美术作品鉴赏论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇美术作品鉴赏论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

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关键词：高中美术 鉴赏 教学 审美能力

高中年龄阶段的学生思维活跃，理解能力、自主学习能力和求知欲都较强，各学科知识也已有一定积累，高中生的这些特点对于美术教学是十分有利的。因此，在高中美术鉴赏教学中，教师应转变教学观念，提高自身艺术修养，根据实际教学内容，结合高中生的年龄心理特点、生活经验和知识基础等，激发学生对美术欣赏活动的兴趣，学生只有有了浓厚的学习兴趣，才会积极、自主地学习。此外，教师还要通过美术鉴赏教学既让学生掌握相关的美术知识，了解美术作品，了解美术发展历史和各大派别，又要注意引导学生通过对美术作品的独特审美体验，从中获得情感体验和美的熏陶，引导学生用心感悟作品，以使学生树立正确的审美取向和价值观、培养学生的审美情趣，最终提高学生审美能力。虽然现在大力提倡素质教育，倡导学生德智体美劳全面发展，美术教学尤其美术鉴赏教学对学生审美能力的培养等美育方面有不可替代的至关重要的作用，但是由于各普通高中受到高考的压力，只注重文化课教学，对美术教学并不重视，加之传统教学观念的影响，所以美术教学还存在许多问题。下文将详细论述高中美术鉴赏教学的重要性及其存在的问题，并简要提出高中美术鉴赏教学的策略。

一、高中美术鉴赏教学的重要性

高中美术鉴赏教学主要有增加学生的美术知识和艺术素养、美育、提高学生审美能力等三方面的作用。美术鉴赏教学只是一种教育手段，其认知功能、教育功能、审美功能才是美术鉴赏教学要达到的目标。高中美术鉴赏教学不仅可以培养学生的审美能力和健康的审美情趣，还可以使学生树立正确的价值观、人生观。美术鉴赏教学最主要的作用就是通过让学生感知美术这种艺术形式并进行审美体验，从而培养学生的审美情趣，提高学生的审美能力。美术鉴赏教学中使学生获取其他能力的功能是审美欣赏的继发。正如在其他学科教学中，学生也会或多或少得到一些类似艺术鉴赏中的审美体验也是其他学科的继发。总之，美术鉴赏教学符合素质教育和新课标理念，对促进学生德智体美劳全面发展，提高学生的综合素质有不可替代的重要作用。因此，学校、教师、家长和学生都应重视美术鉴赏。

二、高中美术鉴赏教学存在的问题

由于学校迫于高考压力，教师又受到传统教育观念的影响，学校和教师都不重视美术教学。因此，普通高中美术鉴赏教学存在许多问题。首先，教师方面，在美术鉴赏教学中，教师的教学方法大多比较单一，教师“一言堂”的现象比较普遍，有些教师自身艺术修养还有待提高。很多美术老师专业知识和技能很好，但教学理论、美术史论等方面的知识还有所欠缺，导致他们教学时只是照本宣科、毫无创新和生气。

其次，学校方面，美术鉴赏课安排的课时较少，此外，艺术课程虽有向必修课发展的趋势，走在普及路上，但美术仍不是高考科目，仍然只是“调味”课。普通高中一般一星期安排一课时美术课，有的学校甚至两星期才安排一次美术课，由于学习过程具有连续性，这样每节课之间间隔时间过长，学生就无法对美术基础知识进行全面系统的理解、整合和记忆，不利于学生对美术基础知识和基本技能的掌握和审美能力的提高。此外，学校和教师对于教学方式方法的探索和研究还不够，可供借鉴的成功经验也不多。

最后，学生方面，学生多认为美术课不如其他高考科目重要，他们几乎把全部精力都用在文化课上，根本不重视美术课培养审美情趣和审美能力的作用，在应试教育的环境下，美术鉴赏课是无法得到学生重视的。

三、高中美术鉴赏教学策略

（一）教师提高自身艺术修养

美术鉴赏就是对美术作品的鉴别与欣赏，人们进行美术鉴赏时总是不知不觉地受到自身生活经验、世界观、人生观、价值观、审美情趣、审美理想、审美标准、审美取向的影响，对美术作品塑造的艺术形象产生独特的体验和感受，同时鉴赏者还会展开联想和想象，并产生独特的情感体验，进而对作品作出自己独特的审美评价，从而获得审美体验和享受。因此，美术鉴赏比美术欣赏对教师和学生的要求更高，是对义务教育阶段美术课程中欣赏与评述的拓展、延伸与提高。意即通过美术鉴赏教学，教师要使学生不仅能欣赏古今中外的一些优秀美术作品，还要使学生能结合生活经验运用审美感知和美术知识对美术作品进行体验、感受、联想、分析和评判，从而受到美的熏陶和获得独特的情感体验，还要使学生能深刻理解美术作品与美术现象，从而提高其审美能力。这首先要求美术教师有较高的艺术修养，才能提高美术鉴赏教学效果。教师提高自身艺术修养的具体做法如下：

1.经常阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文，提高美术文化素养；多学习美术教学理论和方法，提高教学水平。

2.高中美术教师应多渠道获得美术信息，多参观美术馆、博物馆等举办的展览，除了关注传统经典美术作品外，还应该关注当代美术的发展，了解当代美术，加深对美术的理解，精于鉴赏和评论，也可利用网络资源开阔艺术视野。此外，教师还应积极探索、研究美术教学，加强教学经验的探讨和交流，从而在交流中不断提高自身的艺术修养和教学水平，以提高美术鉴赏教学效率，提高学生的审美能力。

（二）转变教学观念

由于美术不是高考科目、不被重视，加上传统的美术教学观念的影响，美术鉴赏课堂教学往往只是教师简单地讲解一些美术作品即可，忽略了学生的主体地位，忽视了学生对作品个性化的体验、感受和鉴赏的过程，导致学生学习兴趣不高，没有得到审美体验，学生的审美能力自然得不到锻炼和提高。因此，在新课标理念下，教师应转变传统的教学观念，真正让学生成为美术鉴赏的主体，当然教师还是主导，对学生的鉴赏活动起到引导和帮助作用，这样的美术鉴赏教学是师生互动、教学相长的过程。这需要教师树立终身学习理念，提升自身文化艺术素养，认真学习和研究教学方式方法，并在教学实践中不断学习，从而不断提高教学效率。在美术鉴赏教学中，教师首先要营造和谐、宽松、愉悦、富于思维性的课堂氛围，引导和鼓励学生大胆表达自己的观点和见解。由于学生的知识积累基础和生活经验各不相同，所以他们对于同一美术作品必然会有不同的感受和理解，教师应充分尊重他们的不同见解，并加以指导和鼓励。当然，有时候学生的看法可能有些片面甚至有些偏颇，但他们确实认真鉴赏了作品，表达了自己真实的感受和看法，所以教师要在指出他们的错误和不足的同时给予他们足够的认可和尊重，以资鼓励，从而保持他们鉴赏作品的积极性。此外，教师是教学的组织者和参与者，教师要采用自主、合作、探究的教学方式，组织学生小组成员之间或全班学生之间交流美术鉴赏的感受、理解和心得体会等，同时也要加强师生之间的交流。教师还要与时俱进，在思想观念、知识和技能、教学方法上都要跟上时代的步伐，随着信息技术的发展和普及，教师可以利用多媒体教学，还可以让学生通过多种渠道学习美术知识，学生不但可以从书本中和课堂上学习知识，还可以走出课堂到社会上参观美术展览等，或者通过互联网开阔知识视野。

（三）充分发挥学生想象力，培养其多元思维习惯

素质教育的根本目标是发展学生的创新思维和实践能力，因此，美术鉴赏教学中，教师应让学生充分发挥想象力，对美术作品进行再造想象，以形成自己独特的理解。教师应以美术作品蕴含的丰富的艺术文化、作者情感和作品塑造的艺术形象等为出发点，创设情境，引导学生发挥想象，多角度地感受、理解艺术形象，体验作品情感，不要以教师的审美为唯一的审美标准，要充分尊重学生的创新观点。比如，在教学《中国古代宫殿建筑艺术》的鉴赏时，教师除了让学生鉴赏作品的组合、体量、造型、色彩、装饰等艺术手法外，还可以进一步让学生讨论宫殿建筑艺术与社会文化之间的关系，充分调动学生学习的自主性和积极性，让他们张开想象的翅膀，在美术的天空自由飞翔，引导他们在自主鉴赏的基础上展开讨论进行小组合作探究。无论学生得出什么样的结论、说出什么样的见解，只要有理有据，教师都应充分尊重他们的想法，尽量对他们的观点加以肯定和鼓励，并帮助他们进一步解读作品，得出有价值、有深度的结论，从而调动学生的积极性，培养学生的审美自信，发展学生的创造性思维，以培养学生多元的思维习惯和审美能力。

（四）以点带面，运用多种教学法

教学有法却无定法，高中美术鉴赏教学也应该富于创造性，教学中教师应灵活、恰当地运用多种教学方法，适当借助多媒体手段，激发学生的学习兴趣，尊重学生的主体地位，紧紧围绕美术作品鉴赏展开活动。教师应重点引导学生发现、体验美术作品独特的、最本质的美和作品的动情点，并引导学生仔细分析美术作品、对其进行创造性解读，让学生充分发挥想象力和创造力，从而不断提高他们的艺术修养、审美能力和创新能力。此外，在教学中教师应适当渗透一些美术作品鉴赏的理论，让学生运用一定的理论鉴赏美术作品，以使学生对美术作品的鉴赏提高到一定的理论层面，进而使他们的感性认识转化为理性认识，从而使其掌握鉴赏方法和规律，最终提高其审美能力。这样学生对美术作品进行感知和体验、并得出独到的鉴赏结论，把握了作者的创作意图和要表达的思想情感，然后教师引导学生把这些感性认识上升为理性认识，帮助学生从中总结并掌握美术作品鉴赏的基本方法和规律，以便学生日后能独立鉴赏作品，从而切实提高学生的审美能力。

（五）美术常识学习和作品鉴赏并重

美术常识与美术鉴赏联系紧密，因此，美术鉴赏教学应两者并举。美术常识是美术基本知识、基本概念和美术语言等，美术常识重在研究为什么美。美术欣赏是一种视觉心理活动，重在感受美、理解美。美术鉴赏教学不能只注重学生对美术作品的感受分析，而轻视其对美术常识的掌握，这样会导致学生缺乏对作品的形式元素的探究，在鉴赏作品是会只知其然而不知其所以然，这样学生也难以在鉴赏中总结出方法和规律，最终导致学生的审美能力难以提高。没有美术常识基础的美术鉴赏只停留在肤浅的层面上，较高层次的美术鉴赏必然是以一定的美术基础知识为理论支撑。

此外，学生在鉴赏美术作品时，由于缺乏鉴赏经验和方法，往往不自觉地用现有经验来判断作品画的是什么，作品画得像不像现实中的实物等，而这种浅层次的“像不像”“画的是什么”等审美标准只能使美术鉴赏活动流于肤浅、甚至误入歧途。例如，在美术鉴赏教学中，教师引导学生鉴赏荷兰画家蒙德里安的《百老汇爵士乐》时，若仅让学生以“像不像”的审美标准去评析该作品，学生的鉴赏结论只能停留在浅层次的表面。在欣赏这幅画作时，教师应引导学生在美术常识的基础上去分析作者如何运用点、线、面的纵横交错以及色彩的冷暖、面积的大小等形式要素塑造艺术形象，让学生充分发挥联想和想象去认真感受和分析这幅作品给人造成的心理感受及爵士乐、百老汇所特有的属性等。同样，以“美”和“不美”的审美标准来鉴赏美术作品，也是比较肤浅的。因为“美”的内涵是丰富多彩的，美的形式是多种多样的，不同的美会给人不同的感受，同一种美也可能给不同的人带来不同的感受，人的生活经经验、文化素养或者情绪情感不同也会对同样的美产生不同感受，所以美术作品的美具有复杂性、多元性并略带作者和观者的主观性。当然许多“美感”也可以通过在一般人看来不美的形式表现出来，如挪威画家蒙克《呐喊》就是通过极不协调的色彩和近乎可怕的形象来表现自然带给人的不安和恐惧，使人们在19世纪末压抑的情绪在此得以释放，从而产生特有的“美感”。所有的美术鉴赏活动，若不以美术基础知识为基础，对作品进行理性分析，而片面地以“像不像”“美不美”去评述作品，美术鉴赏只会停留在肤浅的感性层次，难以达到理论高度。因此，教师应将美术鉴赏教学与美术基础知识教学结合起来，使学生的美术鉴赏活动达到理论层面，从而在鉴赏中从感性认识上升到理性认识，并从中总结出美术鉴赏方法和规律，从而使学生养成良好的美术鉴赏习惯，切实提高学生的审美能力。

参考文献：

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在现实中，我们发现大部分高中美术教师的专业发展并不理想，尽管教育行政部门在寒暑假安排了一定的时间进行培训，但由于带有行政化色彩，高中美术教师往往处于被动境地，并没有达到预期的效果；尽管一些学校安排美术教师制定了专业发展规划，但由于缺少了实际落实措施，往往流于形式；尽管一些学校倡导美术教师要加强理论学习，但由于美术教师课务重，课外辅导多，并没有很好地转变教育观念和提高美术理论素养；尽管教育行政部门和学校积极引导教师参加课题研究和撰写教育教学论文，但由于好多教师存在功利思想，为评“学科带头人”或“高级职称”而搞课题研究和撰写论文，一旦晋级就失去了专业发展的动力，没能真正从自身专业发展和敬业爱生的高度规划未来，也就不可能在工作中体验教师职业生命的丰富性，不可能实现职业生命的创造性。

教师注重自我发展的意识具有独特的作用。只有注重自我发展的教师才会在教育教学实践中体验到生命的活力，体验到事业的满足感，体验到“自我更新”给自己带来的事业新境界。

一、美术教师“自我更新”的内容

1.自我更新专业思想

在日本历史上曾有人称教师职业是“圣职”，对“圣职”的理解，就是认为是纯粹精神的、文化的工作。让我们的学生学会忠诚执著，让我们的学生学会顽强坚韧，让我们的学生学会求索创新，让我们的学生学会憧憬未来，这就是“圣职”，就是对使命的担当。我们每个高中美术教师都是在平凡的工作岗位上从事平凡的美术教学工作，如果不注意自我更新专业思想，就会产生职业倦怠，从而失去专业发展的动力。如果我们能够在平凡的教学岗位上扎实工作，感受到学科教学的“智慧体操”之美和教育过程的“生成快乐”之美，感受到平凡所带来的安逸、静谧、稳定和平和的幸福感，那么我们的专业思想就得到了自我更新。

2.自我更新教育理念

适应变化与创新，应该是我们美术教师的重要理念。我们应该深刻认识到，在大数据的背景下电子传媒技术迅猛发展，信息技术对美术教育产生了深刻影响，教学环境变了，教学方式变了，教学媒体变了，师生角色变了。在这种背景下，美术教师应该在美术教学中确立学生美术学习的主体地位，注意以学习活动方式划分美术学习领域，加强学习活动的综合性探索，尤其是要在美术教学中融进学生的生活经验和积极情感，注意培养学生的艺术想象力和艺术创造力。教师应该适应时代的变化，尊重学生的创造，引导学生合作、探究并创新。

3.自我更新专业知识

记得格里芬（Griffin，G.A.）在《初任教师知识基础》一书中的最后一章的标题就是：“结束语：知识推动的学校”，在作者看来，教师的知识在学校教师专业生活中有着重要地位。一位高中美术教师毕业于大学美术专业，这是不是就专业化了？不是。知识是一个不断更新的过程，是一个发展过程，专业发展是一个有意识的过程、一个持续的过程、一个系统的过程。比如装置艺术、人体艺术和现成品艺术打破了传统的艺术分类原则，视觉艺术正显现出混杂的特征，需要我们美术教师去研究当代视觉艺术的多元性和视觉艺术媒材的扩展。“美术”，作为美术学科教学内容的本质，其名称在当代被“视觉艺术”所取代，这种扩展打破了美术教师对“美术”的单一认识。

从教学实际来看，也需要高中美术教师加强美术专业理论知识和专业技能的学习和更新。美术鉴赏是高中美术选修模块的重中之重，因此需要我们教师系统掌握和更新艺术史、美学、艺术批评、教育学、心理学及现代教育技术方面的专业理论知识。另外绘画和工艺模块时常需要教师现场示范，加上部分艺术特长生要参加高考，专业涉及摄影、美术、动画、中国画、建筑、书法、雕塑、美术学、艺术设计等，如果不更新专业知识，提升自己的专业技能，就很难适应当下的高中美术教学。

4.自我更新教学方法

新的艺术形态是通过互联网、电影、电视、广告、三维立体动漫、四维交互型媒体艺术等形式存在的，新的课程标准也反映了这方面的要求和成果，其艺术教学需要用新的教学方法，这就需要高中美术教师在教学中自我更新教学方法。

传统的高中美术鉴赏课堂教学中学生的自主学习积极性只是应试背景体制下的“教师的独角戏”，是被动的痛苦的，学生疲于作业和考试，无法真正进入“角色”，自身主体地位无法全面体现。我利用江苏省教研室举办微课比赛的契机，学习了电脑美术、各种拍摄类微课制作技术和录屏类微课制作技术，包括拍摄的工具、MP4的主要格式和常见分辨率等知识。

在教学《托物寄情》这一课时，把山人（朱耷）《安晚帖》中画“鱼”这一艺术形象独特创造和艺术家极具个性艺术手法鉴赏做成“微课”，结合艺术家的独特签名“山人”，引出美术作品和艺术家人生经历的关系，进而引出朱耷的花鸟画托物寄情的特色。让学生先观看“微课”这种在线课程，通过自主学习方式和方法，提前基本解决了学习的主要内容；课堂上主要研讨问题，结合鉴赏徐悲鸿的《奔马图》，师生在课堂交流，拓展教学内容，收到了意想不到的教学效果，不仅实现了“翻转课堂”，而且达到了“玩转课堂”的艺术高度。

二、高中美术教师自我更新的途径

1.坚持读书学习

一位优秀的高中美术教师的专业发展需要理论来支撑，理论水平的提高和理论素养的提升，主要靠美术教师不断读书来完成。读书可以由经验式、无意识的朦胧教育信念向以知识、系统理论为基础的教育信念不断演进，结合自己的教育教学经验反思，从而构建清晰的理想的教育理念，在真正意义上实现“自我更新”，走向专业成熟。林青奇的《美与艺术》中对“艺术美的结构”的分析，对我开设“美术作品鉴赏”课很有帮助，提高了我的艺术素养。《宗白华美学与艺术文选》思路开阔，清爽明朗，在不露痕迹中常常蕴含了渊博的知识、丰厚的学理和澄明的精神感悟，对我提升专业素养也有很大帮助。

2.参加教师培训

教师参加培训是“自我生存的需要、事业发展的需要、参与新课程改革的需要、参与校本课程开发和利用的需要、教师示范学生的需要。”[2]参加培训要打破“被要求”“被期待”的心理状态，增强主动性。各级教育行政部门组织的各种讲座和报告会，如教学设计、课堂教学、美术技能学习、介绍新课程改革理念等，要积极参加。

《普通高中美术课程标准》设置了“美术鉴赏”“绘画・雕塑”“设计・工艺”“书法・篆刻”“现代媒体艺术”等5个内容系列、9个模块供学生和教师选择，这既体现出了双向的适应性，也体现出自身的弹性。作为高中美术教师，不能只是承担自己感兴趣的模块，应该尽可能多地适应学生的模块选择。我大学主修美术学，期间兼修书法和国画，工作后根据工作实际通过多次参加各类美术书法专业理论技能培训和自我学习，及时转化培训成果，因此我在教学中能够承担“书法”“美术鉴赏”“绘画”等多个模块课程，并经常参加各类比赛，逐渐成长为江苏省骨干美术教师和书法指导工作先进个人。

3.开展课题研究

高中美术教师要独立地主动地思考问题，寻求解决实践中的问题，就要搞课题研究，借课题研究促进专业发展。我在教学实践中先后承担过两个市级课题：“信息时代高中学生规范汉字书写情况的调查研究”“连云港地方美术文化与高中美术鉴赏校本课程的开发与应用研究”，这两个课题的研究促进了我的专业发展。第一个课题实施背景主要是考虑在计算机普及的今天，青少年一代以键盘输入代替书写，无疑是时代的一种进步，但网络写作的“符号化”“英文化”确实给汉字书写带来严峻的挑战。我发现所任教的班级忽视规范书写的学生大有人在，写错别字和提笔忘字现象比较严重，于是在调查的基础上研究对策。积极实施书法鉴赏和硬笔、软笔规范书写教育，通过讲座、笔会、书法展、参观展览等形式加强书法文化的学习交流，收到了很好的教学效果。第二个课题主要是考虑连云港地方美术文化课程开发尚处于学科及个体研究阶段，并未全面开发、整合与形成特色研究成果。我把“藤花落遗址文化”“大伊山遗址文化”“将军崖原始岩画”“孔望山佛教造像摩崖石刻”“花果山石刻与佛教文化”融入了新海高中的美术校本课程之中，丰富了学校美术校本课程，也提高了自己课程开发和实施的能力。

4.反思教学实践

高中美术教师在教学中的发现性、探究性和创造性对于专业发展的自我更新非常重要。因此，高中美术教师需要对教学问题进行反思、批判和研究，以更好地指导学生的思维和行动。对教学中问题的关注和反思，和学生一起寻求、利用师生生活中的美术教学资源，通过平等交流来解决问题，处于专业发展中的教师就会获得生命活力的体验和专业的满足感。20世纪60年代，斯腾豪斯提出“教师即研究者”，后来这一观点在世界上产生了广泛影响。事实上，教师的自我更新式的专业发展就应该遵循“反思实践者”的范式，在以“参与”“反思”为主要特征的行动研究中不断获得对实践的反思能力，进而使自己获得专业发展，这也是教师专业发展的基本策略。

参考文献：

[1]胡金波.从这里开始，不一样的精彩[J].江苏教育研究，2012（1）A.

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一、京师美术馆现状调查

京师美术馆是坐落在北京师范大学校园里的一所非营利性的大学美术馆。京师美术馆自建立以来已多次举办展览和学术活动，为艺术与传媒学院的美术、艺术设计、书法、数媒、影视等相关专业的教学科研提供了展览及学术支持，并与外界建立了艺术交流的学术平台，成为艺术学院专业教学的重要辅助手段。但是，由于京师美术馆的多数展览在策划与宣传方面多限于艺术专业，忽视了对非艺术专业学生的影响，针对展览开展的交流活动也多属艺术专业内部研讨，即便是对展览感兴趣的非艺术专业学生也因为展览咨询的获取不便而没有机会获得更多的教育机会。下文通过“关于北京师范大学京师美术馆与大学美育”的调查问卷，分析了北京师范大学非艺术专业本科生对京师美术馆的认知情况与接受大学美育的情况。

调查问卷主要分为三部分，第一部分以“美术馆”为关键词，从调查对象的观展经历、对京师美术馆的接受情况、对京师美术馆功用的认识和展览活动的兴趣点等问题入手展开调查；第二部分以“大学美育”为关键词，了解学生对美育含义的理解，对大学美育教学模式的评价和期望；第三部分以美术馆与大学美育的作用、关系为重点，调查了解学生对大学美术馆充分发挥大学美育作用若干模式和设想的认同程度。调查问卷的对象为北京师范大学非艺术专业学生，涉及艺术与传媒学院以外的23个院系的各级学生，按照院系人数比例进行抽样发放，采取分院系发放、宿舍楼发放和网上发放三种形式。调查结果回收了368份问卷，其中351份有效。

统计到的样本数据显示，调查对象中男生比例为38.2%，女生为61.8%；其中39.1%是理工类，55.3%为文史类。样本分析显示，79.2%的学生有过到美术馆或博物馆的经历，排名前三位的是故宫博物院、首都博物馆和中国美术馆，但知道并到京师美术馆看过展览的学生比例为34%，听说过但没有到京师美术馆看过展览的学生比例为49%，从未听说过的学生比例为17%。以上数据表明，到美术馆或博物馆参观是本校学生较为常见的文化休闲方式，而京师美术馆在校内也有一定的知名度。另外，“经常不知道什么时候有展览”和“来过但美术馆总是关门”的情况不在少数，所以在校学生到京师美术馆看展览的比例仍有较大的提升空间。

关于获得展讯的渠道，44.3%的学生选择了蛋蛋网，32%的学生选择了校园海报，28.5%的学生选择了校园广播台，9.2%的学生选择了官方网站，这些数据为美术馆的宣传提供了非常明确的渠道。关于“希望在京师美术馆看到的展览类型”，统计发现，排名前5位的分别是西方古典主义绘画展、影像作品展、设计艺术展、传统中国画展和文献资料展。最喜欢的展览类型一方面反映了学生的个人爱好，另一方面也反映了大学美育的侧重。在这一点上，美术馆与美育课程应互相协调，引导学生拓宽眼界，同时针对课程的需要举办相关展览和教育活动。

在调查关于美育含义的理解时，有47.4%的学生认为是“培养鉴赏美、创造美的能力”，25.7%的学生认为是“培养美的观念和能力”，11.5%的学生认为是“美德教育”。关于“目前我校美育课程存在的问题”，认为“只有理论而无实际训练”的占68.1%，“缺乏基本的训练器材和设备”的占53.3%，“方式呆板不能引起兴趣”的占50.1%，“不能与当下的文化艺术进行良好对接”的占22%。以上数据足以证明，超过半数的学生不单单希望学到美育理论知识，而是更希望有丰富多样的教育方式来培养兴趣，提供培养创造美的能力的机会。另外，通过调查还发现，95%以上的学生认为在美术馆中接受美育比在教室中接受美育的效果要好，而被问及“在美术馆中接受美育的形式”时，59.6%的学生希望在展出作品时有解说服务，47.1%的学生“希望能参加与展览策划人或艺术家交流的艺术沙龙”，40.9%的学生“希望学习绘画、书法、摄影等的实际操作”，31.5%的学生“希望在掌握一定专业知识的基础上做一名志愿者”。

综上所述，大学非艺术专业本科生通过大学美育等课程的学习，业已形成了对美和美育一定程度的认识，对大学美术馆也抱有比较强烈的好奇与期待，对现有的课堂教学方式也有着比较鲜明的态度和诉求，参观艺术类博物馆的行为在本校学生中十分普遍，这便为大学美术馆在校园中的广泛接受奠立了基础。同时，大学美育类课程现有教学模式单一和大学美术馆在校园中影响力不足等问题确实存在，为此，笔者从三个方面提出发挥大学美术馆美育功能的构想。

二、充分发挥大学美术馆美育功能的构想

1.吸引学生走进美术馆——大学美育课堂的时间延伸

要发挥大学美术馆在大学美育中的作用，首先要解决现阶段美术馆在校园中认知度较低的问题，吸引更多的学生到美术馆来，感受美术馆提供的丰富和直观的审美教育，这是增进美术馆在大学美育中作用的基础条件。

首先，扩大美术馆的宣传。因为大学美术馆的展览一般面向本校艺术专业学生，展览的宣传也多在艺术学院内部进行，校园内部的宣传较少，方式比较单一，所以美术馆的认知度比较弱。目前国内的大学多数拥有比较发达的校园文化宣传系统，校园广播站、校报、学生会报、社团报刊等，都是传播大学美术馆文化的良好方式，可以在展览开幕之前邀请这些校内媒体参与宣传，并报道开幕仪式，扩大展览的影响。以北京师范大学为例，校园网也是交换信息的良好平台，另外各院系的海报栏和校园海报也是宣传的主要阵地，都可以用来吸引学生，增加学生感受艺术美、接受美育的机会。随着大学美术馆美育类展览和活动的增加，大学美术馆扩大宣传的范围和增强宣传的力度将变成自然而然的事情，甚至有可能影响到周边院校的学生和居民，使他们也能到美术馆来领略大学美术馆不同于公共美术馆的魅力，从而为公众美育的推广贡献一份力量。

其次，创立志愿者机制。根据不同展览与活动的需要，大学美术馆可以不同程度地动员大学生参与美术馆的日常工作，避免参展者在面对前期准备、宣传、布展和现场控制等繁多任务时分身乏术的情况，让大学生志愿者机制成为协助美术馆机制向着更加高效有序的方向发展的有力支撑。比如物理学、光学和资源技术学专业的学生在展厅场景的选材和布置、展览灯光调控等方面大有用武之地；历史学、文学、哲学专业的学生在撰写展览知识标签时也可发挥专业特长，补充艺术作品的历史、社会、文化背景信息。志愿者还可以通过培训成为某些特定展览的讲解员。这一方面会巩固他们的艺术学知识，激发他们面对经典作品进行新的思考，进而形成属于自己的审美观念和审美理想；另一方面会帮助观众真正接近作品，了解艺术家的创作意图，引导观众深入理解作品，并通过作品获得与创作者的隐性沟通与思想共鸣。在此过程中，观展者产生的自我认同与愉悦感能够拉近他们与艺术作品之间的距离，并引发他们再次回到美术馆的兴趣。

最后，建立美术馆与观众的现场互动。由于非艺术专业学生的思维方式和对艺术作品的鉴赏能力的差别，他们常常因完全无法吃透作品的意味而产生怀疑和抗拒心理，进而对这一类型的展览失去观赏兴趣和信心。而且，在面对一些具有较强叙事性和背景性的作品，例如西方古典主义时期的作品时，观众也会因为不了解作品的叙述题材而无法完成对作品的理解。大学美术馆可采取现场调查、讲解、作品阐释标签和留言的方式，了解学生对美术馆展览、活动的建议和需求，以完善馆内运营，并及时调整相应机制和活动安排，这个过程正是美术作品再创造的过程。

2.美术馆即美育课堂——大学美育课堂空间的扩展

首先，展览是课程的引入。在前面的调查问卷中显示，许多学生认为目前学校里的大学美育、美术俱乐部等课程授课方式单一，不能引起学习兴趣。事实上，如果用展览的方式连接美术馆与美育课程，那么同样的授课内容也许会因为形式的一点变化而变得鲜活起来。由于美育课程的任课教师一般都是大学文学、艺术学专业的教师，对本校美术馆有着较强的关注意识。在这个前提下，任课教师可以关注美术馆的展期设置，预先了解一定时间内即将展出的作品，然后以作品的类型、主题等要素为线索联系课程内容，将鉴赏展览作品作为课程的切入点，进而展开对艺术史某一时段或某种画科、流派乃至创作题材与形式美的讲解。这种建立在导赏基础上的授课方式，可以从直观的艺术作品入手，带领学生在美术馆的氛围中深入课程学习，并通过展厅中作品的实例讲解，使知识的传授变得生动起来。

其次，展览是课程的延伸。大学美育课程主要致力于传播艺术美，一般会选取历史上和现代具有代表性意义的作品来阐释美的多重意义。因为课堂的时间有限，课上不可能做到将整个艺术史作全面系统的梳理介绍，但会留下一个个敲门砖式的作品或人物，让学生依据自己的兴趣，在课程之外对某个艺术家、某段艺术史、某个流派和画种作更全面和深入的了解。因此，大学美术馆应与美育课程联姻，在规划展期时考虑与校内的大学美育类课程相配合，通过发掘自身馆藏，与国内外大学美术馆、公共美术馆、博物馆合作等方式开办课程协助展。美术馆遵循一定的学术逻辑，设定展览的主题、作品选择和组合原则、展出方式等，呈现最直观和真实的艺术史。在美术馆独特的气氛之中，学生徜徉在作品之间，脚步随着艺术史的历程延展，对课堂之上透过幻灯片观望过的作品会有更加真切和深刻的再认识；对课堂讲授过的作品，相关的画家、流派、画科也会有更加全面的了解。比如结合美育课程的内容，开办一次“中国工笔花鸟作品展”，美术馆通过各种渠道搜集中国美术史上具有代表性的工笔花鸟画作品，以时间为序排列展品，并辅以时代背景、画家简介、技法介绍、作品意义与鉴赏等知识标签，让学生在观展过程中领略中国工笔花鸟画作品美的同时，把握中国工笔画学科发展的脉络，充实课上学到的美术史知识。

最后，展览是课程的表达。以北京师范大学为例，除去艺术与传媒学院，校内其他学院的本科生须选修大学美育、美术俱乐部、影视俱乐部等美育类课程，这些课程是现阶段综合类大学实施美育教育的最主要途径。课堂教学内容除了美育知识讲授和文学艺术作品鉴赏之外，学生也有尝试创作的机会。就美术方面的情况看，虽然大多数学生没有受过专业训练，专业技法也不甚成熟，但由于其对生活和情感的认识和感受力强，也有一定的学习和表达能力，在教师的引导下大多不会为一般创作规律所约束，作品形态鲜活，手法新颖大胆，具有独到的特色和审美意趣。大学美术馆可以设立专题，研究大学美育类课程下学生的作品，并就一主题组织汇报展览，通过培养作品意识和荣誉感增强学生对于美育的兴趣，加深学生对于美术作品形象美、创造美等方面的认识和理解。对其他涉及文学、艺术、科学等学科门类的美育课程，教师也可根据学科特色和课堂教学情况，与美术馆合作，举办相应形式的汇报展和活动。

3.数字化美术馆的建设——大学美育的虚拟资源拓展

为更好地让学生共享大学美术馆的艺术品资源，大学可以探索丰富多样的展示方式以及互动交流渠道。数字化美术馆就是一种在新的历史形势下利用科学技术推介美术馆的有效手段。美术馆的数字化还给那些尚无条件建设美术馆的大学提供了一条积极的思路，使其能够在网络上将自己的艺术藏品公之于众，惠泽学生、研究工作者以及社会。早在2001年，教育部就专门实施了“现代远程教育网上公共资源建设——大学数字博物馆建设工程”项目，清华大学美术学院博物馆是当时唯一入选的美术类数字博物馆。利用人工智能、虚拟现实、多媒体、宽带网络和数据库等先进信息技术，开发基于计算机与网络环境的新型实用化辅助系统或手段，美术博物馆就能实现展厅数字化[3]。数字美术馆通过官方网站、虚拟展厅和资源论坛的建立，丰富美术馆建设，培养学生浏览艺术网站、获取更多文艺咨询与知识的习惯，拓宽学生接受美育的渠道。

建立美术馆的官方网站是外界了解美术馆的捷径，也是美术馆展示自我形象、集散学科资源、融汇交流建议的空间，是实体美术馆的无限延续。通过官方网站及时有效地传达美术馆的展览和活动信息，为学生自主选择展览提供更多的方便。美术馆的官方网站可以成为美育学科资料的汇聚集散地。艺术史相关的画论、文学艺术理论、自然科学知识、文学艺术作品评论文章以及画展开幕、艺术家访谈等的文献、视频、影音资料的收集，都可以成为学生学习的资料库，也是进一步展示和宣传美术馆的平台。另外，虚拟展厅作为实体展厅的延伸，以三维空间效果呈现展厅和展品的样貌，让观众不受时间和空间的限制，尽情地欣赏喜爱的作品，或者重温观展时的情感思趣。虚拟展厅的建设摆脱了传统意义上的美术馆所必需的建筑、陈列、参观时间等条件的限制，使任何人在任何时间、任何地点都能够获取所需藏品的信息。这种形式是美术馆的延伸，是藏品数量、展示空间限制之外的补充，使学生能够通过网络领略大学美术馆的全部风貌，并对所感兴趣的藏品作深入的探究。资源论坛也是不同专业师生交流互动的有利场所，美术馆可以发掘问题，激发讨论，也可以与学生交换意见，完善管理。总之，数字化美术馆是美术馆在时代特征下的新发展，是延续和拓展美术影响力、改善大学人文环境、提升学生的美育的又一手段。

综上所述，大学美术馆发挥美育功能应注重三点。首先，通过加大和拓展美术馆的宣传和建立互动机制的方式，增加大学美术馆在校园中的认知度，吸引更多的学生到美术馆参观，以填补美育课堂时间的不足；其次，通过建立展览与课程的链接，让美术馆的展览成为大学美育课堂的引入、延伸和表达，以赋予美育课堂教学生动的模式，让学生在实际展览中体验艺术之美的创造力和技术性，填补现有美育课程只有理论学习而无实践的缺憾；最后，通过官方网站、虚拟展厅的建立，使在校大学生能够通过网络领略大学美术馆的全部风貌，获得更多的美育学术资源。

本文系2010年“十一五教育科学规划”教育部青年专项课题“基于美术馆平台的艺术教育实践研究”（课题批准号：EAL100445）的成果之一。

参考文献：

[1]曹意强.美术博物馆学导论[M].杭州：中国美术学院出版社，2008：3.

[2]陈向兵，钟曦.资源整合：综合大学美术教育的变革之路[J].南昌高专学报，2007（4）.