是美国电影，开始越来越多地关注人的存在问题，也就是人的主体性问题。“社会生活的系统运动并不是以每一主体的随意发展为依据的。同于社会权利和社会规范总是力求以一定的模式约束众人，特别是社会惰性因素对人心理的影响，往往造成主体变异和主体性异常的现象。”［3］

镜子作为“情象结构”在电影中正是作为自我遗落和自我迷失的镜像出现，警示中引发人们关注和思考人的主体性问题。镜子的本质与目的就是唤醒主体的划分与清醒意识进而达到主体性找寻与均衡的审美目的。以《黑天鹅》为例进行分析。

影片《黑天鹅》是著名导演达伦•阿罗诺夫斯基的新作，片中讲述了一个名叫妮娜的芭蕾舞演员在追求扮演《天鹅湖》领舞的过程中心理上的一系列变化。妮娜是一个小心翼翼控制着自己、懦弱善良的追求完美的女孩子。老师说她只能扮好白天鹅，但是演绎不了黑天鹅的邪恶、诱惑和大胆。

她开始撕掉自己的一块皮，滴血的手却又在镜子中复原。她站在前后两面镜子中量制衣服时，镜中其中的一个自己竟然在不停地抓后背，然后妮娜斜身，镜中的那个“她”突然转过身来。这一切的镜像都在意识着两个“我”的存在和分歧。真正的斗争是在演出当晚，妮娜看到替补演员出现在自己的化妆室里，说她演不好黑天鹅，于是妮娜用撞破的镜片杀死了替补演员。

她彻底释放了另一个我，邪恶占满了整个她，黑天鹅演出成功了。中场休息时替补演员过来贺喜，我们才知道妮娜刺杀的是自己。那场争斗不过是她自己想象出来的，是善的我和恶的我之间的斗争。妮娜忽然清醒，饱含眼泪跳完了白天鹅自杀的舞段，腹部的血也染红了舞裙。演出很成功。影片的最后，妮娜说她感觉到了什么是完美。在这部片子里，镜子的出现从头到尾都伴随着妮娜的两个“我”的斗争。

压抑中的善不是真我，当然释放出的恶也不是真我。影片最后的平静和回归才是真我的状态，也就是妮娜说的完美。不压抑，不偏激。关注自我的真实存在状态才是一个人最好的自我，这是影片告诉我们的，也是导演通过镜子这一“情象结构”向观众所表达的心声。主体性的找寻和平衡才是完美。

三、英文电影中镜子提升电影艺术境界

“情象结构”是一个活动的整体，处在不断的运动变化中。当镜子这一“情象结构”进入电影之后，就沿着自己的活动机制开始运转。这一活动机制与过程就是一个审美反思的过程。

所谓审美反思，就是指“艺术家通过审美反思，把自己记忆中珍藏的经历开发出来，重新自觉地生活或体验一次、品味一次，把经历的社会生活世界和内心世界转换为艺术世界”［4］。镜子作为“情象结构”在电影中的整个运行机制里都充满着审美反思这一活动，进而提升了打印的艺术境界，拓展了电影艺术的审美空间和范围。

人总是在不断地反思自己的过去，当影片中的主人公，这一艺术形象开始反思时，我们说镜子给了他（她）们进行审美反思的契机和场地。转过来说，镜子的运行机制在影片中具体地表现为个人的审美反思。影片中的主人公在镜子的运行机制中审美反思自己的过去，追求真、善、美。

影片《爱有来生》的结尾，俞飞鸿在镜中看到了上辈子的自己，原来一切的一切只是因为上辈子的那段爱情。镜子穿越了时空，呈现出真爱最美的样子。孟婆汤前的情景，被镜子中上辈子的自己一一带回，这是跨越了轮回的审美反思。这一面镜子的出现，让过去的一切重新被点燃、复活。重新来过，才知道片中的自己和老树下的魂魄有着多么荡气回肠的一段爱情。

镜子的审美反思机制不仅表现在个人上，还表现在对人生和世界的审美反思中，进而达到提升艺术境界的作用。

影片《美国往事》中的“面条”在得知被匪徒追杀时只得离开纽约，35年后他收到的一封来信让他重返纽约。在整部片子中值得注意的是火车站和照镜子。在火车站站台，他从小卖铺走向壁画，在壁画中央的镜子前站住，他看着镜子，35年前，他从这里离开前也在这面镜子前整理仪容。镜子中出现的是35年前的自己。然后空空的镜子，忽然停顿了一下。

镜头转到35年后，“面条”出现在镜中，伴随着影片主题曲《昨天》，“面条”在镜中久久地凝望着镜子中的自己。特别值得注意的是镜子的短暂空白停顿，这里的镜子运用了留白的手法来让观众去帮“面条”进行了一个审美反思。

这35年的风风雨雨和坎坎坷坷全部浓缩在这一瞬间的停留和空白上，引发人去深思。这是一个大的时空转换，在这个镜子参与的转换中，其审美反思的运行正是表现出我们对人生的一种审美反思。一面镜子，隔开又连接起两个时空，也同时连接起两个世界：现实世界和美好的理想世界。

总之，镜子在英文电影作品中的运用和价值处在不断更新和需要被探知的结构中。从“情象结构”入手，通过审美反思的运行机制透过镜子的镜像来反观自我、人生乃至世界，进而达到提升人生的境界和开拓电影的艺术境界。

［参考文献］

［1］ 李健夫.文学审美透视［M］.成都：四川大学出版社，1998.

［2］ 钱智民.西方电影对东方文化的融合［J］.电影文学，2009(08).

［3］ 金丹元.电影美学导论［M］.上海：复旦大学出版社，2008.

［4］ 彭吉象.影视美学［M］.北京：北京大学出版社，2002.