艺术概论电影论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇艺术概论电影论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

[关键词]前沿视阈　影视概论

教材是一门学科经过了很长时间的教学和科研后所获成果的积淀和结晶，是被学界所认可的具有普及性的知识体系的建构，是教师在教授过程中的基本依据。但教材也有滞后性的不足，学界内的最前沿问题无法在教材中得到体现，这样既不利于教学过程中热点、焦点问题的引入，也不利于促发学生学习的积极性和增强他们的思考能力，从而无法加强学生基本的学术训练。因此，这就需要教师在教学过程要具有前沿视野，在教材教授过程中引入前沿问题，增加课堂的开放性和当下性。本文以影视概论教学为例，从影视概念和影视批评两个方面来分析前沿视野在教学过程的功能和意义。

一、影视概念：对象和媒介

对于影视的概念，现在的教材一般是这样界定的，“影视是包括电影、电视以及电视电影在内的影像艺术的表达对象，在以拷贝、磁带、存储器为载体，以银幕、屏幕放映为目的，而实现以视觉和听觉综合为观赏对象的艺术表达中，影视成为现代艺术的最新综合形态”。这个概念包括了对内容对象(what)和传播媒介(which channel)的界定，对象包括了人类第七艺术和第八艺术电视，以及电视电影，媒介主要是银幕、屏幕，而当下学术界对这个概念的质疑也是从这两个方面展开的。

在内容对象上，有论者主张把动漫看作人类的第九艺术，看作具有自己独特语言和表达方式的艺术门类，将其从电影这个第七艺术中剥离出来。这种观点为我们审视影视概念打开了另一扇窗口。加拿大动画大师麦克拉伦曾经说过，动画就像是上帝在创造世界，这句话深刻表达出了“动画”的本质含义和精髓所在。创造性的想象对动画而言是非常重要的，虚幻与夸张是动画最为普遍的表现手法和艺术特征。作为综合了文学、戏剧、音乐、舞蹈、美术、建筑、电影、电视等多种艺术门类的艺术，动画的艺术内蕴并非这些相关艺术门类特点的简单相加。事实上，动画艺术的审美诉求超出了这些艺术门类的相加之和，而成为一种新的艺术地、审美地把握世界和表达情感的独特方式，具有自己独特的语言体系和表达方式。同电影中的真人真物不一样，动画中的人、物带有极强的虚拟性，其所拍摄的对象是运用造型手段以及夸张、变形、象征、寓意等手法所建构出来的拟像、造像。这正是动画的特殊性所在，是动画语言系统的核心部分。动画并不过多地追求形象和动作的逼真，而是寻求表现空间的拓展和情感的新的表达。动画就是充分发挥人们的想象力将现实世界中的事物在虚拟的世界里重新赋予生命和意义。因此，一些“超常规的动作”设计也就成了动画的独特语言和表达方式。以动画《海绵宝宝》为例，我们可以更为具体理解动画独特的语言表达方式。在《罢工》中，章鱼哥带领海绵宝宝一起罢工，不愿意离开蟹堡王餐厅的海绵宝宝身体紧紧贴在了大门的玻璃上，章鱼哥拉开了他，但他的双手还停留在餐厅的大门上。章鱼哥再次拉开他，海绵宝宝的眼睛留在了玻璃上，深情地望着玻璃内的餐厅。章鱼哥第三次拉开海绵宝宝，海绵宝宝身体裂开，一颗心脏赫然跳动。动画用身体的肢解具象而层次地表现了海绵宝宝内心对餐厅的留恋之情。

在传播媒介上，当下学术界开始关注新媒体对传统影视概念带来的冲击。所谓“新媒体”，指的是“基于计算机技术的互联网、基于通信技术的手机、基于数字广播技术的数字广播和数字电视，以及跨媒体的网络电视”，新媒体的产生给影视的传播带来新途径，也改变了影视的传统内涵。影视内涵中的传播途径不再局限于银幕和屏幕，而是加入了更多的渠道。这其中最典型的例子就是2010年由中国电影集团和优酷网共同出品的11度青春系列电影，11位导演围绕“青春”这一主题，拍摄了11部短片，在优酷网上发行，为我国电影的策划、制作和发行提供了一种新模式。

通过引入当下学术界最新的对于传统影视概念的质疑，让学生意识到影视概念的稳定性和开放性，提升他们的问题意识和思考能力。

二、影视批评：奇观还是叙事

影视批评的一个很重要的功能，就是面对当下的电影产业和具体影片要具有自己的价值立场和阐释能力，要对今后的电影创作提供理论指导。教师在讲授批评理论和方法的同时，要联系当下最前沿的影视创作现象，调动学生的理论付诸实践的积极性，培养学生独立的价值观念。

当下人们处于视觉文化语境下，“目前居于统治地位的是视觉观念。声音和景象，尤其是后者，组织了美学，统率了观众。……当代文化正在变成一种视觉文化，而不是一种印刷文化”，当下电影正在经历从叙事电影到奇观电影的转变，这在好莱坞大片和中国第五代导演的作品中都有所体现，如《阿凡达》、《英雄》、《夜宴》、《十面埋伏》、《西风烈》等。

叙事电影强调叙事性(narration)在电影中的核心地位，注重电影作为时间艺术的特征。电影如何展示情节、塑造人物、编写对白成为叙事电影基本的要求。因此，电影的叙事蒙太奇如何按照时间顺序或者因果逻辑关系安排画面，就成了叙事电影最为关键的所在。好莱坞经典电影经常利用“三S法”来组织故事情节，推动影片的叙事，即在故事的开始设置悬念(suspense)，在故事的发展过程中不断地制造惊奇(surprise)，在或结尾处则要给观众以最后的满足(satisfaction)。

奇观电影注重的是对景观、景象(spectacle)的展现。奇观电影的产生和视觉文化语境有着密切的联系。从模仿、复制到虚拟，从膜拜、展现到模拟，从现实主义、现代主义到后现代主义，视觉文化在历史变迁和转型中逐渐与现实断裂，一切现实都被符号模拟的超现实所吞噬。如今控制社会生活的不再是现实原则，而是模拟原则。人们的生活被图像所包围，依靠对景象的观看来理解和阐释世界。奇观电影通过对动作、身体、速度、场景等各类景观的呈现来满足人们视觉，给匮乏和缺席的观众提供在场和满足的心理体验。

从叙事到奇观，蒙太奇组接和拼贴从理性原则转向了视觉的快乐原则，观众从过去的静观转向震惊，观众不再参与到影片的叙事中，享受叙事带来的愉悦和审美，而是接受影片所带来的视觉冲击。如何看待这种电影范式的转变，特别是如何看待电影范式的转变在中国文化语境中的接受问题，就成为

当下电影批评所面临的问题。奇观电影是建立在经济和文化相互消融的后现代文化基础上的，它重视片段的、无深度的景观，这和中国观众注重叙事性，关注电影中所蕴含的文化内涵和人文关怀的审美习惯与期待视野还有着心理的隔膜。我们并不否认奇观电影中美轮美奂的画面、雄浑绮丽的景观、紧张刺激的动作所带来的视觉价值，但电影的叙事性以及背后隐含的人文哲思恐怕还是中国电影应该追寻的东西。叙事为本，兼顾奇观，把视觉的和心灵的震撼结合起来，是我国电影发展的道路。

为了让学生更好地理解这些，老师可以通过11度青春系列电影、《阿凡达》、《英雄》、《夜宴》等具体电影文本的阐释来印证。作为一次成功新媒体语境下的电影营销，11度青春系列电影给人们展现了传播媒体(which channel)的重要性，但同时也给我们提供了一个电影表现内容(what)重要性的例证。11度青春系列电影包括了《拳击手的秘密》、《哎》、《夕花朝拾》、《东奔西游》、《泡芙小姐的金鱼缸》、《江湖再见》、《李雷和韩梅梅》、《阿泽的夏天》、《老男孩》、《L.I》等作品，但现在被观众所熟知和津津乐道的只有《老男孩》。这其中原因就在于《老男孩》有着很强的故事性和深刻的人文情怀，影片以青想的成长、挫折为主题，表现了理想和现实、灵与肉的错位，弥漫着淡淡的哀戚和浓浓的怀旧情绪，成为一代人集体理想的一次仪式化的展览。电影《阿凡达》在奥斯卡奖项的争夺中之所以输给《拆弹专家》，就在于绚烂、瑰丽的景观设计依然没有流畅的故事和浓郁的人文情怀更为震撼心灵。《夜宴》、《英雄》的故事毫无新意，只不过是对哈姆雷特复仇和荆轲刺秦故事的稍加修改，叙事蒙太奇的逻辑性和时间性的混乱使得电影叙事缺乏理性原则和理性结构。影片叙事设计既不是像链条那样环环相扣，也不是像小河中一块连一块的石头，观众可以顺藤摸瓜，或者像过河的人一样从一个石头跳到另一个石头来理解事件的连贯。影片事件的安排零散而断裂，观众记住的只是漫天黄叶中两个红衣女子的打斗，水平如镜的湖面上两个男子像蜻蜒一样的武功对决。

德国思想家本雅明在1936年的文章《讲故事的人》中慨叹道：“虽然这一称谓我们可能还熟悉，但活生生的、其声可闻其容可睹的讲故事的人无论如何是踪影难觅了。他早已成为某种离我们遥远――而且是越来越远的东西了。……讲故事这门艺术已是日薄西山。要碰到一个能很精彩地讲一则故事的人是难而又难了。”当时的本雅明敏锐地意识到了机械复制时代的到来对传统文化导致的大动荡，对讲故事传统的日渐衰落充满了惋惜之情和怀旧之感。正如本雅明所预测的那样，当下的文化正在经历从话语模式向图像模式的转变，电影也呈现出从叙事向景观的转型。但“故事”依然是电影重要的内核，讲一个好看精彩的故事依然是电影应具备的能力，合乎逻辑的情节，张弛有度的节奏，鲜明个性的人物，风趣哲理的对白，依然是电影的魅力所在。当下依旧是一个需要故事的时代，而且比以前更加需要。

三、结语

篇(2)

周冬雨：

“期待大学里的白马王子出现”

《山楂树之恋》中那个有着羞涩笑容的静秋―周冬雨，今年9月终于顺利进入了北京电影学院，成为2011届北电表演系本科生的一员。和同是北电学生的窦骁成功搭演对手戏的周冬雨，对大学新生活还是充满了期待和新鲜感，她和周刊独家分享了她考学中、入学前的生活和心境，回忆复习文化课的过程，她直叫苦：“不想再来第二次”，对于考上北电后的新生活，她也有一点恐惧。采写_本刊记者 刘倩

南都娱乐：现在回顾考北电的那段日子，你最大的感受是什么？

周冬雨：考专业课的过程还好啦，但复习文化课的生活我绝不想再要第二次……感觉复习专业课，和我喜欢的东西还接近一点，复习文化课的时候我就不太感兴趣。而且因为我出去拍戏嘛，文化课浪费得太多了，丢了太久了，光是拍《山楂树之恋》就浪费了一年的时间。

南都娱乐：通过出演《武林外传》的演员王莎莎也是未上大学先红，但她没有通过北电的专业试，你通过了，你觉得是什么原因？

周冬雨：呃，我怎么知道呢，哈哈。

南都娱乐：复习文化课的过程你是怎么突击的？

周冬雨：家人给我请了家教，但我真正复习的时间只有临近高考的两到三个月，那也是冲刺阶段，那时候复习最大的秘诀就是不能死记硬背，老师们也会给我整体地梳理，但在那么短的时间内我没可能把那么一箩筐的书背下去。我精力最旺盛的时间是下午，我会拿这个时间去复习。

南都娱乐：你高考复习阶段是封闭式管理吗？还是会顾及一些演艺活动?

周冬雨：到了最后的时刻是封闭式的，手机上交，交给爸妈，不能上网，不打电话，家人和公司就让我安安心心地去复习。我的经纪人蒲仑当然也知道我的一切动态，但她也不敢找我，只是和我的老师保持密切联系，关心我情绪如何啊等等。有她会不声不响地坐火车到石家庄来，就忽然之间出现在我面前。

南都娱乐：你的经纪人会帮你安排好所有事情是吗？

周冬雨：哈哈，基本上是吧，我一般都叫她姐，有时候还会叫她老娘。

南都娱乐：公布高考成绩的时候，有传言你考了离谱的分数，你怎么看待这种现象？

周冬雨：其实我不是第一时间知道这个谣言的，我考完了之后再也不去想任何一点关于我考试的事，就想清空脑子，然后就和爸妈去旅游了。蒲姐知道得比我早，但那时候她也不在国内，在巴黎。蒲姐告诉我后，我当然很不高兴很委屈，心想这是为什么呢？谁编的呢？编的这个人很勤快嘛，把每一科的分数都说得那么明确，最让我委屈的是有很多人相信这样的谣言，还根据154分作出各种评论，让我觉得很不可思议。我就觉得社会就是大人的社会，我就不明白大人为什么要这么针对我，难道这是一个成长的过程？

南都娱乐：知道自己成功考入北电的第一时间是什么心情？

周冬雨：五味杂陈，那天蒲姐告诉我说我过线了，因为蒲姐看到北电的张会军院长在接受北青报的采访时说今年表演系的划线分是265分，我的分数超过了20多分，蒲姐就觉得我肯定过了，最后我父母手机短信也收到了学校统一发短信告知被录取的通知，我就彻底放下心来了，很开心。

南都娱乐：北电就要开学了，对大学新生活有什么期待？

周冬雨：我希望能在军训中活过去，哈哈，感觉军训时间好长啊，要两个礼拜，9月5日就开始军训了，我好怕被晒黑。

南都娱乐：在入学前，你已经很有知名度了，会刻意调整自己入学的心态吗？

周冬雨：会，我会好好让自己早上早起，这对我来说不是一件容易事，尤其是我听说6点要出晨功，这对我是一个极大的挑战。

南都娱乐：期待在大学里交到好朋友吗？怕不怕你的先红，让大家和你产生距离感？

周冬雨：会希望交到好朋友，我相信只要好好相处，只要我怀着友好的心，很真诚对待大家，不把自己当成特殊的人，就像和我的高中同学相处一样去交往。

南都娱乐：家人和公司有没有给你制定一些大学的计划？

周冬雨：不会，就希望我安下心来好好学习，公司方面说他们首先是服从学校啦，说我现在是正规大学生了，不能以公司为最重要了，如果学校规定大一不能出来拍戏，他们就不会强求我去拍戏，尽量利用寒暑假时间拍戏。

南都娱乐：希望自己成为哪个师姐 ？赵薇？

周冬雨：为什么你们都问这个问题呢？哈，我觉得每个人都自己的特点，我要好好学习。

南都娱乐：有没有想过在大学里会遇到一个“老三”？

周冬雨：随缘随缘，看情况，我当然是希望有白马王子出现，但是不好说，公司也说了，不会限制我在大学里谈恋爱。

明星亲身解说艺校造星

“进了学校，老师不会当你是什么星”

周冬雨的入学让外界对制造明星的大学增添探秘之欲，毕业、成名的演员们的讲述，更让所有对演艺事业怀抱梦想的人觉得理想并非遥不可及。其实在很多人的记忆中，都有周星驰在电影《喜剧之王》中扮演的那个跑龙套的尹天仇的身影，他的最大梦想“做一个演员，带走一份便当”可以视为表演狂热者的心声，剧中那句“其实，我是一个演员”，让人爆笑，也让人隐隐感到小人物命运的悲凉。至今，距离北京电影学院不到1000米的北京电影制片厂门口，仍聚集许多席地而坐的群众演员，他们的扮相与北电校园的青春身影相比，有着不和谐的老土，非科班出身的他们做着“另一个王宝强”的美梦，只是，王宝强是“千年等一回”，如今“我要成名”的途径，最中规中矩的方法无非考入科班艺术院校，昔日香港有无线训练班，内地有四大名校，也称“四大染缸”―北京电影学院、中央戏剧学院、上海戏剧学院、艺术学院，以下简称：北电、中戏、上戏、军艺。

艺考不让化妆、考形体穿紧身衣

每年春节前后，各大艺术院校门前都会被各式各样的汽车围得水泄不通，不是举行会，不是某明星来访，而是一年一度的艺术高考专业试。表演系、导演系、摄影系、文学系，无一例外都需要经过专业试考核，最受人瞩目的当然是表演系招生，声、台、形、表的考核分为三到四试，每次几乎都会刷掉一半人。当然，表演系考生也千奇百怪，有打扮时髦的艳女，也有扎马尾辫或清汤挂面的清纯范儿，通常能顺利榜上有名的都是后者。不让化妆、形体考试时要穿紧身衣，这些都是必须遵守的考试规范。

在北电，表演系考场会架着一台摄像机，一方面考察考生是否对镜头胆怯及是否有上镜感，另一方面也用镜头验证考场是否公正公平；军艺则会在阶梯教室舞台上打满灯光，考察考生在舞台及灯光下的表现力。

朗诵、命题表演、面试，都是表演系专业考试必不可少的项目，经过至少三试的重重筛选，考生们才会拿到艺考合格证。此后还需参加文化课考试，也就是普通高考，这个分数很好达到，只要300分左右。

当然，运气当然也很重要，校园里处处闪着慧眼。比如赵薇考试那一年，大大咧咧的个性让她弄丢了准考证险些错过考试，但正因为她在弄丢准考证这一情境中的用情和投入，被她的恩师崔新琴看在眼里，深刻记住了她并给了她机会。即使后来她在考试中暴露出来的“说话不张嘴的台词问题”，也没有影响她通过专业试。

赵薇同班同学陈坤运气更好，本来是陪同事参加表演系考试，同事名落孙山，自己随便试试却被录取了。最终，陈坤以专业课男生第一名被录取，同班女生专业课第一名就是赵薇。

1.考表演系普通话要很标准吗？

未必，考官注重的是对表演的感受力

龚蓓（中戏表演系94级 代表作《将爱情进行到底》）：“我是闽南人，艺考时台词对我来说是个问题，朗诵时我讨巧地用了表情和身体语言弥补了口语的不足。我选了‘猴吃西瓜’这种朗诵题材，模仿猴子叫声来获得注意，老师会把焦点放在我的感觉上，唱歌我也没练过，就在那唱，不知是谁给我提了个建议，让我唱民歌，我就唱了一首闽南童谣叫《天黑黑》，在场的其他考生听完了都鼓掌。我们音乐老师说我的嗓子是大白嗓，但就觉得我感觉好，就我找对了表现方向。如果说要给考艺校的人建议，就是要把身上的优点发挥出来，让缺点不要吸引人注意，考官注重的是对表演的感受力。”

2.是不是只有俊男靓女才能去考表演系？

也有例外，在中戏帅哥并不吃香。

李宗翰（中戏表演系97级 代表作新《水浒传》）：“中戏十分重视各式各样不同风格的演员，帅哥并不吃香。我考中戏是因为小陶虹，当时我认为跳舞已跳不出巅峰状态，就去参加一些广告、电视拍摄。有一部叫《香港的故事》的电影来找我，女主角是李媛媛，而我演男主角年轻时候，陶虹演女主角年轻时候，陶虹就问我为什么不去考学。我觉得我在广州挺好，有房有车，干吗要去北京？陶虹说你要想在这行干下去，必须去北京学习。后来我就来考试了。我考进去名次也不是特别高，大概五六名。”

开学从军训就开始练演戏

龚蓓说中戏之所以选她，是看中她是一张白纸，可以随便画。真正公平的艺考就像寻宝，考官们用火眼金睛发现璞玉，随后用四年时间雕琢打磨。据北电学生小A回忆，表演系同学进校第一堂表演课其实是从军训开始的。艺术院校的军训并不比综合大学容易，甚至更严，“艺校军训要算学分，算是体验生活的一种，很多表演系的同学娇生惯养惯了，又是细皮，哪经得起在烈日下暴晒啊，于是在站军姿的时候，表演系就会上演轰动一幕，陆陆续续有人扮演晕倒，晕得还真像，既没摔伤自己，又能让教官信以为真。”

中戏表演系学生小B透露，“我们第一次发挥身体条件的优势就是从军训开始的，表演系阵队比别的阵队的休息时间要多，因为每次休息我们都会给教官表演舞蹈，拉丁舞啦芭蕾舞啦，逗教官开心，教官特别喜欢看，所以老让我们休息。我们当时私下聊天老说，军训确实能让人学会表演啊。”

1. 开学之后都会从零开始学表演吗？

是的，至少老师不会认为你是什么星。

杨幂（北电表演系2005级 代表作《宫》）：“我在考上电影学院之前就已经在拍戏了，但进了大学依然对我冲击很大，最受用的是台词课，台词课老师对我帮助也最大，因为台词是最考专业水平的嘛。一开始学的时候，我的台词真的不过关，老师说我有南城音，说我说台词没力气，就很认真地训练我。虽然我进北电前就已经在拍戏了，但这是在大学前我完全没有受过的训练，真的受益匪浅。”

2. 表演系生活是不是和玩没什么差别？

可以选择玩，也可以选择勤奋。

薛佳凝（上戏表演系95级 代表作《粉红女郎》）：“上戏还是很严谨的，我们当时每个月都要交读书笔记，每个月要看五本书，晚上我们表演教室都有人的，同学们都自己在排练，有时候占不到位置就只能在草地上排练。但有一点必须承认，我们的大学生活是开放式的，很Open，不是属于很规范的那种死板，这种生活很好，让人思路开阔。”

3. 进入表演系等于半只脚踏进娱乐圈吗？

至少在军艺，不是。

王（军艺表演系2003级 代表作《钢的琴》）：“我们周一周三早晨要穿军装、胶鞋，扎腰带，要进行晨训的，比如齐步正步走。每星期周五周六周日晚上都要晚点名，而且经常会半夜突发性检查宿舍，睡眼迷蒙就要喊到。但也没有残酷的训练，和正规部队比起来，还是轻松很多。军艺最特别的一点是有严格的规章制度‘不可以谈恋爱’，私底下不被发现可以谈，有的学生谈恋爱了会被叫去谈话。”

修学分花钱找文学系论文

修满学分对表演系同学来说并不那么轻而易举，专业课和选修课、社会实践，以及毕业论文和毕业大戏五部分构成了总的学分，很多表演系的同学在大二开始外出接戏，难免落掉功课，选修课出勤率也不高，更别说听选修课的专心程度了。北电05级文学系小C爆料：“那次在崔卫平老师的《艺术概论》选修课上，现在演穿越剧很红的女星就坐在我后面，她在校园里算小有名气了，都说她是北电校花嘛，大家也都认识，我观察她，她也不听课，就在那玩手机，果然，第一节下课后她就溜走了，第二节课就没再看到她的身影。”

同是北电文学系的小Q帮好几个表演系同学写过论文：“他们根本就不会写嘛，也没有时间写，就成群结队地找我们帮他们，他们愿意出1000到2000元的价钱作为我们的劳务费，或者是一瓶名牌香水。”

据早前资料，章子怡在中戏的毕业论文是《演员必须学会想象》，同班好友胡静也曾爆料，章子怡刚进大学就说过“我一定要找张艺谋拍一部电影”的话，当时班里同学都觉得章子怡会红，但想到她能红成如今这样的人并不多。看来，演员的想象力真的很重要，敢说敢想，才能成真。

表演系是不会写论文呢还是不屑写论文呢？

那要看你信前者还是信后者了。

杨幂：“毕业是要完成毕业大戏和论文及答辩的。毕业大戏中我演的是一个男孩，戏份不算多，因为当时我还在拍戏，所以老师为我挑了一个戏份少的角色，写论文时期我也是在拍戏，时间很紧张，但我也没找人，白天拍戏晚上写论文，就那样写出来的，乐在其中，我对自己的论文很重视，不可能找人帮忙或，都是自己写的。后来老师拿到论文都很惊讶，说你不是在拍戏么？怎么有时间？我特别自豪，写了1万多字呢，答辩也很顺利。”

李宗翰：“毕业还要写毕业论文，头疼啊，憋了两个星期才写出来，大概1万字以上。也有请文学系的同学帮忙，探讨一下开头应该怎么写，万事开头难。我现在特别想找到他。”

冯绍峰（上戏表演系1997级 代表作《宫》)：“上学期间，经常有导演系的来找我拍片段。很多，其实我在学校演的一些戏还挺火的，都是特别有个性的角色，比如张国立《顽主》中的角色，还有《雷雨》里的周萍，还有一些国外经典电影的片段等。我的毕业大戏是演《聊斋》里一个角色，人妖恋，角色有点像宁采臣。至于毕业论文，还真写得一点不头疼，很轻松，分数挺高的，就是把平时整理的笔记，加上老师教的和自己的想法按照体系写在一起。英语，我们艺术生过的是二级，我刚上大学那会儿就过了。”

毕业靠人际关系找戏拍签公司

并不是所有的班级，都能像赵薇、陈坤那个班（北电表演系96级）创造历史性辉煌。通常表演系一个本科班是30人，每班能出四个明星已经算多。中戏、上戏、军艺都规定大二结束后学生才能接戏，考上中戏的梅婷就是因为接戏和学校产生冲突最后被退了学。北电倒没这么严格，有个别明星大一接戏也无妨。总体来说，大三才是表演系同学发挥自己人际关系和社会关系的最佳时机。

大学期间接的戏多，自然毕业之后顺理成章会被影视公司签约，常常会有剧组到学校挑演员，被相中的学生无疑是幸运的，这是接戏途径之一。影视圈朋友之间相互介绍也是一种途径，怎么建立这些朋友资源？那只能是八仙过海各显神通了。

1. 想接戏，要主动出击还是守株待兔？

要看能力大小以及运气如何。

龚蓓：“说来我还蛮幸运的，一年级我去香港玩，我们老家有个朋友是搞影视的，给我介绍一个女经纪人，这个女经纪人一见我就很喜欢我，说和我谈签约，那时候我觉得很恐怖，好像签约就是卖身了，她一直等我等到我二年级，我就和她签了，然后出去接戏，就有人给我安排了。学校不干涉我们，我们出去拍戏片酬的一部分会给学校，所以学校也鼓励我们出去拍。”

2. 大二结束前先接了戏，学校还能不让拍吗？

不放人还是不放人。

李宗翰：“中戏管得很严的，有戏要拍没法请假，比如我暑假期间拍了现在《重案六组》的前身《警探风云》，刚刚拍了十集就不让拍了，最后只好硬生生把我演的那个人变成另外一个，根本请不出来假。但大二结束的时候开始有戏找我，就可以拍了，那是老舍的故事《离婚》，演的是里面唯一一个纨绔子弟，也是小陶虹带我去的，都是好演员，有葛优、陶虹、孙淳等。演完戏特别高兴，学到不少东西。我也看到以后走这条路的希望，而且下半年的学费也出来了，不用再找家里要钱了。”

3. 想拍戏如何向学校请假？

找片方出面最好。

杨幂：“我在考上电影学院之前就已经在拍戏了，进入电影学院后也一直没断过，只不过为了兼顾学业，我接的戏并没有很多。其实在电影学院接戏的机会很多，也有很多同学外出拍戏需要请假，但我不会自己去请，都是让公司工作人员去请，直接面对老师还是会很不好意思。”

江一燕（北电表演系2000级 代表作《南京！南京！》）：“我的第一部电影是大学一年级拍的。当时就是被导演选中，之后的事就是剧组与学校沟通的。”

苗圃（北电表演系98级 代表作《走西口》）：“请假其实就是死缠烂打去耍赖，其实现在想想还是不对的，大学时光真的珍贵无比，过去了就永远都回不去了。要是现在能重来一次，我更希望有更多时间呆在学校，好好享受校园时光。”

黄圣依（北电表演系2001级 代表作《功夫》）：“我大一就开始拍广告了，后来遇到‘非典’，所以拍戏请假方面还真没遇到什么难关。到了大三大四我们学校本来就是以实践课为主。”

4. 毕业后是签经纪公司好还是进国企好？

篇(3)

关键词：计算机虚拟技术，动画发展，虚拟关系

 

动画自诞生之日起，从纸面时代走向如今的无纸时代，经历了两次巨大的变革，一是赛璐珞片的应用，另一次则为计算机图形技术在动画领域的广泛应用，计算机的介入使得动画在制作环节节省了大量的人力与物力，将动画专业人员从繁重的绘制工作中解放出来，随着计算机技术的不断深入，三维虚拟技术更是为动画注入了新的活力，上个世纪九十年代世界第一部全三维动画电影《玩具总动员》问世，其后的十余年三维动画得到了迅猛的发展，涌现了诸如《冰河世纪》、《马达加斯加》、《飞屋历险记》、《机器人瓦利》、《海底总动员》等优秀的动画影片。

1.计算机虚拟技术发展

计算机技术在动画方面的运用可谓是由来已久，自从上个世纪六十年代计算机图形学的兴起，动画便悄然伴随着计算机图形学的发展而发生着日新月异的变化。动画目前的主流形式分为二维动画和三维动画，二维动画以平面绘画为基础，三维动画则将雕塑艺术融入其中，此二者由于所依托的基础不同所以在制作层面上也有着迥然不同的方法。

首先，计算机的发展将二维动画带入了一个无纸化时代，传统动画使用赛璐珞片绘制动画的方式已经逐渐被计算机绘图所替代，如:photoshop、painter、coreldraw等核心绘图软件提供了动画专业技术人员众多绘制平台，数字笔的推陈出新更为他们提供了良好的绘图工具，高效的感应度，灵敏的压感效果，无疑为动画的发展打开了一扇快捷之门。此外flash软件作为方便而使用的动画制作工具，在目前的二维动画领域被广泛使用，其方便快捷文件体积小等诸多特征都是其得以业界认同的主要方面。当然最新版本的flash cs 4还仿效三维软件提供了骨骼绑定和摄影机功能，足见二维动画的三维化势必要成为另一个发展趋势。

其次，谈及三维动画的发展不得不提及《玩具总动员》，这部影片是世界上第一部真正意义上的全计算机虚拟合成的三维动画片。实际上动画片的三维时代早在计算机应用于动画之前便已存在，传统的偶动画在笔者看来就是三维动画的一种表现，只不过如今的人们，无论是动画业界还是普通观众提及三维动画首先想到的就是计算机虚拟三维合成动画而忘记了三维的实体形式。目前在制作计算机三维动画使用做多的当属3DMax和Maya软件，计算机三维动画的制作与计算机二维动画有着很大的不同之处，三维动画在制作环节具体包含以下几个流程：三维建模（根据二维设定稿建造三维模型）、骨骼绑定（主要针对三维角色）、贴图绘制（使用绘图软件绘制模型表面）、贴图缝合（将贴图贴合于模型）、动作（根据运动规律调整角色动作与镜头运动关系）。在三维动画制作的动作环节，目前最新一项技术就是动态捕捉，将此项技术用到极致的一部电影当属《阿凡达》，詹姆斯.卡梅隆不光使用更多的捕捉点进行了身体动作的动态捕捉，而且特地在面部增加一台摄影机对面部表情进行细节捕捉，这一做法无疑为三维虚拟人物增添了真实度。论文参考。

然而也正是由于《阿凡达》中所创造的世外桃源般的虚拟星球潘多拉过于真实，甚至到达了真假难辨的境地，拖着长长尾巴的纳美人看起来除了外观上与你我无异，所以很多人都在质疑《阿凡达》这部影片究竟该不该属于动画的范畴，计算机虚拟技术的发展是对动画的发展还是迷失，在新的技术冲击下动画路在何方？

2.何谓动画

什么才是动画，这似乎不应该再成为问题，但是计算机技术对于动画制作技术的革新却一而再再而三地挑衅着何谓动画的命题，《大美百科全书》中的解释是这样的：动画艺术又称为动画电影，系利用单格画面拍摄法，经由画家特殊的技巧表现而摄制完成的影片，其内容包括：卡通动画、剪纸动画、木偶动画及特殊的合成影片。Wikipedia（维奇百科）则这样论述道: Animation is therapid display of a sequence of images of 2D or 3D artwork or model positions inorder to create an illusion of movement. It is an optical illusion of motiondue to the phenomenon of persistence of vision, and can be created anddemonstrated in a number of ways. The most common method of presentinganimation is as a motion picture or video program, although several other formsof presenting animation also exist.(动画是一系列二维图画或三维作品或模型的快速播放，目的在于创造运动的幻象。他是基于视觉暂留的运动视觉幻象，并且可以通过多种形式产生、呈现。动画呈现的最主要途径是作为运动的画面或者视频节目，当然很多其他形式的呈现方式也同样存在)。论文参考。在笔者看来，无论是从基于传统视觉暂留原理给出的定义，还是从创造运动幻想的角度进行解读，动画始终都是对于无生命的一种生命的创造，途径与手段各有不同，但依旧殊途同归。

以美国著名电影导演詹姆斯.卡梅隆的震撼巨制《阿凡达》为例，这部科幻大片在众多人眼中只不过是普通的电影，技术上采用大量计算机模拟特效，在笔者看来则不然，《阿凡达》不仅仅为世人创造了一个世外桃源般的潘多拉星球，同时也全面揭开了动画创作的新纪元。该片中大量采用了计算机动态捕捉与三维模拟技术，将一系列的不可能、不存在转化为现实以无比绚烂夺目的画面呈现于观者面前，将我们带入一个全权由导演设计的环境空间，体会着现实中早已消失的纯净。动画也正是在此刻真正意义上实现了一种对生命的创造，甚至是他的更高级——生命体系的构建。

3.动画的发展趋势

动画技术的发展不断推动着动画历程的发展，每一次动画技术的革新带来的都是动画效率的大幅提高，赛璐珞片的发明使得单幅场景最大限度上得到了运用，更是将分层概念引入动画制作当中，通过分层技术创造出丰富的镜头与景深影像，在早期动画电影《小鹿斑比》中这点尤为突出。论文参考。

计算机图形学的兴起，对于动画来说是一件革命性的事件，他让众多动画专业制作人员从繁重而枯燥的绘制工作中摆脱出来，为动画领域带来了一翻百家争鸣的景象。商业动画电影越来越多的依赖于计算机图形的处理，以绚烂夺目的视觉盛宴饕餮着观者的眼球，艺术动画侧重于动画画面的绘画艺术感与造型感，独立动画则追寻着人类思想与情感的脚步前行，当然这一切并非绝对，彼此的融合与渗透有时也会带来与众不同的化学反应。

以《阿凡达》为例，詹姆斯.卡梅隆大量运用了计算机三维虚拟技术为观者创造了一场视觉的盛宴，然而之所以该片会让全球范围内如此多的人趋之若鹜并非只有绚烂的视觉体验，从《阿凡达》故事发展的角度看,其脉络围绕着人类生存，关注人类发展与环境保护之间的博弈，试图用最简单的方式获得最广泛的共鸣，摆脱说教的成分，给每位观者直接的心灵感应。

动画发展到今日，计算机的介入日益深入，笔者认为动画的界定不应仅仅局限于技术层面，更应当是对虚拟世界的直观展示，赋予生命的过程，这一过程或许受到技术的影响存在差异，但结果都一样——非生命的生命化，灵魂在此过程中被一一赋予，然而对于类似《阿凡达》的商业电影，计算机虚拟技术所带来的视觉饕餮是无以替代的，在未来相当长的一段时期，占据动画电影市场的大半江山，这一点在近年来的动画电影上得到体现，如：《飞屋历险记》、《冰河世纪》等动画商业大片，相信基于计算机虚拟技术的动画巨制将持续引领动画主流趋势。

参考文献：

[1]聂欣如著.动画概论.复旦大学出版社,2008,1.

[2]《The Animation Bible》 By Maureen Furniss Published by John Libbey Publishing,2008.

[3]《Animation from Pencilto Pixel》 By Tony White.

[4]《Scriptwriting》By Paul Wells Published by AVA Publishing SA ,2007.

篇(4)

【论文摘要】美国是一个由移民组成的新国家，没有长期的发展历史，却形成了自己特有的美国式文化体系、特征鲜明，主要包括文化的包容性、幽默性、实用主义、个人英雄主义等。文章从动画电影的独特视角分析了隐藏于其背后的文化特征，运用了比较分析的方式．结合我国动画电影的发展现状 ．进一步阐明了美国文化的核心．借以指导我们反思我国文化传统的优劣，更好地为我国的文化建设服务。

美国是个由移民和他们的后裔，加上本土印第安人建设并发展起来的新国家，没有长期的发展历史，同时又没有所谓单一的民族传统 ，但是具有资本主义世界各国当中最快的经济发展速度，是目前世界上独一无二的超级经济强国，拥有巨大的国内市场，它的经济实力又使它具有相当巨大的国际市场占有率。因此，形成了美国文化与欧洲其他国家发展所不同的特点，有着自己特有的美国式文化体系。美国文化具有多种特征，包括幽默性 、包容性 、实用性 、个人英雄主义等等。这些特征可以从火热的美国动画电影中窥见～斑。美国动画电影是世界电影当中的一个非常具有影响力、但是又非常独特的组成部分，正越来越强地影响着全球文化的发展。研究美国文化特性有利于指导我们更好地发展我国的文化建设。

一、 美国文化的包容性

美国作为一个移民国家，其文化的重要特征之一便是包容性、多元化、开放性。从欧洲 、非洲、亚洲、拉丁美洲来的大批移民，带着各自梦想来到美国这个梦幻般的国度，他们把本土的传统思想。宗教习俗、习惯等文化带到美国，成为美国多元化发展的基础。任何国家的文化在美国这里都能够找到影子，正是因为美国没有自己的传统文化，才能融合各国的文化，从而创造出了让世人瞩目的“新文化”。

同时美国文化随着时展，其文化的包容性 不断地被显示出来。一方面美国具有比较开明的思想和生活方式 ，另一方面有能够包容不同国家的文化与习俗。如在影视娱乐业方面，美国动画电影已垄断了世界动画影视业的大半天下，他们的题材来 自世界各国。如动画电影 《埃及王子 》是来 自埃及文化，《小美人鱼》取材于丹麦童话，《花木兰》 《功夫熊猫 》取材于中国等。这些影片无不大获成功。究其原因，其高明之处就在于他们对这些国家以及文化内涵的处理上。美国是一个生机勃勃、富有创新精神的国家。以《功夫熊猫 》为例，影片中处处展现着中国元素，“中国乐曲”“中国功夫”“国宝熊猫”，中国特色的食物如饺子、包子、馒头和阿宝家传的“秘制汤面”等无一不体现着华夏风味，能将中国元素及中国文化这样潜移默化地具体地应用于影片中，把这样传统的中国文化和中国武术直观、幽默地展示给世界，捷足先登，做到了中国的艺术家们想做而未能做到的事情。这种包容、开放的精神实在是令人佩服。但另一面又显现出美国文化的侵略性的一面 ，美国正是通过对其他国家和民族的文化资源进行“美国化”，贴上美国的标签之后，再重新推广到世界各地，并为其刨造出巨额利润。不过，我们更应该反思的是中国电影文化业的现状，过于狭窄，缺乏敏锐的洞察力、创造力、想象力，在本质上缺乏对本国文化的深层次理解。从迪斯尼拍摄《花木兰》到派拉蒙拍摄《功夫熊猫》，10年过去了，我们不能只是“愤怒”地抵制，捶胸顿足，我们更期待中国电影艺术的崛起。

二、美国文化的幽默性

幽默、自由特色是美国文化的另一重要特征，这是 由美国人的活泼、天真 、好动 、非权威化的性格所决定的。 比如动画片 《猫和老鼠》就酣畅淋漓地表现了美国文化的幽默感 。在人们心目中过街喊打的老鼠，是一个恶心反胃的动物，在影片中却几乎成为人们同情怜悯的对象，没有一点令人讨厌的感觉 ，只有无尽的幽默。影片中可爱的小老鼠在老猫的残暴下游刃有余地被变成各种形状； Jerry把T0m提着脚摔来摔去的场景描写；Tom把Jerry舞台的一块锯掉，掉到底下的竟然是周围的舞台时等，深深被这种美国式的夸张幽默所折服；美国式的幽默在《汽车总动员》这部片子里也表现得淋漓尽致：比如Guido和Luigi在赛道上仅仅用一瞬间就帮马奎恩换好了四个轮胎，让先前还嘲笑他们的小鸡团队的人吃惊地把自己的挡泥板都掉下来了。该片在细节方面有很多幽默性的表现，非常独到，耐人寻味。

除了动画电影，美国广告设计 的幽默也是世界闻名的 ，他们天性乐观 ，这种性格 自然从各种设计上表现出来，成为他们设计的一个特征 。美国人常常说 ：如果都可以达到功能 目的，为什么要那么严肃?这种民族心态 ，是他们设计风格形成的一个重要基础。而我国动画电影则相对严肃的多，无论早期 《骄傲的将军》《小蝌蚪找妈妈》《三个和尚》，还是后来的《宝莲灯》，无不体现强烈的“寓教于乐”的精神，处处透着中国文化的严肃感，说教色彩太浓，可看性不强 ，很少有令人过 目难忘的人物 ，最终人们脑海里记住的也只有原来的神话及故事，而非各种鲜活的人物形象。而美国动画电影中的猫和老鼠、史努比及 《小鸡快跑》中的小鸡等等众多的幽默形象，经久不衰地赢得了世界各国观众，受到不同年龄层次读者的喜爱，引起广大读者的共鸣，并成为美国通俗文化的一部分，创造动画史上少有的奇迹。

三、美国文化的实用主义

实用主义一词最早是从希腊文可而来的，含有行动的意思 美国实用主义哲学的产生深受欧洲大陆文化影响，黑格尔、笛卡儿等思想对美国实用主义哲学有深刻影响，实用主义存美国社会发展的不同时期中，它的表现和作用是不同的作为民族精神，在第一时期主要体现为敢于冒险和开拓，重行动、重实效。第二时期主要体现讲求效益．注重实用。第三时期主要体现为对各种矛盾和利益冲突寻求妥协协调及解决、法，实用主义在美国仍然存在并发展。今天，在 美国人眼里仍然是有用就是真理，成功豪虻是真理实用主义极大地影响了美国人的思想和行动，它造就了美气质，时影响了整个世界。

此他们的动画业也反映了本民族的这一性格特点：只要能多赚钱，无论何种题材的动画片他们都做一各种动画角色的颠覆他们部勇于尝试并乐在其中。而中国人则讲究责任和良心，此不会随意篡改老祖宗留下的精神食粮?所以中围传统动画片总也不能跳开条条框框的束缚。在保守思想以及中国传统观念的影响下，中闰动画人不可能去颠覆神圣的原著中的角色和题材。而美国则不然，如动画片《梁山伯与祝英台》人物的服装造型儿乎包揽了各个朝代的特点．色彩样式典雅和绚丽，但依照故事发生的区域背景和人文色彩来分析．角色的服饰没汁缺乏我国吴越文化的鲜明特色，片中渚多角色设计缺乏原刨性，止观众感觉梁山伯与祝英台等角色不是中阚的，而是美国人在好莱坞和迪斯尼里炮制出来的、他们脑袋里的形象。从文化的角度看．作品显得有些粗糙、肤浅，用美国的实用主义和商业主义的影视观来诠释东方传统爱情故事，除“莫名其妙地娱乐”外别无其他，但这正是美国实用主义文化的体现 ，讲求效益，注重实用一美国实用主义的另一表现就是文化的产业化．文化产业已成为美国最富于活力的产业之～一文化产业兴盛的背后 ，是美国动画产业的生机勃勃 ．

典型特征是从文化产品到文化产业的市场营销．将文化直接转化为现实的票房收入以及主题商品：玩具 、音乐唱片 、主题乐园等一系列文化产业链。如沃尔特 ·迪斯尼在一群志 道合伙伴的参与下，成立了一家专业的动画制作公司，从 “创意内容”出发，逐步扩大到 “产业基地”．用现代工业化流水线生产的方式 ，大批量地制作动画片并把它们销往世界各地； 时．又为米老鼠、唐老鸭等卡通形象中清了专利 ．在法律的保护下进行特许经营开发。到一g2o世纪4f1年代后期．迪斯尼公司又与丹麦的艾 蒙公司合作．于1948年9出版了 《米老鼠》杂志，后又建立迪斯尼乐同等 ，从纯粹的文化产品到利润惊人的文化产业，实现了美国入的实用主义的梦想 、而我国的动画人由于受中围传统文化影响至深，停留在对动画艺术用情专一的阶段 。 对动画事业片面的执著追求．不利于在新世纪建立文化的中国、文化产业的中国和文化发达的中国的文化产业的 目标 ．这值得我们从业人员反思。

四、美国文化的个人英雄主义

在美国动画轻松愉快的内容背后都隐藏着美国民族的英雄主义及个人主义，并且在他们看来，这种英雄不仅仅是美国本土的英雄，更是全世界全人类的英雄，他担负着保卫全人类拯救全人类的思想观念。这与美国今日在全球所自封的 “国际警察”形象是不谋而合的。

其实 ，个人主义思想并非是今天的新面孔，它最早萌芽于l4世纪意大利文化复兴运动 ．后来经过18世纪法国启蒙运动 论证与传播，在美国结出果实。加利福尼亚大学社 会学家罗伯特认为 “个人主义是美国文化的真正核心。”个人主义的产生有其深刻的历史背景。一方面美国在思想 上继承了欧洲移民带来的思想，特别是希腊的重商主义文化及希腊的政治管理体制 ．希腊当时建立的文明对美国社会有积极影响 ；另一方面个人主义产生有着较早的历史背景 ．并付诸于实践且在实践中完善与发展。美国人早期的移民其团体是由私人或公司组织临时凑合而成 ．这里没有血缘纽带．也没有政府干预．除了上帝 “天国”的抽象观念和到新边疆发财外 ，没有共同别的理想 毋庸置疑，每 个人都要做自己的英雄，为了集体利益放弃或牺牲个人利 益 ．对于那些开拓新大陆的移民来i兑是不可言喻的。于是 出现了崇尚个人主义现场，同时也衍生出了个人英雄主 义。《花木兰》就是一典型角色，在片中中国 “花木兰”的忠孝理念被西方 “个人英雄主义”的完美表演彻底替代。在全球循环放映，不仅为人家赚到了3亿美元，而且让 “个人英雄主义”流行全球、渐成时尚。再如动画片《汽车总动员》中的个人英雄主义，即每个人要表现自己且尽自己所能展现自己另外，《沙漠骑兵》等也是迪斯尼奉献的典型的美国个人英雄主义大片，其中不难发现美国文化的个人英雄主义观。

五 、结语

美国是一个年轻的国家．她虽没有悠久的历史，但 有着自己独特的文化体系．并且随着时展美国文化越 来越显示出其生命力，研究美国文化特性对于我国建没与繁荣我国文化具有一定的借鉴性。比尔·盖茨有句名言：“在凶特网时代，准买下了文化 ，准就控制了时代。”诸如 “花木兰”式的中国传奇故事被跨国公司西方化和全球 化的过程 ，也是美国文化为实现 自身利益而改造其他文 化 、蚕食其他文化、主导世界文化，并据为己有、创造巨额利润的过程。临渊羡鱼，不如退而结网．美国式电影文化的发展已为我们指明了一条发展的道路：我们期待贴有 中国标签的中国文化早 日走下文化圣坛 ，走入民众 日常生 活、走向世界每个角落。

[参考文献]

[1]李怀亮，刘悦笛当代美国文化产业研究[M]．广州：广东人民出版社 2OO5．

[2]梁捷，赵达．王逸吟．“《功夫熊猫}热”引发的文化思考光明 日报，2008-07-31(5)

篇(5)

在互联网时代，年轻观众逐步成为影视艺术的主要受众，受众的年轻化和高素质化对于影视艺术的从业者而言也有了极高的要求。影视艺术创作对于技术性的要求越来越低，普通观众也可以凭借自己手中的家用DV创作出优秀的影视作品。当今影视艺术的从业门槛已经从当年的技术性制约上升到素质性制约，这种社会现状也对影视艺术的教育教学提出新的挑战。对于技术性要求的下降，反而提高了对艺术本质理解的深入和艺术内涵的追求。在这种背景下，影视艺术教育在完善已有的技术传授的同时，更应该着重培养学生的艺术价值观，在理论与实践的基础上完善学生的艺术品位和艺术追求。影视艺术专业史论类基础课在这种背景下，应该积极调整自身教学目标，通过对以艺术基础史论为中心的理论知识的系统学习，培养学生具备较深厚的理论基础，深入认识艺术相关专业的属性特征和发展历史。当前，我国高校的影视艺术教育蓬勃发展，在各高校影视艺术专业高度重视实践类课程的同时，高校影视艺术史论类基础理论教育明显滞后，严重影响当前影视艺术人才的培养。影视艺术教育的史论类基础理论教学并不仅是艺术理论和艺术历史的知识传递活动，更是艺术素养建构的过程。艺术专业史论类基础课是学生学习、借鉴与创造的重要源泉，应充分发挥其在学生的专业知识构建中的作用。通过对于一门学科的特性与基础知识的掌握，进而实现艺术思维方式的开拓与素质的提升。影视艺术专业史论类基础课的教学目的不仅仅在于让学生掌握艺术领域的历史渊源与发展流变，其目的更在于通过史论类基础课向学生介绍相关的艺术派别分类、艺术思想演变、重大艺术人物与事件，培养学生的综合分析思考能力，从而为指导学生的艺术实践提供丰富的养分，最终促进学生艺术素养的形成。

二、影视艺术专业史论类基础课的现状与困境

当前，高校艺术类影视艺术相关专业的史论基础课程包括艺术哲学、电影理论、电视剧原理、影视艺术概论、中国电影史、外国电影史、中国电视剧发展史等基础课程，同时还包括以及更强调专业性的课程，如专题电影研究、类型电视剧研究、视听语言研究、影视剧精品解读等，所涉及的学科领域极为广泛，既包括艺术的方方面面，也包括历史学、民俗学、建筑学、哲学、美学、文学、宗教等，甚至涉及诸多纯理科性质的学科。然而随着教学实践的不断深入，在影视艺术专业史论基础课的教学过程当中也都在不同程度上存在一些普遍问题。认真分析当前中国影视艺术专业史论类基础课的教育教学的现状，可以归纳总结出以下带有共性的三点问题。

1．教学主体的困境

教师是教学的主体，是教学活动的起点，是教育的组织者和引导者。有效的影视艺术专业史论类基础课教学，对施教者自身的综合素养就有着一定的高度。“教育者本身要有先进的教育理念，坚持以人为本，把人作为教育的本质而不是单纯的教育结果，全面客观的认识受教育者，积极主动研究时展及人发展的新变化，科学预测发展趋势，适时提炼出反映时代和人的发展最新要求的教育内容，使教育内容充满时代性的发展性”。然而在当今的影视艺术专业史论类基础课教学实践过程中，仍旧停留在简单的理论普及与知识记忆上，对于学生艺术品位与专业修养的培训意识不够，因此，相当一部分教育者的理论知识的传授还流于形式，断章取义，照本宣科。对PPT等多媒体教学方式过于依赖，教学模式单一僵化，传统教学中满堂灌、一言堂的教学模式仍然是主流。

2．教学客体的困境

受教者是在教育过程中教育者施加教育影响的对象。受教者是教育活动的实现者，是教学效果的最终体现。离开了受教育者，影视艺术专业史论类基础课的教学活动也就无法展开。因此在某种意义上而言，受教育者也是教育活动的重要组成部分，具有主观能动性。但在影视艺术专业史论类基础课的教学实践中可以发现，很多学生本身对史论类基础理论课的学习目的、课程价值缺乏应有的认同。从学生的受众心理角度在听课之前就将理论课定义为枯燥无趣且与实际相脱离。同实际操作紧密结合的专业课程相比，学生们对于基础理论的学习兴趣缺失，从而采取被动、消极的态度，甚至产生逆反和抵触的心理。在这样的态势下，教育客体缺乏内在的学习动力，缺少学生支持的教学效果可想而知。

3．教学环体的制约

教育的环体是指与教育结果有关系的整个教育环境，它既包括整个的社会文化环境，也包括教学过程中的对教学结果产生影响的教学环境、评价体系等。新世纪以来，影视艺术在社会生活中的影响力不断扩大，影视艺术教育也日渐受到关注，这对于影视艺术基础课程的教学开展有着积极的促进作用。然而，当前的影视艺术教育更多地注重于影视艺术的实际操作性，对教学结果的社会应用要求极高，这无疑造成了影视教学重技术轻理论的倾向。在这种倾向引导下，影视艺术专业史论类基础课无论从课程设立还是考核标准而言都受到了极大的影响。影视艺术教学的课程设置轻视理论，课程考核评判标准相对滞后。再加之影视艺术教育自身起步偏晚、基础薄弱，史论类基础性理论学科建设尚未受到应有的重视，发展缓慢。这些因素都严重影响了影视艺术专业史论类基础课的教学开展。

三、影视艺术专业史论类基础课的教学对策

我国影视艺术教育中影视艺术专业史论类基础课教学发展过程中所呈现的现状与困境，既有社会背景的因素，又有影视艺术教育本身的问题。当前社会对于影视艺术人才的大量需求使得影视艺术教育过分重视技术的传授，却忽略了理论素养的培育。影视艺术教学兴起历史较短，也使得艺术教育的理论教学方式与方法处于摸索阶段。对于影视教育者来讲，如何在当下蓬勃兴起的影视艺术专业教育中探索史论类基础课教学的基本规律，从教学改革入手开创影视艺术教学的新格局，完善史论类基础课的教学研究，进一步实现优质影视艺术人才的培养教育工作，是每一个影视艺术教育工作者的使命和课题。

1．教学内容的改革

传统的艺术专业史论类基础课程往往以艺术发展的时间轴作为教学线索贯穿教学内容，按此顺序进行教学活动，或者是根据不同的学科分类，讲述本学科的发展历史与艺术流变。然而随着时代的发展，按照传统教学模式所设计的艺术专业的基础理论课程教学已经不能满足当下的教学目标，因而必须根据教学内容的特点与要求来重新整合课程内容。影视艺术专业史论类基础课教学内容改革可以从两个方面着手:一方面，可将同一个艺术类型的教学内容分解为若干个单元，每个单元着重研究一个专题，以专题为导向串联其与之相关联的知识体系，进一步完成学生对知识点的整体架构。通过教学专题的导向也可以将问题意识灌输给学生，使得学生在以后的学习中可以以问题为指引，完善自身知识储备。另一方面，可以尝试将不同艺术门类的历史发展加以串联，通过相同时代背景下不同门类艺术发展的演变进行比对，更能揭示出艺术发展背后的规律，在吸引学生学习兴趣的同时，进一步有益于学生未来的艺术创作。

2．教学方法的改革

目前在高校的教学活动中，史论类课程的普遍模式是灌输式的填鸭教学。传统教学偏重知识的传授，教师充当灌翰知识的角色，学生则丧失主动成了精神的知识接收器。这种以讲为主的教学方式，极大地剥夺了学生思维的主动性。强行将相关知识灌注给学生，而并不结合学生特点和讲课内容。这种教学方式仅仅实现了信息的传播，却并未实现信息的接受。随着学生知识面的开拓、阅历的增加、思考能力的增强，当代的大学生无形之中开始进行有意识的抵抗，表现出来的现象就是上课睡觉或者教师在讲台上讲课，学生在下面看其他的书籍，更有甚者是直接逃课。针对这种教学现状，更应有针对性地变革传统的影视艺术专业基础课的教学模式。在每一门课程开课之前，学生将得到根据本门课程编写的“课程指南”。在“课程指南”当中应其中详细标列出课程的学习内容、教学时间安排、参考书目、课内所安排的小组讨论专题、需完成的作业题目与具体规格和形式以及课程考核的方式方法。学生在“课程指南”的指引以及教师的辅导下展开主动学习，从而彻底改变被动听教师讲课、理解掌握重点难点、机械记忆相关知识点的传统教学模式。同时，积极开展课堂专题讨论，以小组为单位进行专题研究，这样就使得学生的学习过程成为学生在教师指导下主动学习的过程。这使得学生们在资料搜集整理和组内讨论的过程中，对相关知识产生更加深刻的了解。此外，可以结合学校的优势资源，积极邀请国内外的专家学者进行学术讲座，业内的一线专家结合自身的实践经验，向学生传输相关艺术信息，进一步提升学生的艺术素养。

3．考核方式的改革

篇(6)

媒介素养教育的研究始于20世纪30年代初英国、加拿大等国家。80年代后随着官方和联合国教科文组织的介入，媒介素养作为独立课程开始纳入许多国家的学校课程教育体系；90年代以来，教育思想又有新的发展，媒介素养教育的重点是培养青少年接受、处理与鉴赏传媒信息的能力，并渐成全球规模性的教育运动，甚至为此立法。目前，在加拿大、英国、澳大利亚、法国和几个北欧国家，它己被纳入全国或部分地区中、小学的正规课程内，并出现了许多教学模式和教材，甚至发展为白成系统的教育体系。

一、高校媒介素养教育的现状

我国的媒介素养教育起步较晚，毕业论文尚未引起充分和广泛的重视，高校中只有北京、上海等少数新闻院校比较早且有计划地开设了媒介素养教育课程，但多是以选修课形式开设的，如2004年9月，上海交通大学新闻传播信息技术学院首开《媒介素养专业》公选课，同年10月，复旦大学媒介素养小组创建并开通了中国大陆第一个媒介素养专业网站(WWW．medialiteracy．org．cn)。近几年，浙江、江苏、山东等地一些高校也开始面向全校大学生开设了媒介素养教育选修课程。到目前为止，我国仅有中国传媒火学、上海交通大学等出版了儿本有关媒介素养教育的专著和教材，如张开的《媒介素养概论》，蔡帼芬等主编的《媒介素养》，陈先元的《大众传媒素养论》，邱沛篁等主编的《媒介素质教育论集》等。同时一些新闻传播期刊和网站也登山了大量的探讨媒介素养教育的文章，高校硕、博研究生中也出现了有关专业论文，这都标志着媒介素养教育的理论研究水平在逐步的深入和提高。可喜的是，2002年中国传媒大学正式成立媒介素养教育研究中心；2004年高等教育研究所设立媒介素养教育专业硕士点；2004年10月，以“信息社会中的媒介素养教育”为主题的首届中国媒介素养教育国际研讨会在北京中国传媒人学召开；2006年6月，复旦大学媒介素质研究中心正式成立。另外还有大量相关媒介素养教育方面的个案研究出现，如调查发现，上海火学生对媒介的表征和建构能力缺乏足够的判断和警惕，获取利用信息还不够积极主动，参与媒介互动和媒介内容制作的人数比例较低等方面存在着媒介素养的缺陷等。

总之，社会各界对媒介素养教育的重视促进了媒介素养教育各种问题的深入研究和发展。

二、高校媒介素养教育的现实性与必要性

1．媒介素养教育的现实性

最初，以李维斯为首的英国学者是出于对大众传媒文化的强烈批评，才开始倡导媒介素养教育的。直至上世纪90年代，由于大众媒体已成为人们获取信息的重要渠道，欧美国家更把媒介素养教育作为信息时代对人才能力的基本要求，必备的基本素质，并把媒介素养教育作为青少年的通识教育，作为一种综合能力的培养训练，而今，全球化的媒介素养教育已经成为一种现实。在我国，大学生对网络、手机短信、校园DV等新媒体的接触与使用率越来越高。可以说，大学生这个庞大的消费群体也是新兴媒体的主要接触和使用者。然而，在他们的世界观和人生观还未完全定型的时期，可能会受到媒体的某些误导，甚至是诱导和某些不良暗示，可能会影响到其价值、行为判断的偏颇。2003年3月哈尔滨某大学生创作并演唱的FLASH作品《大学自习室》在高校中几乎有口皆碑，但其中展示的某些大学生形象却令人担忧；2005年4月四川成都某学院的4l位在校男女学生露天，上演了一幕名为《41》的行为艺术：以身体组成电子邮件符号“”，此行为艺术在社会各界也是褒贬不一现代社会开放程度越来越高，人的发展也越来越个性化，这些在当代大学生身上的体现尤为明显，但是如果不加以正确的认识、分析和判断等系列媒介认知教育，可能会对其媒介素养能力的提高有一定的影响。

2．媒介素养教育的必要性与可能性

2006年l0月，一组以中国人民大学为背景的女生“露腿学士照”在网络上引起巨大争议，中国人民大学方面则表示，大学生的自由开放思想不应该受限制；2006年10月中国戏曲学院大四女生，自称为自居易后代，被网友称之为“国学辣妹”，其针对孔子的大胆言行在网上引发热情“辣评”一片。在大众传播事业飞速发展的今天，高校的大学生的注意力从诸如报纸、杂志、广播、电视等传统的火众媒体逐渐转向手机短信、网络、DV 等新兴媒体。然而，从诸多的传媒事件中我们感觉到当代大学生媒介素养能力的缺失，特别是对媒介素养教育有着重要影响的传媒认知能力的教育需要进一步加强。互联网的开放性吸引了整个青年群体，而大学生又是这个群体的主力军，他们可以利用手机、视频、QQ空间、博客等传播着自己的个性人生，但是如果没有正确的媒介观念与媒介素养，可能会对社会起着负面影响，对青年群体的社会认知和媒介认知起着消极作用。同时，互联网技术的发展与高校传媒教育研究理论的提升，也为媒介素养教育的实现提供了可能，关于媒介素养教育的专著、论文和专题讨论也越来越多，媒介素养教育在理论和实践上均不再是纸上谈兵。大学生群体容易为新的技术、新的潮流所吸引，对于互联网上新鲜的东西有着无限的好奇和求知探索，而目前我国高校传媒教育课程体系如新闻学、传播学、电影学、广告学等学科体系均已成熟，加上社会学、教育学、伦理学等学科课程的支撑，它们能为善于探索求知的学生群体提供媒介素养教育的坚实专业知识基础。

三、媒介素养教育的实现途径

正确认识媒介素养教育的历史与发展概况，硕士论文有助于我们在学校甚至是在社会各个层次开展媒介素养教育。媒介素养教育的实现有多种途径与方法，作为高校，媒介素养教育的实现关键问题还是在于以下三点：

1．媒介素养教育课程体系的确立

媒介素养教育的核心是理论教育课程体系的确立，必须有一套成熟的媒介素养教育理论体系。目前诸如《媒介素养概论》、《媒介素养》等专门教材已经出现，加上传媒教育课程列：广播电视学、新闻学、传播学、电影学等学科体系的诸多课程，已基本可形成独立的媒介素养教育课程体系，专业教材、专业论文和专业教学、研究人员的出现使该课程体系的开设成为可能。各个高校可以开设《媒介素养概论》、《媒介文化》等必修课程，同时辅以《媒介伦理学》、《媒介认知与文化》、《人众传媒与社会》、《理解媒介》等选修课程和公共选修课程，给大学生提供全面的媒介教育，丰富利发展他们对传媒的认知与了解，从学习、认识传媒中发展其媒介素养，从而达到提高个人素养的目的。

2．学生参与传媒实践能力的提高

日新月异的互联网世界对于大学生是具有强大诱惑力的，在媒介素养教育理论课程的基础

上，要注重大学生实践能力的培养，更多地给大学生创造参加传媒实践的机会。他们每天都在网上体验着信息时代的传播乐趣，但也因为意识上的薄弱和缺乏把理论知识用于实际的能力。他们可能沉迷于传奇、魔兽等游戏的虚拟世界，他们可能热衷于FLASH、DV的制作来展现自己多姿多彩的学生生活，他们可能醉心于论坛(BBS)、QQ空间、博客的制作与维护，但是“铜须门”事件、“国学辣妹”甚至是更多的网上“愤青”“网络暴民”却使我们认识到当代大学生媒介素养的缺失，因此，必须要用正确的媒介素养教育来教育大学生，培养他们的认知能力、动手能力，在理论和实践结合的基础上有更多的自我约束，有更多的责任意识，不至于自己的个人行为对学校、社会有负面作，也不使自己受现代媒介技术发展消极作川的影响，从而达到正确的认识媒介、理解媒介、运用媒介，提高传媒实践能力为自己认识社会、发展个人综合能力服务。

3．媒介素养评估标准(体系)的确立

篇(7)

[关键词]：数码影视电脑特效电视电影dv作品

现代科技迅猛发展，当数字化技术介入娱乐媒体之后，开始打破传统媒体的界限，出现电影、电视、激光视盘、计算机多媒体、网络等传播方式交互并存的趋势。尤其对电影艺术来说，数字化意味着一次具有里程碑意义的革命，极大地影响了电影从创作生产到发行放映的各个环节，正在改变并将彻底改变传统电影业的面貌。对此，我国家主管部门已作出明确决策：“实现从模拟技术向数字技术的转变，从传统产业、传统媒体向新型产业、新型媒体的转换。”

数码电影时代是在我们理论准备不足的状态下降临的。20世纪80年代初，国内出版了邵牧君颇有影响的《西方电影史概论》，邵先生在书中论及电影史的分期时曾断言：“电影在第二次世界大战结束后已在技术上达到完善的地步，此后的技术发展不再对艺术表现有重大的影响。”[1]在相当长时间里，邵先生的见解并未引起什么异议。不过以今天眼光来看，这一观点毋疑需要修正，并且有必要强调：数字技术介入电影艺术的重大意义，丝毫不亚于甚至超过了20年代有声电影淘汰默片、30年代彩取代黑白片的那两次技术革命。

在数字化浪潮冲击之下，国外影坛开始流行“后电影时代”（post-cinemaera）的概念。但是在中国电影界，至今对数字化革命的紧迫性尚未达成共识。我们注意到，《电影艺术》杂志刊发的专栏《入世后中国电影会发生什么变化》，以来函照登方式公布了编辑部对43位业内知名人士的问卷调查。这些人士各抒己见，但其中仅有两人提及数码电影。一位是导演黄蜀芹，她认为“数码电影的形成会改变制片及观片方式，但这在中国都需要时间。”；另一位是上影集团副总裁许朋乐，他建议“采用高科技计算机制作表现中国人命运情感的大片，力争在一些大城市与好莱坞进行抗衡。”[2]当然，问卷调查含有即兴成份，答者未必经过深思熟虑，但2：41的比例毕竟过于悬殊，至少说明数码电影还没有受到中国电影界的广泛关注。

在数字时代，任何形式的信息一经数字化，就被整合为统一的数字化信息，进而打破不同媒体之间固有的壁垒。数字化整合并不意味着电影媒介的消解，但却使电影的内涵与外延有了重新界定的必要。从影像信息的存储来看，目前拥有感光材料（胶片）、磁性材料（录像带）、光学材料（光盘）等不同载体，相互间可进行“胶转磁”、“胶转数”、“磁转数”、“数转胶”的转换，由此形成了笼而统之的称谓“数码影视”。

我们认为，“数码影视”这个概念过于宽泛，实则上在数码影视体系之内存在着分野，依据传播者、传播内容、传播媒材、传受关系等要素加以辨析，可划分为以下四个方面：

——基于传统影院放映的、含有“数转胶”电脑特效的电影大片；

——基于数字影院放映的纯数码电影（包括3d动画片）；

——基于数字化制作的电视电影；

——基于个人化制作的dv作品。

且让我们结合数码影视在中国的现状及发展机遇来做一番考察，探究数字化为中国影视业带来的压力、动力与潜力。

一、电影中的数码特效

电影诞生以来，始终存在着摆脱“物质现实的复原”，由创作者发挥巧思奇想的电影特技传统。如电影先驱者梅里埃原先是魔术师，他出于职业习惯，首创了停机再拍、多次曝光、叠印、倒放等特技手段。在中国电影史上，张石川热衷“接顶”特技也是出了名的。1925年女演员张织云访美归来，向他谈起好莱坞名导演刘别谦运用“接顶镜头”在摄影棚里制造海滨场景的见闻。张石川听后立刻着手模仿，将接顶镜头玩得得心应手，还情不自禁地夸耀：“上海什么都有，就是没有山，连一个土堆都没有，从此可以高枕无忧，什么泰山、黄山，全都可以请画家搬到摄影场里来了！”[3]

电影特技的本质，说到底是一种“以假乱真”的艺术。在影片生产过程中，摄制组常会碰到某些在现实时空中难以再现的场景，这就需要采用特技手段在银幕上玩弄障眼法，将不可能拍到的画面变为可能。数十年来，电影特技师们施展聪明才智，掌握了模型摄影、模型接景、绘画合成、放映合成等一整套传统特技方法。到了20世纪80年代，随着计算机高科技的介入，电影特技产生了质的飞跃。在数字化进程中，1991年是个重要年份，柯达公司在那年研制成“cineon”数字电影制作系统，运用具有900万像素、4096线的ccd扫描仪，先将电影胶片上的影像转换成数字信息输入计算机图形工作站，经加工处理之后，再通过激光印片器将影像转录到电影底片上。cineon把电影和计算机的优势结合在一起，在催生数码电影方面功不可没。数字化不仅提高了电影生产的速度与效率，还大大扩充了电影艺术的表现空间与表现手段。尤其在数码特效领域，三维虚拟场景、角色动画、影像逐帧修改等先进手段的应用，为导演们提供了“只怕想不到，不怕做不到”的强大技术后盾。

好莱坞是数码特效的策源地，据统计，在全球票房超过2亿美元的100部好莱坞影片中，共有53部采用了数字技术。[4]随着数码特效的频繁应用，人们的理性认识也深入了一层。美国数码技术专家科林.布朗指出：“有两种特技效果存在，一种是展现在你面前的、可见的特技效果，产生震撼惊叫的效果，这就是《侏罗纪公园》的恐龙和《异形》的外星人等等；还有一种是不可见的、隐性的特技效果，为影片增加许多叙事成分。”[5]这种区分很有指导意义，如果说“看得见的特技”更多适用于科幻、魔幻、神话、动物等题材，那么“看不见的特技”适用面更广，在各种常规题材中都有用武之地。例如在《阿甘正传》中，由1000名群众演员出演的反越战示威场面，被复制成有5万人参加的浩大规模；扮演中尉的演员穿一双“蓝色遮蔽袜”，不费吹灰之力就达到了“双腿截肢”的造型效果。又如《泰坦尼克号》所展现的各种气候条件下的海洋，乃是依靠arete公司开发的软件，动用300台sgi工作站生成的“数字海”，在银幕上不露一丝破绽！当然，数码特效的制作成本目前还居高不下，《泰坦尼克号》投资2.5亿美元，数码特效的开支差不多占了一半。正是这一因素，致使不少业内人士将数码特效视作“高不可攀的奢侈品”，认为资金短缺是制约中国数码电影发展的瓶颈。其实未必尽然。

数字化是电影制作的必由之路。与好莱坞相比，中国电影数字化的进程大约滞后了十多年。原因之一是80年代以后，由于电影票房滑坡，不少电影制片厂的特技车间纷纷下马，制片人为省钱，能不用特技的尽量不用，致使国产片里的特技元素日益萎缩。原因之二是中国电影编导对高科技感兴趣的人并不多，对数码特效的应用热情不足。而好莱坞却拥有专攻数字电影的专业户，如詹姆斯.卡麦隆以平均两年1部的速度，成功地导演了《深渊》、《终结者ii》、《真实的谎言》、《泰坦尼克号》等四部数码大片。在中国影坛，张建亚导演是孜孜不倦探索数码电影的第一人，他最初的尝试始于1995年，运用电脑特效来制作《大闹天宫》，后因资金原因而搁浅。但他并不气馁，四年后终于成功地执导了首部国产数码大片《紧急迫降》。张建亚对电影有着独到的见解：“我觉得电影就是运动的艺术，电影离不开各种有趣的运动形式，因而也离不开技术。中国电影从《孤儿救祖记》以来就太注重道德伦理兴趣，结果把运动细胞都退化掉了。”[6]正是这种集体无意识，长期来稀释了中国电影的科技含量。

1999年是中国数字电影的起飞之年，一下子涌现《紧急迫降》、《冲天飞豹》、《横空出世》三部运用电脑特效制作的故事片。美国sony数码电影中心技术副总监观摩《紧急迫降》之后，认为中国同行的制作“已达到好莱坞同类影片的中上水平”。国内学者的评价更为积极，倪震指出：“《紧急迫降》在电影工业拓展上的意义远远超出了它的思想艺术价值和票房价值。它表明了中国电影作为工业系统在科技理念和工艺技术方面的突破，是一个民族崇尚科学、展望未来的精神体现。”[7]值得称道的是，上海电影制片厂当年审时度势瞄准数码电影的目标，为投拍《紧急迫降》斥巨资从海外引进先进设备，成立了“上影计算机特技制作中心”。现累计投资达8000万元以上，已正式亮出“上影数码”的品牌，决心打造国内领先、国际一流的数码电影生产基地。“上影数码”的最新出品是张建亚执导的大制作《极地营救》，该片的数码特效涉及泥石流、沙尘暴、雪崩、高空救险等惊心动魄的场面，以及“瞬间浓缩”古格王国由鼎盛至衰落的奇观。电脑特效总量占全片镜头数的60%，比例大大超过了《紧急迫降》。此外，《极地营救》的部分镜头还首次采用2000线高清晰度数字摄像机拍摄，力求以超一流的视听效果让国产数码电影跃上新的台阶。透过片尾字幕长长的工作人员名单，我们欣喜地发现了中国影坛第一个专事电脑特效制作的团队，他们操练了一整套包括三维建模、动作捕捉、材质渲染、合成数字人的生产工艺，构建了一个可持续发展的高科技电影制作平台。

国产数码电影下一步应尽快开拓题材面，在风格样式上寻求新的突破。以张建亚导演的两部影片来看，无论《紧急迫降》还是《极地营救》，均是依据真实事件为原型的正剧。其实，在纪实题材中电脑特效的用武之地颇受局限，难以达到淋漓尽致的程度。现实生活和艺术想象是艺术创造的两个源泉，电影编导“超凡脱俗”的想象力借助电脑特效更能得到异乎寻常的发挥。人们期待着，诸如科幻片、神话片、魔幻片等新颖样式，以及《西游记》、《封神演义》等传奇名著的改编，在银幕上掀起国产数码电影的第二波。

二、纯数码电影

数字视频有三个来源：一是通过数字设备直接获取（如数码摄像机、数码相机、cd-rom光盘、因特网下载等）；二是靠计算机软件创建生成（如photoshop、maya等软件）；三是经模数转换的其它素材（如胶片、录像等）。一部影片如果完全由前两种数字视频构成，便可称作“纯数码电影”。目前观众所接触到的纯数码电影，主要是3d动画片。

在动画电影史上，法国的雷诺被尊为创始人。但动画片真正诞生始于1907年，以美国的勃拉克顿发明“逐格拍摄法”作为标志。中国动画电影的拓荒者是著名的万氏四兄弟，他们受聘“长城画片公司”，于1926年制作了我国第一部动画片《纸人捣乱记》。该片描绘躲在墨水瓶里的纸人偷偷从瓶子里溜出来，同正在写字的真人捣乱，弄得真人火冒三丈，其新奇效果当年轰动沪上。

动画片创作历经手绘动画、计算机辅助动画、计算机生成动画这三个发展阶段。计算机生成动画亦称计算机生成图像(cgi)，自20世纪90年代以来，每年获得奥斯卡最佳视觉效果奖的影片无不采用cgi技术。cgi无需摄影机的介入，而是依靠计算机创造出一种“虚拟现实”，一种亦真亦幻的三维空间。因此“拍电影”的说法已不能成立，确切地说，是通过计算机工作站“做电影”。1995年，好莱坞推出第一部3d动画片《玩具总动员》，片长77分钟，制作周期历时4年，一共动用110台计算机，耗费80万个计算机工作小时才完工。该片由1561个镜头组成，合计76个角色、366种对象，在主角安迪的头顶上据说生有12384根头发。在3d动画界，毛发的根数、皮肤的质感、物品的纹理等等，很快成了你追我赶的竞争指标。2002年迪斯尼公司与pixar公司联合制作3d动画片《怪物公司》，运用专门设计的fizt动画软件，给怪物主角苏利文全身平添300万根飘逸的蓝色柔毛，其逼真效果与《玩具总动员》相比，后者堪称小巫见大巫了。值得一提的是，在《怪物公司》中，首次出现了“中国娃娃”（或称“东方娃娃”）黑头发黑眼睛的可爱造型，这是山姆大叔为抢占亚洲电影市场作出的精心策划，以此来博得东方观众的欢心。

3d动画片使人大开眼界的同时，也暴露出某种先天性不足，即动画艺术的创新在很大程度上依赖于计算机软件的开发。今年2月，日本动画片大师宫崎骏的新作《千与千寻》荣获第52届柏林电影节金熊奖，这是国际著名电影节首次将最佳影片奖项授予一部动画片。在计算机动画已成为时尚的潮流之中，宫崎骏仍固守手工制作动画片，成为第一个对3d动画片说“不”的人，他的忠告是：“技术看起来使人自由，其实分工过于精细，很容易使独具匠心的制作变成流水式的生产。”

近年来，海内外开始流行“动漫”这一新概念，它有别于传统的漫画和卡通，而与流行时尚、新媒体、电子游戏交错互动，形成了规模庞大的动漫产业。上海市从2000年开始举办《动漫画展》，参观人数一届多于一届，成为动漫爱好者盛大的节日。动漫的忠实受众是青少年群体，根据年龄结构分析，他们属于“看动画片长大的一代”，对动漫有着天然的亲近感，以及不同于长辈的理解力和欣赏力。这个群体与计算机的关系最为密切，他们中间将会涌现中国目前紧缺的从事3d动画片创作的人才。

“纯数码电影”还有另一种涵义。在物质载体方面，纯数码电影的影像和声音不再记录拷贝在胶片上，而是将数字信号记录在计算机磁盘上；在节目传输方面，纯数码电影不必经过远距离装运或跑片，而是通过通信卫星、有线光缆等渠道定向传送至电影院的接收终端；在放映设备方面，纯数码电影通过内置光学芯片的投影仪显示高清晰度的画面与立体音响效果，使观众获得超一流的视听享受。1999年3月10日，美国举行了第一次纯数码电影演示，此举宣告着“无胶片电影时代”（filmless）的到来。同年5月，美国出现4家数字电影院，据行家预测，未来五年内数字电影院将普及全美国。现在看来这一预测未免乐观了些，截止2001年统计，全世界建成的数字电影院仅有32家。

2001年10月，我国首部纯数码电影《青娜》（谐音china）在北京旅游景点中华世纪坛首映，该片长度仅5分钟，实际上是一个娱乐节目，不是正规的电影作品。2002年4月30日，中国第一家数码电影放映厅在上海永乐电影城开张迎客，首映片目是姜文主演的《寻枪》，但该片并非纯数码影片，而是通过“胶转数”形成的数码版。此前，中国电影集团公司董事长杨步亭已向外界宣告，将通过资本运作筹措巨资改造全国电影院，要在十年之内实现电影的数字传送和放映。这个时间表现在已进入倒记时，同时也预示着纯数码电影未来巨大的市场份额，将吸引各路人马竭尽全力角逐中原。

三、电视电影

美国电影学者j.莫纳科写于20世纪80年代初的《怎样看电影》一书，字里行间留下了对影、视合流亦清醒亦朦胧的认识：“到了1980年，情况已经变得很清楚，我们所谓的电影与我们所熟悉的录像和电视，不再可能截然分开了。时至今日应当把它们看作是一个统一体的组成部分，我们确实需要一个能够包括影片与录像带的新词汇。……从现在起，‘电影’成了一个尚无新名称的、包括艺术与技术而组成的行业，姑且名之为‘电影电视’吧。”[8]

类似的情况也在中国发生。从80年代中期开始，随着中国电视业超常规的发展，占去了人们大部分的休闲时间，中国电影票房收入连年递减。进入九十年代以后，中国电视迎来新一轮扩容，由无线电视、有线电视、卫星电视所覆盖的家庭接受环境，在不少地区已多达数十个频道。各家电视台之间展开激烈的收视率大战，电影似乎无力招架，悄然退出同电视竞争的地盘。然而，就在中国电影业整体不景气的处境中，却存在着一个闪光的亮点，那就是中央电视台于1996年1月开辟的电影频道。在全国媒体利润排行榜上，电影频道后来居上，排名名次已跃居第五位，其收视率之高、传播范围之广，无形中已成为全国观众敞门入场的“中华第一大影院”。据统计，1998年国内电影院共放映414.9万场次，观众数量仅为5.7亿人次；而同年度电影频道的观众却达到4.3亿人次，两者几乎平分秋色。从表面上看这4.3亿人次分流了电影院的上座率，实际上他们所欣赏的依旧是电影。这种现象在国际上具有普遍性，正如联合国教科文组织有关委员会在一份调查报告中指出的那样：“尽管大多数西方国家中去公共影院看电影的人次有显著下降，更加多的观众还是通过电视看到了影片。这两种交流工具之间的结合也越来越亲密，而且不断发展的盒式磁带录像工业将为电视和家庭放映提供更多的影片。”[9]

电影频道开播以后，为保证节目源，几乎买断了1949年以来各家电影厂生产的所有故事片及建国前摄制的大量老电影。但不到三年时间，就把库存的近3000部国产片统统播放了一遍。为开拓片源，电影频道自1998年开始投资拍摄低成本的“电视电影”。1999年春节期间，第一部电视电影《岁岁平安》与观众见面。此后三年，电影频道每年投资6000万元，总共拍摄了约400部电视电影。今年电影频道继续加大力度，计划投拍和购买的电视电影数量将达到200部左右。透过数量看本质，我们不难发现电影频道这个面向全国观众的播映平台，不再满足于承担“下游”功能，即购买、回放各家电影厂出品的电影；它依靠自身的策划组织能力和经济实力，已成为中国电影的“上游”企业。

那么，电视电影与数码电影是不是一回事呢？

我们认为，数字化使信息和载体的关系发生了根本变化，在数字域，影像信息和声音信息在形式上都表现为“0”或“1”，信息对载体的选择变得灵活多样，突破了传统业务分割的界限。从理论上说，数字化介入电影或电视并无质的不同，两者同质同源，都是在数字化环境中完成作品的前、后期制作。尤其在非线性编辑系统中，电影与电视的区别仅表现在电影属于“胶转数”，电视属于“磁转数”，一旦扫描、上载完毕，在计算机中处理的都是“0”或“1”。此外还有必要强调，中国的电视电影一般采用数字beta摄像机拍摄，而非国际上惯用的16毫米电影胶片摄影机。因此，中国的电视电影虽然启动较晚，技术基础却是一步到位建立在数字化平台上，这也是我们将电视电影纳入数码电影看待的一大理由。

从制作角度比较，数码电影胜过胶片电影的优势在于节省成本与生产周期，能收到多快好省的效益。中央台电影频道目前投拍一部电视电影的平均预算为50万元左右，采用了稳妥的低成本策略。有关人士对此直言不讳：“在现在非常不规范、不成熟的电影市场环境下，与其投资上千万拍一部血本无还的影院电影，不如用上千万投拍20部有经济保障的电视电影。”[10]当然，电视电影也不全是小制作，例如《大沙暴》便动用8台nt工作站机群（16个cpu），制作了大量三维特效镜头，为电视电影进一步向高端数字技术靠拢积累了经验。

据中央电视台收视率调查统计，一部电视电影在电影频道播出，基本收视率稳定在2000万-3000万人次，传播速度与覆盖面相当惊人，任何一部电影在电影院首映都是无法与其相比的。不过，也有一些人士为此而担忧，认为电视电影客观上使观众养成“足不出户看电影”的习惯，会逐渐与影院疏远，对中国电影的发展来说，终究是“权宜之计”而非长久之计。其实，这种看法颇似因噎废食，少拍、少播电视电影未必就能提高影院的上座率。何况电视电影作为传播电影文化的有效载体，既为国产片维系了难能可贵的观众“人气”，又为编导们提供了更多的创作机会。

目前集结在电影频道周围拍摄电视电影的主要是一批青年导演，他们从专业院校毕业不久，非常珍惜独立执导作品的机会。然而，他们对电视电影的看法并不一致。如管虎认为：“现在的电视电影就是电视剧，但商业操作氛围不象电视剧那么重，制作上跟电视剧完全一样。电视电影这个概念区别于电影，也区别于长篇商业性电视剧的优势就在于实验性。电视剧、电影能完成的个人化、独特化的东西少，电视电影应该往这方面推。”[11]从这番话里，不难听出先锋派的余音。另一位青年导演郑大圣的观点有所不同，他认为“电视电影与影院电影比较，最大的不同就是通过大众媒体传播。如果说影院电影自我表达的因素更多，那么电视电影风格上更多的是大众性。”郑大圣还认为，拍摄低成本电视电影“是民族电影生存的一种策略，它就象个蓄水池，能够养起一大批新秀导演，为民族电影发展打下基础。从长远来考虑，也是培养民族电影观众的途径。”[12]

我们对电视电影的前景相当看好。电视电影有望成为中国影视艺术新的生长点，成为中国影视产业新的经济增长点，成为中国影视界“希望之星”的新的摇篮。

四、个人dv作品

对数字技术诱人的前景，著名导演卢卡斯曾作过乐观的预言：“最终会导致出现一个更为民主的制片环境，每个人都能够制作电影。要不了多久人们就可以在自己的pc机上干电影这一行了。”[13]他的话音刚落，日本研制的第一款dv数码摄像机（digitalvideo）就于1996年问世，其画质水平解像度达500线以上，与价值不菲的beta摄像机不相上下，性价比很适合个人消费者的购买能力。同dv摄像机配套的是非线性编辑软件，将数字信号输入pc后可以很方便地进行后期编辑。尤其微软公司在1997年推出softimage3.7版本之后，标志着在个人计算机上也可制作电影特技画面了。这样一来，就突破了制作影视节目企业化、集体化的陈规，从前期拍摄到剪辑合成，全部可以由创作者一个人独立完成，揭开了dv影像文化的新纪元。

目前采用dv拍摄作品的基本上有三类人员——

其一是职业电影导演，如伊朗著名导演阿巴斯携“掌中宝”dv深入乌干达，拍摄了一部考察当地儿童与社会状况的纪录片《a.b.c.到非洲》。阿巴斯在谈及这部dv处女作时，称自己经过试用，已习惯将dv摄像机当作“笔”来写作，使用期间常常被影像丰富的“变化与惊喜”所感动。[14]又如中国新生代导演贾樟柯，也用dv拍过一部《公共场所》，他的体会是“想特别贴近人，想跟人有互动的电影，dv是一种非常合适的方法”。其二是从事其它门类创作的作家、艺术家，如大陆作家朱文自编自导的dv电影《海鲜》，在第58届威尼斯电影节上获得了“当代电影”竞赛单元评审团特别奖。朱文认为，“拍电影没有专业和业余之分，每个人都可以搞，职业一点也不重要，关键取决于人有没有想象力和创造力。艺术首先就是业余的，那样才有生命。”这番话说得十分洒脱，其物质基础正是由低成本的dv奠定的。

其三是人数众多的dv爱好者。近年来，随着dv摄像机在视觉文化发达地区的畅销，京、沪、穗等地已有不少dv发烧友尝试拍纪录片，有些作品如《老头》、《北京风很大》等已遐尔闻名。纪录片最大的魅力来自作者“在场”的影像纪录，由于dv的普及，将使纪录者“在场”的概率大大增加，从而为我们这个时代留下较前人丰富得多、鲜活得多、深入得多的影像记录。

dv的潜力不容低估，但dv的反响还很有限，主要原因是dv作品缺乏足够的展示渠道。在国内，目前dv的传播方式大致有两种。一种方式是小群体观摩，相互切磋，“自娱自乐”。2001年9月，由《南方日报》社、北京电影学院导演系联手举办的“首届独立影像展”，便吸引了来自北京、上海、广州、沈阳、武汉、香港等地的dv爱好者自发赴会，总共有109部作品参展参赛，成为难得一见的民间影像观摩盛会。另一种做法是由电视台提供播出窗口，在大众媒体上公开亮相。如上海电视台纪实频道开辟的《新生代》专栏，对外征稿启事：“社会上任何人只要使用dv摄像机拍摄长度为10-20分钟，能够鲜活表现当代人生活和情感状况的纪录片都有可能在荧屏播出，欢迎方方面面的纪录片发烧友共同参与。”又如凤凰卫视中文台发起“中华青年影像大奖赛”，鼓励的年青人拿起dv摄像机来纪录和传递自己的所见所闻。在最近一次“命题作文”《我的父亲母亲》展播中，一名中央戏剧学院大一女生拍摄的处女作朴实感人，获得了该项比赛的大奖。大众媒体以如此积极的姿态向个人dv作品敞开大门，是值得载入中国电视史册的。

我们留意到，个人拍摄dv也引出某些异议。有位学者提出了“视像艺术凡俗化进程已经开始”的看法，他认为“视听器材的普及意味着复制的泛滥。复制有两重含义：一是机械复制，指视像艺术作品出于种种目的合法地大量转录；

二是题材复制，一部作品一旦成功，立即招致大批拙劣模仿之作，将导致视像艺术的贬值。”[15]这种担心是可以理解的，但言之过重了。当我们面对个人dv这一新生事物时，没有理由不为之鼓与呼。

让我从新浪网的《第三届全国大学生录像短片竞赛宣言》中，摘录一段洋溢青春激情的文字作为结束语——

“dv为个人提供了便利的条件和广阔的影像写作空间，不仅专业人士可以借此尽情自己任何狂野、冒险的想法，而且常人也可打破媒介对影像的长久垄断，从而拥有记录自己和他人日常生活的权利，甚至可以拍摄属于自己的‘电影’。我们呼唤个人影像时代的来临，目的只有两个，一是看到越来越多的人创造突破模板、颠倒惯有模式的作品，使影像的可书写性大大提高；二是团结国内青年同仁，推动合作交流，为中国影视建立人才库，使之成为中国乃至亚太地区影视创作的活力之源和希望所在。”[16]

注释：

[1]邵牧君《西方电影史概论》，中国电影出版社1982年版，9页。

[2]参见2001年第六期《电影艺术》。

[3]刘思平《张石川从影史》，中国电影出版社2000年版，90页。

[4]转引自1998年第一期《北京电影学院学报》，37页。

[5]转引自《第九届中国金鸡百花电影节学术研讨会论文集》，136页。

[6]《张建亚访谈录》，1999年第三期《北京电影学院学报》，26页。

[7]倪震《加入wto和中国电影生产力的再定位》，2002年第一期《当代电影》，11页。

[8]j.莫纳科《怎样看电影》，上海文艺出版社1990年版，336、339页。

[9]转引自孙沛然《影视文化导论》，浙江大学出版社1999年版，117页。

[10]张卫平《从电影发展战略谈电视电影》，同[5]，340页。

[11]、[12]均引自2001年第五期《电影新作》。

[13]a.ohanian&e.phillips《数字化电影制片》，中国电影出版社1998年版，6页。