视觉概念设计精品(七篇)
时间：2023-07-28 16:33:10
序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇视觉概念设计范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。
篇(1)
网页能否有好的发展，不仅体现在好的创意上，也体现在网页的设计上，好的网页设计可以吸引网民的眼球，提高浏览量，但是我国目前网页中的图片视觉效果依然停滞不前，没有太大的发展，在图片的浏览上，缺乏灵活性，图片设计方面没有创意，网页设计人员的技术得不到提高，图片的视觉效果很差。
一、网页视觉设计的原则
要想有展现出完美完美的图片视觉效果，需要了解网页视觉设计的原则，依据原则进行图片设计，从而达到是事半功倍的效果，在设计网页的时候，为了使网页中的图片与内容合为一体，遵循形式美与内容美，要从以下几点出发：
（一）比例尺寸得当,对称均衡适度
合理的比例是美的前提。比例得当不仅适用于绘画，同样也适用于网页设计。在网页设计中，要想把握好比例，需要做好组版元素间和谐的关系。把握好比例尺寸，可以以中心线为轴线，这样做出来的网页图片，带给人一种大方、稳定、端庄的感觉，既体现了秩序的原则，又给人高贵的美。在网页设计中，点线面是很注重的要求之一，首先要在平面中找到平衡点，让绝食产生舒服的感受，接着要找到对称的部位，最后要以整个尺寸为基调，找到平衡点。
（二）动静变化有序,节奏韵律明快
网页中的动态和静态的变化是根据三维空间和图片的比例等因素体现出来的。同种元素因为布局与层次的变化会造成不同的视觉体验。在网页设计中，对空间的要求是很高的，需要考虑动态与静态的结合，节奏韵律的快慢。在网页的设计中，运用动静结合的方式，给人生动活泼的视觉感受，对节奏韵律把握明确，可以增加网页图片的感染力，同时又可以渲染气氛，展开联想。
（三）繁简互衬,多样统一
网页设计，需要考虑好网页的内容和图片版面，既不能使网页看起来太过繁杂，也不能使网页太过简单。在设计网页的时候，可以针对内容的多少进行合理的排版，同时也可以通过色彩搭配来对网页中的内容和图片进行分开。对网页的合理布置，使网页看起来繁简互衬,又能够使整体多样统一，各个元素独立而统一.按照视觉艺术的原则，给人以美的感受。
（四）图形
在网页设计中，图形的设计也是很重要的，图形和图片的比例需要恰到好处。图形是图片的缩小化，它可以帮助网页中的文字更加清晰，使整个网页看起来更加的美观和立体。小的图形在视觉上给人带来一种清新可爱的感觉。对图片的位置和形式的合理的布置，可以使网页更加美观大方。
二、提高网页设计图片视觉的方法
网页设计需要遵循形式美和内容美的有机结合，需要比例尺寸上把握得当，动静变化有序,节奏韵律明快，繁简互衬,多样统一的原则，同时也要做好图形的设计，要想提高网页设计图片视觉，就要从以下几点来进行：
（一）单项视觉流程
网页设计的单项视觉流程是指对网页中的图形、文字和符号等在平面上进行不同方向的变化，可以表现为横向、纵向和斜向这几种形式，然后对其进行构图。单项视觉流程在操作起来简单，同时也能够使网页的平面结构看起来更加的清楚直观，能够直接明了地升华主题，在视觉上给人鲜明的层次感，表现出单项视觉流程的稳定、端庄的效果，具有坚定、直观的感觉。
（二）反复视觉流程
网页设计的反复视觉流程是把相似或者同样的视觉元素进行三次或者三次以上的编排，使网页的图片画面有规律、有节奏、有秩序。运用反复视觉流程，给人的视觉带来冲击性，同时有体现出了网页图片的韵律美、节奏美和秩序美，给人眼前一亮的感觉。
（三）曲线视觉流程
网页设计的曲线视觉流程只要根据人眼来回摆动舒适感的舒适感进行设计，人们的眼睛可以依据弧线的运动变化方式来观看网页中的图片。其中曲线视觉流程主要包括了弧线形（c形）视觉流程和回旋线形（s形）视觉流程。弧线形（c形）视觉流程给人饱满的感觉，具有明确的方向感和扩张感，回旋线形（s形）视觉流程给人流畅，柔美的感觉，使图片生动起来，有很强的动感美和节奏美。虽然曲线视觉流程不如单项视觉流程看起来直观，但是却有飘逸美。
（四）焦点视觉流程
网页设计的焦点视觉流程主要是用焦点来吸引人们的眼球，聚集浏览者的目光。焦点视觉流程为了更好的吸引人们的眼球，往往还要用鲜明的颜色来对焦点进行强化，与网页图片的背景形成对比，同时也会别出心裁的设计焦点，分从从焦点的形式、焦点的层次和焦点与图片的结构进行。焦点视觉流程通常是以图形为主要元素，形成视觉磁场。
三、结语
随着信息科技的不断发展强大，图片对网页的影响也是极其重要的，快节奏的生活，使人们更加倾向于借助图片来获得自己想要的信息。因此只有遵循网页图片的设计原则，分别从单项视觉流程、反复视觉流程、曲线视觉流程和焦点视觉流程出发，才能更好地发挥出图片的价值，给社会大众带来美的感受。
参考文献
[1]刘青玲.图片优势效应在网页设计中的研究与应用探讨[J].科技创新与应用,2015,(21):86.
[2]林欢,谭浩,赵江洪.图片优势效应在网页设计中的应用[J].包装工程,2014,35(18):13-16+24.
[3]林欢.图片优势效应在网页设计中的研究与应用[D].长沙:湖南大学,2014.
篇(2)
中国的水墨元素与中华传统武术、视觉设计的有机融合
视觉传达设计在真正意义上发展于19世纪，这一时期的机械化发展促进了现代印刷技术发展的同时，也使得视觉传达设计逐步形成。新的印刷技术为视觉传达设计带来了翻天覆地的变化，也为新的视觉语言提供了条件，而专业的视觉传达设计师也在这一时期出现。视觉传达设计发展至今，其影响领域极为广泛，因此对视觉传达设计中的个性特征进行研究是非常有必要的，本文将以此为切入点。
一、视觉传达设计的基本概念
“视觉传达设计”也意为“平面设计”或“图形设计”。作为一门学科，视觉传达设计指通过图形和文字来传达信息，其内容主要包括广告招贴设计、字体设计、书籍装帧设计、标志设计、企业形象设计等等。在信息时代，视觉传达设计还包括网页设计和多媒体设计的部分内容。
随着经济的发展以及技术的进步，全球的国际交流频繁，在这种背景下，视觉传达设计的价值也被新技术进一步扩大，其设计的领域和工作形式与其它领域相交叉，从而形成了一个更为广泛的概念。“Visual Communication”的概念开始被提出，指关于给人看的设计，告知的设计，通过视觉媒介表现并传达的设计。此外，随着计算机技术的出现，视觉传达设计概念内容也发生了根本性的变化，使得视觉传达设计概念变得更为复杂，与其它领域的交叉性也越来越强。
二、新媒体艺术对视觉传达设计的影响
新媒体艺术的发展给视觉传达设计带来了新的方法，推动了平面图形设计逐渐向立体图形转化的进程，二维图形逐渐向三维或者四维转化。作为一种观念艺术，新媒体艺术给视觉传达设计添加了新的理念和新的灵魂，让其更加具有创新的活力。在新媒体艺术的巨大作用之下，视觉传达艺术设计已经不再是过去那种简单的商业外衣，而是体现出更多的创新意识的主体，从而让视觉传达设计更加个性化和艺术化，更好的实现信息传达，让视觉传达设计成为创意产业的中坚力量。随着科技的发展与艺术的进步，新媒体艺术自身不断发展的同时，也推动了视觉传达设计的发展，在新媒体艺术的作用之下，视觉传达设计拥有了更多的自由的空间，其也开始朝着多元化的方向发展。随着现代人对新事物渴求的愿望越来越强烈，视觉传达设计的多元化个性化发展也成为了时代的要求。但是我们需要注意的是，视觉传达设计的多元化与个性化发展并不仅仅指的是无序的任意发展，而是指的创意的个性化和种类的多元化，其更多的是创造性的体现，代表着对接受人群越来越丰富的实际需求的充分尊重和以更好的方式来实现，对于不同需求的人群能够带来不同的产品和服务。多元化个性化的发展趋势同时也给视觉传达设计带来了更多的表现方式，为信息的有效传达提供了更加可靠的条件。
三、视觉传达设计的特性
1.流行性
视觉传达设计具有流行性的特征。由于视觉传达设计强调的是个性和独特性，所以在视觉设计中最抢眼的就是其所蕴涵的时尚元素，这也是其成为一部分年轻人所追捧的重要原因。在视觉传达设计中，设计师可以融合很多的时尚元素，包括电影、服装、艺术风格等等。因此，视觉传达设计往往与时尚和潮流相联系，这也正决定了视觉传达设计的流行性特征，而良好的视觉设计往往能够得到年轻人的喜爱也正与其流行性相关。
2.交叉性
在当代，视觉传达设计还具有交叉性的特征。随着科技的不断创新与进步，视觉传达设计在各个基础领域有着很大的发展，主要包括插图设计、字体设计等基础性设计的发展；书籍设计、企业机构设计、包装设计、广告设计等应用性设计的发展；摄影技术、印刷技术、数码处理等设计技术要素的发展；动漫、网络以及各种与设计的相关文化与市场要素的发展。这些都是不同的专业领域，却都需要进行相应的视觉设计来得到提升，因此这必然造成了视觉传达设计的交叉性特征，很多视觉知识在其它学科都能得到相应的交叉应用。
四、视觉传达设计的发展趋势
1.商业化发展
视觉设计公司越来越专业化，专业广告公司现在已经成为行业的主要经营模式。在这种设计模式中，设计成员包括了客户沟通、广告文案、市场营销、设计创意和媒体制作等各个环节的专业人员，设计成为一个包含市场调研、概念定位、设计制作等为一体的团体性的工作，再也不是原来以艺术设计家个人单打独斗的工作模式。
而且，视觉传达设计在商业设计领域中的分工越来越细且比较专业。比如，插图已经成为一个独立的设计领域，很多的插图师在网络上建立了自己的网站，用来展示自己的作品，并通过网络找到新的客户，而视觉设计师也可以在网上找到合适的插图师为自己工作。因此，整个视觉传达设计领域已经逐渐向商业化分工、发展。
2.传统文化的融合
现今，在设计潮流之下，如何保存本国的民族设计文化特色成为了视觉传达设计中比较重要的研究点。
文化可以借助设计师的智慧，借助现代艺术将传统文化进一步开发和美化，向世界展示其独特的文化魅力。我们要找到复兴中华文化并使其重返生活舞台的切入点，以此让断裂的传统文化与时代相连接。视觉传达设计是我们与国外进行设计交流的一种良好媒介，其中如果能够很好的融入传统文化元素，那么我们便可探寻一种新的传承和展示中华文化的方式，并通过大量的视觉传达设计形成中华文化品牌效应，既能提升设计的价值，又能促进中华文化的复兴和传承。
3.电脑技术的融合
随着电脑技术的高速发展，如今的社会已经进入到读图的新时代，图形正成为人类视觉设计表达与传播的语言，而如何研究图形的意义、结构、形式也成为视觉传达设计的前沿课题。
CG，是英语“电脑图形设计”的简称，它也有也有数码插图、数码绘画等其它说法，是当今社会随着电脑技术的发展而出现的一种新的平面视觉艺术表现形式。CG电脑图形设计运用各种电脑技术或者软件，将国画、油画、动画、摄影、版画等不同的视觉艺术形式综合于一体，从而形成全新的艺术形式，具有极强的视觉艺术表现力。从现代信息技术条件下的设计角度上看，电脑图形是现代视觉传达设计的一个基础（或基本语汇），将CG设计方法融入视觉传达设计，可以使得设计更具艺术感染力，并充溢着鲜活的想象，可展示出设计师对传统视觉文化的解构和当代多元化视觉表达形式的探索，不仅具有原创性，更具设计内涵。
篇(3)
关键词：视觉传达艺术；创新设计；设计理念
视觉传达艺术主要是将各种媒介物质以一种新奇、新颖的方式展现给受众。因此，该艺术对设计师的观察、想象以及创新能力有较高的要求。在21世纪，作为社会发展与进步的灵魂，创新一直都被各企业及设计认为作为挑战自我、发展自我的标杆。而视觉传达作为一种能给人视觉冲击的艺术，设计师一定要以创新设计作为基础，使视觉传达艺术能够展现其最独特的魅力。
一、视觉传达艺术概述
视觉传达艺术是近几年才提出的艺术理念，其中视觉表示的是人眼能够扫视的范围，而传达则与一般的信息与接收无异，将概念拆分开来，并不能了解到这种艺术的独到之处，但是将两种概念相结合，就成为一种比较新奇词汇。视觉传达艺术是为了满足现代商业宣传与形象展示而生的，企业为了更好的宣传自我形象，必须使用与众不同、内容丰富、新颖的艺术表现形式[1]。视觉传达艺术的创新设计通过受众的视觉感官进入到思想与想象中，因此深受消费者的信赖，也是很多企业形象宣传的依托。在视觉传达的设计上，设计师往往会通过创新手段搭建消费者与企业相互联系的枢纽，并通过文字、图像以及多种色彩进行艺术设计，给人带来强烈的冲击力。随着社会经济的快速发展，视觉传达艺术作为新兴领域，是21世纪人类进步的阶梯，也是商业发展的机会，因此要求视觉传达设计师不断实现自我突破，通过视觉符号传达相应的信息。在具体的创新设计上，设计师还应掌握如何将文字、图形与色彩有机的搭配起来，通过在艺术设计中穿插商家的独特理念与产品，赋予产品一种新的思想与活力，刺激消费者并产生理性的消费。从目前我国视觉传达艺术设计现状来看，视觉传达艺术在创新方面并不乐观，很多设计师往往会片面的理解视觉传达艺术，这很难收获良好的效果。因此在当前视觉传达艺术设计时，一定要按照社会的发展需求，树立正确的艺术设计观念，以创新为基础，充分发挥视觉穿的设计创新的效能。
二、视觉传达艺术设计创新理念分析
1、创新的设计理念
进入待21世纪，人们的审美理念与价值观念发生了很大的变化，对新奇事物的追求也逐渐提升。因此，在进行视觉传达艺术的设计上，一定要将创新作为设计的基础，以迎合受众以及商业宣传的需求，设计出与同时代人们审美观念相一致的作品。在艺术设计创新上，设计人员应根据视觉传达中影视、光、图形、文字、色彩等元素进行重组，体现一种时尚与现代化，并使人们能够将这种文化作为一种潮流。比如：一些淘宝网店为了吸引受众的点击，就会加入一些视觉传达艺术，将店铺中主营的服装或者服装色彩放在店铺的封面上，通过每天变换不同色彩的服装，让人耳目一新，这样能够收获大的点击量并且还能促进消费。而相比那些一成不变的淘宝网页设计，一年到头都是同一个样式，显然难以获得点击与消费量的提升。因此，只有将创新的设计理念作为视觉传达基础，才能对受众产生视觉冲击，使设计师能够设计出优秀的作品，最终促使消费者根据个人感官作出理性消费行为。
2、创新的视觉语言
通常而言，视觉传达艺术主要值得是图形言语化于言语化图形的相互转换，视觉设计人员要想将设计理念与艺术主张紧密联系起来，并通过信息的方式表现给大众，其最终目的也主要是实现商品与消费者之间的信息传递。所谓视觉语言创新，本质上还是指文字、色彩以及图形的合理搭配，构建三者之间新的联系。对于术中视觉元素而言，设计师在进行创新设计时，就必须具有丰富的经验、敏锐的观察力以及强大的思维转变能力，通过借助以往的设计经验，进行知识的丰富与创新，对作品的内容进行丰富。例如：淘宝双11活动、苏宁电器、京东商城等一些大型商业网站，为了获得更大的点击量，就经常会借助视觉传达艺术，吸引消费者的注意力，促使消费者进行购买。
3、创新的理念表达方式
创新的发展推动现代科技的进步，而科技的进步反过来又为创新理念的表达提供不竭的动力。新科学技术往往会为设计师提供新的设计思路与设计工具，给设计工作者提供更加丰富的物质基础。从艺术设计的基本工作上来看，设计师的做药工作是借助现有的材料与企业需要传达的理念，在个人思维的基础上，借助现代科技进行表达与创造工作。从科技的发展来分析视觉艺术设计人员的艺术创新设计，传统历史中的造纸术、印刷术到当前电脑、打印机等媒体的转变，经历了多种创新，为人们的生活提供便利，因此艺术设计人员必须意识到科技创新与视觉艺术创新的联系，通过两者的相互结合，不断突破自我。
4、绿色与现代化的设计理念
当前，在世界提倡环保的整体理念下，体现绿色环保的设计往往能够吸引受众的眼球，绿色环保设计模仿自然植物，尽可能以最小自然代价获得所需的产品。因此设计师在进行视觉传达艺术设计时，一定要贯彻绿色设计理念。同时，为了达到更好的宣传效果，设计师还要以现代化发展为理念，将绿色与现代化贯穿到整个视觉设计中，这也是为现代社会的可持续发展提供助力。例如，在家具设计行业，以绿色为主色调的家居设计往往能吸引受众，主要是因为绿色能够体现与大自然融为一体的理念，更是人们积极响应绿色环保的生活理念，这样既帮家居厂家进行宣传，又实现了资源的可持续发展。
三、结语
总而言之，创新是21世纪个人及企业生存与发展的必要条件。视觉传达艺术设计作为一种新兴领域，先进的科学技术为设计师创造良好的条件及环境，因此为了适应社会的需求，设计师一定要充分借助现有的设计理念与科学工具，将创新理念与创新视觉语言融入到作品中，刺激消费者的视觉感官，实现利益的最大化。
参考文献
[1]王乐.分析创新设计理念在视觉传达艺术设计中的具体实施[J].包装世界,2015（06）:30-31.
[2]商春玲.如何做到视觉传达艺术设计的与时俱进[J].安顺学院学报,2016（02）:44-46.
[3]崔可.创新设计理念在视觉传达艺术设计中的具体实施[J].美术大观,2014（03）:131.
篇(4)
关键词：书籍装帧；装帧设计；动态设计
中图分类号：G23 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2011）33-0182-01
书籍作为文化的载体，容纳了古今中外的文明智慧。伴随漫长的人类发展史，好的书籍不只是将知识传播给读者，更应是一部可欣赏、品味的剧集。装帧设计作为一门独立的艺术，在视觉上给我们带来的视觉冲击感，要比书籍本身的潜在魅力更受关注。这也要求设计时既要突出书籍本身的知识来源，更要巧妙利用装帧设计特有的特色，为读者建立丰富的视觉空间，通过眼观、手触、味觉和心会，在品位书籍内在魅力的同时，得到畅快的精神享受，这才是书籍装帧设计在整体性原则上的根本宗旨。
装帧设计由表及里既是平面的，也是立体的。从封面到内文，每一页都是一个平面。人的视觉随着阅读而流动，众多平面也就组成了一个统一的整体。建筑设计师出身的书籍设计大师衫浦康，认为各个艺术门类间都有共通性，装帧和建筑设计一样都是空间和平面艺术的结合。这种由多种因素构成的动态系统就是书籍的整体美。人与书是“相互运动”的关系，而书籍的整体美也就产生于动态。
一、装帧设计中“动态设计观”的表现
装帧设计的根基是设计，而设计的根基在创意。在装帧设计中，书籍的整体形态表现就是一种“形式”设计。中国古代书籍的简策装、卷轴装、经折装等就是不同装帧形式的呈现。西方美学家阿恩海姆认为：“一个物体的视觉概念，是从多个角度进行观察之后得到的总印象。”因此，人的视觉概念绝不是静止的，而是与物体相对运动后的视觉结果。
（一）装帧设计的视觉多面性
在装帧设计中，书籍的造型设计是视觉概念的重要部分。因此在设计时，应对整体中的多面性有明确的认识。从封面、文字、图形、色彩、内容等由表及里、层层深入，而形成视觉的创意美。如同“罗丹的雕像”，从任何角度去欣赏，都是立体、连贯、多侧面的，更是显示出多侧面的立体创造力。
（二）装帧设计的视觉流动性
人的视觉是一个由远及近的过程。货架上一本好的装帧书籍，首先应具备对几米以外读者的视觉感召力，其次就要做到当读者把书拿在手中时，还可以反复品味。
色彩装帧设计中起到举足轻重的作用，当读者走进书店时最先传递来的视觉信息就是书籍的色彩，这也充分体现了装帧设计中距离动态设计的重要性。另外，行间距的设计，能给近距离的观赏增添了节奏和韵律。
（三）装帧设计的视觉相继连续性
相继连续的视觉作用，在英国的经验主义美学家霍布斯看来就是：“人在审美活动中，凡是在感觉中彼此直接衔接的运动在感觉后也还是联在一起的。”这也意味着，人类视觉的不满足心理引导人们去看暂时看不到的部分，正如人类视觉总不满足于只看到物体的一个局部，而要把握全貌。
（四）装帧设计的层次性
书籍是一个多层的形态，这也决定了装帧设计的多层性，而装帧设计区别其他艺术设计的最为显著特点，就是具有多层的形态。
当人们翻看书籍的时，所展示的就是书籍在动态中的多层美。这就要求设计者由表及里、层层深入，在动态中依次展现在人们眼前。但由于缺乏对书籍多层性动态设计的认知，很多设计都只重封面而轻版式上的设计，各行其是。美学家狄德罗说过，书籍中各层之间疏密的对比和谐关系，图像符号的变化呼应关系，内页之间的色彩节奏关系，都使书籍层与层在动态中展现出无限的魅力。
因此，我们应该建立立体、动态的装帧设计观，才能使书籍装帧艺术有更深得突破。
二、现代装帧设计中“动态设计观”的应用
书籍是动静相融的艺术品。随着书页的翻动，随着读者视线，书不断的变换着空间关系。随着信息技术的发展，书籍早已不再是传播媒介的主角。倘若坚持以往的装帧设计方法，书籍的时代性、发展性以及自身的欣赏地位必然要被电子媒介所取代。因此对待装帧设计的“动态”的设计观更为重要。
当前很多优秀的装帧设计，都特别注意版式在装帧设计中的运用，特别事大效果与精致细节图案要素的视觉互补。这些设计也体现出作者对书籍多距离视点特性的充分理解。
现代书籍装帧设计，既要注重书籍的外在表现，又应注重对书籍动态的整体把握，调动点、线、面等一切要素，与之相呼应。这也是中国书籍装帧动态设计观的起点。
篇(5)
[关键词]视觉传达设计师变化创作独立合作主控
在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。
一独立创作的视觉传达设计师
1.1非数字化时代的视觉传达设计师
在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的WieslawWalkuski等。在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制,但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。
1.2数字化时代的视觉传达学习者
社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。
1.3数字化时代的独立创作者
同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。
以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。
二视觉传达设计师创作独立性的变化
成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态技术上合作，思想上也合作技术上合作，思想上独立的创作状态。我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。
2.1个人创作——即完全独立状态
这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有一些为自己进行个人推广而进行的创作状态都属于这个范畴。追求和表现自己独特的观念、认识，并创作出能有效体现设计思想的作品，是这种创作状态存在的根本原因。维也纳的设计师卓思乐认为：“设计必须有个人风格，并传送艺术信息，个人的演绎最为重要。”④他的话在很大程度上描述的正是个人创作状态的设计师们的心里所想。这种状态如果向极端发展就会造成设计师的理想与市场的脱离，但如果发展得好就会获得巨大的成功。我在对艺术资源网世界设计师中列举的54名设计大师的统计中发现，仅有丹·赖辛格、塔帕尼·阿尔托姆、小岛良平、约瑟M·特里亚、松永真5位设计师在设计公司或广告部门工作过，其余的49名设计师要么在学校任职，要么就在毕业的时候就创立了自己的工作室或协会。他们大多都通过参加各种国际性展览来展现自己，其作品也大都被各博物馆和美术馆收藏。这可以说是个人创作状态成功方式的具体例子。当然，我们也不能忽视事物的背面，随着社会的发展设计被放到了一个很高的位置上。于是，一些设计师便产生一种“救世主”的心态，似乎一切问题都可以通过设计来解决，他们往往认为自已的思想走在普通消费者之前，而消费者根本不懂设计，因而不屑于了解消费者的思想，反而责怪消费者不懂得欣赏自己的设计，就象一个孤芳自赏的“现代艺术家”。沃尔特·格罗庇乌斯在1922年就曾意识到这点：“我们都很清楚。我们周围的事物都不是孤立存在的，而是以我们发展中的哲学为后盾的。”⑤包豪斯也曾意识到这点——“一旦包豪斯失去与外部世界的工作及其工作方式的联系，它将成为怪人的避难所。学校有义务训练那些清楚地了解他们所生活的世界的本质的人和那些有能力用他们的综合知识和想象力来创造能够象征这世界的典型形式的人。”⑤因此，我们应尽量避免进入这样盲端的个人创作当中。应当记住设计最终是为传达信息,传播资讯，与客户、技术人员以及更多的相关人员的合作能够更好的实现设计的最终目的。至于怎么样既保持创作独立性又能实现最佳的传播，在合作创作及主导创作的分析中有详细的说明。
2.2合作创作——参与创作但服从创作概念的制作
合作创作讲的就是合作，同客户合作；同设计同行合作；同需要我们的人合作。它同个人创作有着一种承接的关系，当然那种“我如何去想，决定了我怎么去设计”的想法在此是绝不适用的。随着社会分工的细化，进入公司后的设计师大多从事的是局部的设计与调整，对于创作概念的决定上处于被动的位置上。只有在设计师在做自我推广时，才恢复到独立创作的个人状态中。当个人创作状态的学习者初融社会时，就会面临这样一个需要转变态度的时期。
自动装置（伦敦皇家美术学院研究生视觉传达课程的产物）认为：“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”⑥“骑工作室”始终把同客户的交流作为他们创作过程中的重要方面。在《非常设计——世界著名工作室作品展例》所列举的42个工作室里有5个象这样明确指出同客户合作重要性的工作室。在与客户合作的基础上最大的变化就是创作概念的主控性上的转移。大多没有社会实践经验的设计师，最初进入公司的时候只是整个设计流程中的一个工作部分。从文案创意到设计中的美工、设计师、美术指导都是服从于创作概念的。如果说一个设计分为：构思过程－－创造事物（或产品）的意识，以及由这种意识发展、延伸的构思和想法。行为过程－－使上述构思和想法成为现实，并得以最终形成客现实体（或产品）的可行性判断和形成过程。实现过程－－以最合目的性、实用性和经济价值为目标贯穿于整个设计活动．并将完成的事物(或产品)实现其所应有的综合价值。处于合作时期的设计师大多就只是行为过程的执行者。
这个时期也许压抑了很多设计师的个人化语言，但我们依然有展示自己的空间。台湾有一个名为“垃圾桶里的创意”的设计比赛，所有只要你自己认为是好的设计，不论是被主管还是老师枪毙过的作品都可以参加。它宽泛的参赛资格（只要对创意工作有兴趣，不分社会人士或學生，黑秀网会员或非会员皆可参加。⑦）就是为了提倡不论在什么时期都应重视个人的创意，而这正是对创作概念主控性追求上无时期差别的体现。正是因为设计师们对创作概念上的独立性追求，这种参与创作但服从创作概念的创作时期一般被作为一个向主导创作发展的缓冲期。
2.3主导创作——构思独立制作合作的状态
在社会不断强调设计重要性的当今，越来越多的设计师成立了自己的工作室。他们在创意构思上独立，在制作上合作，这就是设计师创作独立性的另一种状态。例如：“假发”工作室在给大西洋唱片公司制作P.O.D的唱片标签与标志的案例中，“假发”工作室的设计师迈克尔·罗宾森先是同摄影师合作，接着请照片处理师合成照片取得了乐队想要的效果，最后同其他的设计师合作制作了乐队的标志。⑥他决定了创作概念，在定了概念之后，挑选了适合的创作人员，虽然合作创作贯穿了整个设计，但我们更应看到他对整个设计的主导性。同样从户田正寿对挑选创作人员的高度重视当中，我们不难发现，对于创作的主导性是一个贯彻于每个细枝末节的。用迈克尔·罗宾森的话说，主导创作就是：“先有一个理念，然后让很多有才华的人来分工完成。”⑥它与完全独立状态的制作相比集众家之长的设计具有相当的优势。它既能体现设计师独特的设计想法，又能补充制作上的不足，有时还能帮助设计师从被动转换到主动设计的状态。即，策略型设计。“韩湛宁：成为一个平面设计师的初期困难吗？做为一个闯入者，你如何被大家所接受，你又是如果开展业务的？欧宁：在我决定进入设计界的时候，我已胸有成竹。我不想象这个行业的大多数人一样，听命于客户的要求，因此我独立开发自己的设计项目。《北京新声》原计划是一个独立出版物，我投了一点钱用于前期的采访和拍摄，后来它得到湖南文艺出版社的支持，它完全是一个百分百体现我自己意念的项目，出版社未加任何意见。对于创作型的人来说，创作比经营更加有趣，我不想失去这种乐趣。”⑧可以说有这种想法的设计师不在少数，福田繁雄就曾在西门子移动创意营中解释过，为什么他没有工作上的助手一直都是一个人创作，“创作是那么的有意思，为什么要把这么有意思的事交给别人去做呢？”可见设计创作的乐趣正是主导性创作者所拥有的，设计师们处于个人创作时期拥有过，在合作创作时期失去了。但视觉传达学习者同样也可以进行主导性创作。也许他们有一个很好的创意，但在技术上却不能达到当初的设想，这时候寻求技术上的合作将创意最终通过最好的形式表现出来，这种创作也可以认为主导性创作。俗话说“三个臭皮匠，顶个诸葛亮”，学习过程中的不足完全可以通过合作进行弥补，最重要的是不成熟的创意和想法可以在磨合中逐渐完善。即实现了最初的想法，又学到了更多的知识，更学会了怎么与人合作。
三创作独立性的现实意义
通过观察视觉传达设计师个人创作、合作创作，以及主导创作三个时期，我们看到视觉传达设计师创作独立性变化最根本的原因，就是在个人在面对社会需求和创作需求上的转换。目的性可以作为一个坐标，如同文化有回归和超越的两种动机一样，独立性的变化更多是一种超越。从个人创作时期发展到合作创作时期是因为技术上的不足，以及人生积累上的匮乏导致；当设计师们在积累了足够的基础后，便又从合作创作时期转换到主控创作时期，这个转换意味着处于这一时期的设计师们已经将他们的目的转为对设计创作的主控性以及设计创作乐趣上的追求了。
创作独立性是具有普遍性的，表现无非是三种：一，一直保持个人创作状态完全没有进行反复变化就自我超越的一群设计师们，这样的人有福田繁雄、GUNTERRAMBOW以及在完成学习阶段后就直接在高校进行教育工作以及各个设计组织的创立者等等；二，完成从个人创作到合作创作，再到主控创作三个时期的设计师们，这是最常见的一种变化历程；三，就是从其它行业转入，直接进入了主控创作时期的视觉传达设计师，欧宁、图形大破坏工作室的成员们便是其中的佼佼者。针对个人需求上的转换，每人的经历又个有不同，用一与多的辨证关系来说，我们可以从中寻找到自己的一个定位以及发展方向。同时我们还可以看到这三种状态的交错性，对于属于数字化时代的我们更要能随时调整独立性的状态才能更好的适应发展。
在个人创作时期的学生个人创意的发挥应该处于独立的状态，在不断吸收知识的基础上发挥个人创作意识，开动个人的潜能是为将来的创作打下坚实的基础。与此同时，掌握好各类设计技能、知识，也就给自己摆脱步入合作创作时期创造了一个机会。当然连纯粹的自我都不存在，我在此所说的独立都是相对的，是指设计创作概念上的。前面说到过学习阶段的主导性创作，应被更多的重视，通过这样的锻炼我们能在协助他人的创作中将合作时期提前化，也能进行主导性创作的锻炼。当视觉传达设计者们依然缺乏商业社会的实际经验时，就应该进入合作创作时期，这样既可以学到知识、积累经验，又能避免设计师步入“现代艺术家”心态的盲端之中。学会合作，就是这个时期的首要任务。正如蒋华所言“设计作品不仅仅是做给设计师自我欣赏的，而是涉及到其它很多方面，比如涉及到最本质的传达与沟通，涉及到基本原则和技巧，涉及到客户与受众，因为设计本身是商业行为，它需要设计师与其他人之间的交流。”⑧在商业味十足的设计行业中，如何与顾客沟通？这段话也许能教会我们怎么调整我们的位置“我们首先要以朋友的心态顾客沟通，交流和讨论。这样才能真正了解、理会顾客对设计的构想和最终达到的效果。‘融合与沟通是关键’,先听顾客的想法，再提自己的观点，真正做到‘不去说服你，尽量靠近你’。要在尊重顾客个性和喜好的前提下结合自己的创意，通过讨论达到共识来设计作品，只有这样才能在设计中创造出与顾客的期望相近而又体现了设计师的水平的作品。如果顾客对设计方案有些不同意见、见解。应当与顾客交流感情，取得共识。但绝不能用‘外行’为理由指责顾客的想法。如果设计师能拿出正反两面的范例，与顾客进行交流，即不盲从盲顾客的观点，又注意从实用美学角度对顾客耐心引导，只要方法得当就会取得顾客的理解，从而双方达成共识。”⑨在这个时期，设计应归位到原点，设计的目的依旧是传达信息,传播资讯。此时的个人推广与商业创作是一致的，“潘沁：我们认为艺术性的设计与商业性的设计是一致的，是共通的，平面设计的本质都是一样的，即——传达。”⑧另一方面，就是注重设计家自身的个性修养，而个性修养则是设计师在生活实践中逐渐积累而成，这个过程越有弹性，这种对周边作品的吸纳也就越有效，对作品的排斥也就越小，二者是相辅相成的，个性积累本身对个性发展有一种推动作用，而个性的发展又能使自身的个性积累日益丰富。积累到发展是一个过程，维护这个过程是相当重要的，它是将来的主控创作时期的基础。可以说，通过合作时期的锻炼过后，已经能够认清自身的能力并积累了足够的阅历向主导性创作发展了。
学习阶段的主导性创作同经历过合作时期后的主导性创作在创作的主导性上是一致的，但从实践上又有所区别。学习阶段的主导性创作带有更大的未知性发展。
就我为例：我的毕业创作构想是通过照片的flash展示构建一个完整的我。完整是指通过镜头展现别人和我眼中的我的外表、个性特点，通过寻找共同点来表达我的各个方面，从而完成一个从外在环境到内在性格的摄影作品的体现，并通过flash的互动和背景音效使观者达到立体的感官理解。这个设计的定义一开始就明确了他人的参与，因为是表达她们眼中的我，在摄影图片的形式上我就不能进行干预只能在内容上制定一个概念。对比户田正寿“定了概念之后，就要挑选适合的创作人员，……一定要合适那个创作概念”②的标准相比，学习阶段的主导性创作在合作人员的选择上有很大的局限，这就要求在学习阶段主导性创作者在保持概念的同时更好的寻求合作。再从创作目的上对比，我的毕业创作是进行一个个人性探索，而户田正寿说“艺术指导要做的不是按着个人爱好去做事”②，这就是说进入社会化以后的主导性创作相比学习阶段的有了一个实用性的限制，创作目的从自己角度出发的创作转换到了从观赏人群出发的创作。最后对比修改完成阶段，户田正寿认为“最后到了开始印刷的阶段，从这个时开始艺术指导开始进入真正属于他一个人的世界。是否完整地表现和反映了自己所要的那种画面感觉？……在这个过程里，作为艺术指导向他挑战的是他自身，他要战胜的也是他自己”②，他说到的属于他一个人的世界在学习阶段主导性创作时期也是同样的，但不同的是在照片素材收集完成后我就进入了属于我一个人的世界。当然这个是只是个个案，但主导性创作是一个学习阶段中后期最应采取的创作方式，融合技术上的积累进行创作、合作能更早的适应步入社会后的各种环境。
四结语
作为数字化时代的学习者，面临的是即将步入社会后的双向选择，确立自己的目标也许并不困难，但维持理想也不是那么的容易。一个视觉传达设计师只有记住个人创作时期对设计概念上独立构思的状态，并在合作创作时期依然能维持这种个人性思考，才能最终发展成为一个优秀的独立创作人。且我们当注意到创作独立性是一个变化的过程，在变化中掌握好构思独立性及协同创作时的合作的角色转换，正确处理个人在面对社会需求和创作需求上的矛盾，避免脱离社会进入孤芳自赏、锢蔽自封的怪圈也是所有的视觉传达设计师应当注意的。
虽然设计师的创作状态在不断的改变，但设计的目的始终是一致的，那就是传达信息,传播资讯。表达个人思想的传播和为客户进行的传播是不一样的。在主导性创作时期不论是如何进行主控，合作都是一项不可忽视的内容。在学习阶段在发展个人创作的同时也兼顾着多进行主导性创作的尝试，能帮助我们提前适应步入社会后的工作、学习。适应社会最主要的就是要学会同客户合作，让我们记住这句话“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”
视觉传达仍在不断的发展，视觉传达设计师创作独立性也在不断的改变，随着设计师自身的不断进步，及对创作独立性上不同程度上的追求，创作独立性应同创意、技法一样被人重视。人们通过了解它，认清自身所处的创作状态将作品发挥到最佳的水准，并更好的计划未来同视觉传达一起发展。
参考文献
①《二十世纪视觉传达设计史》（美）梅格斯湖北美术出版社1989年9月第一版
②《户田正寿的设计技法》（日）户田正寿广西美术出版社2001.1
③中国平面设计在线设计长廊竞赛传真
④卓思乐
⑤《包豪斯大师和学生们》弗兰克·惠特福德现代艺术《艺术与设计杂志社》2003.5
⑥《非常设计——世界著名工作室作品展例》[美]斯宾塞·德雷特/干特加·萨拉维兹安徽美术出版社2003.1
⑦垃圾桶里的创意黑秀网
⑧设计在线《设计新锐榜》2001.8访谈--韩湛宁：对话欧宁
设计在线《设计新锐榜》2000.5访谈--韩湛宁：对话蒋华与潘沁
篇(6)
关键词：读图时代；视觉；设计；文化
中图分类号：J05 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）26-0074-01
一、“读图时代”语境下的视觉设计
现代图像文化伴随着现代民主社会的出现而逐渐的兴起、繁荣。这种相关性也是我们要讨论的视觉文化时代的意义时要提到的关键点。不管怎么说，一个事实是，图像文化本事一个与人类文明的历史始终相关的文化现象。作为一种新生的文化现象，他可以从近现代国内外每一次历史运动、社会变革、文化的更新以及美术、设计的活动中就能看出：漫画、广告、摄影、招贴、海报等等，这些都是随着时代文化的每一次变革而出现的新的文化特征，这些新文化的出现，不光代表着新的时代文化到来。而更应该注意到一下随之而来的根本上左右这些新文化的技术革新。
新文化已经成为不可质疑或者在新文化发挥重要作业的路程中，它索要需要的支持它的新的技术也随之产生着变化，“视觉文化”这一词语的出现也意味着一个视觉时代的到来，而随之带来的还有更多。这一概念是由匈牙利电影理论家贝拉・巴拉兹提出的。他预见性看到：“电影艺术的诞生不仅创造了新的艺术品，而且是人类获得了一种新的能力，去理解这种新的艺术文化”。虽说这一概念是由一位电影学者提出，但这所带有的全面性却包含图像时代所带来的一切。当然我们需要认清楚的是“视觉设计”这个词或者准确的说是这个概念所带来的是一场巨变，如果需要理清那我觉得这是一场“变革”它会渐渐淡化改变人们的思维方式，用眼睛去感受一场文化的变革。“设计”所带来的是不同区域的生产力。
二、关于审美趣味和设计责任的探析
（一）关于“审美趣味”
“读图时代”的到来模糊了纯艺术与大众艺术的界限，使得人们审美活动从以前精致的、贵族式的、高雅的以及先锋性的，由少数人有的行为变成一种平民式的活动。这样使得更多具有一点视觉感知能力的人都能参与到审美活动中去，而无需太多的文化水平和艺术修养的文化内涵。当然这扩大了审美的主体范围。在对图像阅读的过程中，注意力被一些小趣味的小细节所影响导致视觉设计它该带来的艺术价值，让人忽略了视觉艺术本该有的价值感官。对对象的审美更多地是告诉观众当下的及时感性个体验，一种能够加深本有的文化一思想能力修养的视觉价值而被忽略以致逐渐退化。
审美趣味的消遣化和娱乐化，使审美摆脱了传统经验的无目的的、伍功利的状态，以及在对客体的审美观照下的细细品味，现实情感从感性到理性的升华。而今天的视觉文化却无拘束走向了感性的浅白的边缘。视觉文化中感性的过分理性精神的减少，使得视觉文化失去了该有的文化价值。不得不提的是当今科技技术的发展使得视觉文化产生的过程是便捷的，当人们视觉设计趣味的模糊化。逐渐被消遣和娱乐所代替的时候，视觉文化中对于科技的运用不能说是不利，而广泛的应用科学技术，却又在为我们创造着一个人工的视觉环境。它是一种客观性缺失的主观创造物，使得人们越来越缺少对自然的感受。对真实的自然失去了审美的判断能力，逐渐的将我们的视觉引向虚化。
（二）关于“设计责任”
视觉设计过分的追求感官刺激，一味的强调视觉冲击力，使人的视觉不堪重负；过分的视觉符号化，使人们远离了真实的自然世界，而处于虚化的美中。进而丧失了真实的视觉体验。这些问题的出现不得不让我们讨论或是追讨一下问题的所在以及责任。
当今的视觉设计已经由传统的平面扩展到三维或多维空间，由静止的变为动态的，出了具有多元化、边缘性的特征外，还该具有特定的社会文化和个性鲜明的人文文化特征，因此要求视觉设计人才应该具有多学科的理论支持，具备相应的扎实基本功。应该在文化的基础上做一下富有真意内涵的视觉设计从而来让人们享受这个设计带来的趣味。在这个过程中会出现很多的困难，谁能真正的去做，在经济左右设计的前提下，远胜于对其社会方面功能意义及影响的重视。虽然我们提出了“绿色设计”、“健康设计”“和生态设计”的概念，单将这些转化成为真正意义上的设计却是很难的路程。
设计师人文精神的加强也是迫切的，很多丧失人文精神的根源在于中国传统审美文化在当代的失落，这些所面临的需要解决的问题也是一个艰难的过程，教育是人类文明传承的主要载体，也是推动人类进步的动力，同样也是视觉设计健康发展的重要保障。对于一个好的合格的设计师好的教育是极为重要的，只有好的设计教育设计人才才能引导健康向上的设计作品，才会给人们呈现好的视觉享受。
篇(7)
关键词：园林景观设计；视觉，应用
园林景观是作为主体的人与作为客体的环境之间互动而形成的被感知到的视觉形态物以及相互之间的关系，作为一门综合性学科，既是空间的艺术，同时也是视觉的艺术。人们通过视觉认识空间环境。因此，探讨视觉元素的应用，对指导设计有着十分重大的意义。
1视觉的相关理论
1.1生理意义的视觉概念
从横向说，各门学科对视觉的认识也不尽相同。生理学中的视觉概念是视觉器官及其功能，心理学中的视觉概念则是眼睛对事物的刺激所引起的心理反应。
人之所以能看到外界影像，全依赖于一双明亮的眼睛。人眼为一个直径约25mm的球状组织，人的眼睛就像一架摄像机，位于眼球前面突起部分的中央可见到一个洞，这就是瞳孔，呈黑颜色，因为它是开向眼球内部的黑色区域。瞳孔就好比是个可调节的窗口，可以使光线直驱而入，它被一个状似面包圈的虹膜包围着，颜色可以发蓝、绿或棕色如同照相机的光圈一样，虹膜可以随着光亮的强弱度改变大小。
1.2设计领域的视觉概念
视觉传达设计领域内的“视觉”的概念有两层意义：其一，就人的一般感觉方式说，“视觉”是受传者或观众获取设计图像信息的主要感觉方式，这是“视觉”的一般概念。其二，就视觉传达设计的信息交流过程看，“视觉”就是设计图像。这是“视觉”的特殊概念。在这一过程中，设计师创造的是设计图像，受传者或观众通过接触设计图像获取相泣的信息。因此，在整个视觉传达的过程中，“视觉”的产生、转移和获取都是以设计图像为基础的。
2视觉与园林景观设计
法国后期印象派代表塞尚所说：“人的知觉生来就是混乱的，但由于专心和研究，艺术家可以使混乱纳入秩序，绘画艺术也就是要在视觉范围内获得这种结构的秩序”。其显著特点就部分组成整体，但它决不等于构成它的部分之和，而是一个全独立于部分之外的全新整体。既然人类对外界感知的主要途径是视觉，那么在室外环境的组织和室外空间的塑造中，园林景观的空间划分更多是通过人的视觉上的感知实现的。因此，注重视觉特性在园林景观中的应用是园林作品获得成功的重要因素之一。但是园林空间区别于其他休闲游憩空间最明显的特征在于植物围合的相对私密的空间赋予的种种独特性。园林空间虚实相间的植物空间使得空间的视觉组成不仅限于空间内部，空间背景中的外部环境大大丰富了人们的视觉感受。
3视觉在园林景观设计中的应用
3.1点在园林景观设计中的运用
点，在视觉元素中是最基本的元素，它是图形、图像最基本的组成部分，也是图像中最细小的成分。点通过在面积上和方向上的改变，转换成线和面。点，以其位置为主，应该形象称之为点，不是由它自身的大小所决定，而是常常由它与周围的形象所产生的比例来决定。当空间中只有一个点时，视线会不自觉地聚焦于此；当大小不同的两个点同在一个空间中，视线会由大点移向小点，产生由大到小、由近到远的视觉感受；当大小相同的点在同一个空间中，它们之间就有了“线”；当三点共存时，即产生了“面”的感觉。现代园林景观设计中点的内容扩大，植物、山石、亭塔、台凳、汀步、石矶、灯光、水池、雕塑等有一定位置的、形状不巨大的要素均可以视物化了的点。点的内涵也得到补充，有功能性和装饰性之分。功能性点的存在有实实在在的景观功能作用，装饰性点有的仅是为视觉形式的需要，有的是作为一种视觉信息传递的符号。
3.2线在园林景观设计中的运用
视觉中的线，是由众多的点沿着相同的方向，紧密地排列在一起所形成的，即线是点的运动轨迹。线的特点主要是具有长度和方向，其外形有长短、粗细、轻重、强弱、直接、转折、顿挫等不同的变化。同时，线能给人以力量、速度、连续、流畅、移动、纤巧、弹力等视觉体验。“线条能产生一种视觉上的联系，并且是视觉艺术中各因素之间最为重要的沟通方式。”线条能引起一种视觉对话或视觉上的关注。尽管有其独立性，但线条也能分割它所在的块面，既能产生和谐，又能产生紧张。不同的线条引起审美感受肯定不同。在园林景观设计中有相对长度和方向的道路、长廊、围墙、栏杆、路灯、溪流、驳岸、曲桥等均可视为线的元素。直线，其坚强、刚毅、有气魄，通常被用于主题相对严肃，具有鲜明主题的规则式园林景观中，如纪念性公园、各类人民公园、城市中心公园等。凡尔赛有一条自宫殿中央延伸长达2 km的中轴线，两侧大片的树林把中轴线衬托成为一条宽阔的林荫道，交错的直线路网系统有一种无以名状的威严感，它所显示的恢宏的气魄，是法国绝对君权的象征。曲线则轻柔、温和，给人以飘逸、自然的感觉，它一般会用于较为休闲、娱乐的场所，如度假村、城市休闲绿地、小区花园等。著名的纽约中央公园就是多由曲线构成。线的网状交叉在景观设计中可以应用在较大的平面上，它也给人面的感觉。线的造型应用在景观设计中是屡见不鲜的，其主要包括线的粗细搭配、线的交错、线的实虚处理、线的直曲对比、线群和线面、线的方向及动势等。
3.3面在园林景观设计中的运用
任何面积较大的形在视觉上都会给人以面的感觉，点、线的积聚会形成面。线条首尾相接形成的视觉空间也有面的感觉。面有虚实之分，内部充实的面可以看成是实面，而内部空虚的面则是虚面。这在园林景观中我们可以理解为广场地面或者草坪是实面，而水池和溪流则是虚面了。如图5中，水面和草坪的设计就是虚实面的处理变化。视觉上的面可以是在平面上，也可以在三维空间中，面可以水平摆放也可以垂直或者倾斜处理，不同面之间可以利用相离、相遇、相融、相切的方法进行位置的处理，这要求设计师充分发挥想象，在设计中去寻找面的巧妙的变化。面在外形上可分为几何形面和自然形面，相同形状或近似形状面的重复、组合，面的色彩及明暗变化，这些在园林景观设计运用不同的材料和施工方法都可以实施。大面积的面一般要和点、线组合使用效果才会更理想。
3.4形体在园林景观设计中的运用
形体是形在三维空间中的运动，当不同的面于不同的方向，并在边沿的位置连在一起就形成形体。形体是形状在空间中的延伸，是形变化的延续，它能引导人们的视线从水平线以下向高处发展，使得空间也随之发生改变，给人以不同的视觉体验和心理感受。与此同时，形体在光线的影响下产生的明暗变化也将大大提高和丰富形体的视觉层次。形体在园林景观设计中表现为假山、雕塑、建筑、装置等，它可以打破园林景观设计时面的单调，同时它也可以和平面上的图形相呼应、协调，使得景观产生较舒适的视觉感受，甚至会形成视觉的焦点。在园林景观设计中的形体还应包括半立体，如浮雕等。由于完美的外形和简约的形态，在现代园林景观设计中大量的几何形体被广泛的运用，在设计中创造一种符合现代人审美趣味的构成感。
4结束语
我国园林景观设计中视觉要素的应用，还处在积极探索的阶段，应认真的学习和借鉴先进国家的景观设计经验和成果，结合现代视觉元素和设计理论，大胆创新和实践，走出一条既符合中国传统造园思想又具有先进的国际景观设计理念的景观发展之路。
参考文献
[1]刘丽.中国古典园林空间划分与组合研究[D].上海交通大学硕士论文：2006.
[2]孙善芳，唐治锋，杨春淮，城市景观的视觉分析与模拟控制方法[J].武汉测绘科技大学学报，1994，（03）：254-258.
