美术系论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇美术系论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

一、美术院校教师科研成果评价体系的构成

美术院校教师科研成果量化评价体系就是将学院各专业教师的科研成果换算为等量分值，以教师各项科研成果的质量与数量为认定标准进行综合衡量、考评教师科研状况的一种管理办法。评价体系由统计表格、分值说明、参考目录三部分组成。统计表格和分值说明依次对应，分别包括10项内容。教师先按表格要求填写当年成果内容，在表格分值空格处根据分值说明填写分值，最后合计当年获得的科研成果总分值。其中5和7项的分值计算配有参考目录。将5项学术论文分成三级：A级核心论文，B级重点论文，C级一般论文。将7项展览等级分成四级：A级为国际大型展览、国家级展览；B、C级为国外专业性展览、全国美术家协会各专业美术委员会举办的单项展览；D级为各省市美协组织的美术作品展、联展、邀请展。根据级别分别将历年的展览名录逐条列出，教师可以清楚地查找到自己参展应给予的分值。管理方式以整年为一个周期，每年年底根据上一年的经验，将评价体系进行修改，兼顾公平与合理。同时设有必须及格分值，助教8分、讲师10分、副教授与教授15分，如未完成，5年累计为一个奖惩周期。

二、美术院校教师科研成果评价体系的核心问题

评价体系的核心问题是分值量化的科学性。环境设计、服装设计、视觉艺术设计、工业设计、装饰设计、公共美术、多媒体艺术、动画、摄影、油画、版画、雕塑、国画、史论等所有专业产生出的成果千差万别，作为一个学院的科研管理与统计部门，如何将所有教师科研成果的工作量进行比较，一直是本项研究的重点。美术学与设计学两大学科差别较为明显，这种因专业不同而出现的局部不均衡现象非常明显。分值量化在本专业内能有效地评估教师科研工作成果，但在跨专业评估过程中仍存在许多问题。

三、美术院校教师科研成果评价体系的难点

科研成果质量的认定是评价体系的难点，学术浮躁现象已为整个学界所关注。学术不端行为与当前科研评价体系重数量、轻质量，重短期效应、轻长期积累的取向有关。一些出版单位受经济利益驱使让所谓的核心论文、学术著作掺杂了太多的水分；一些展览的邀请与评奖方案由于各种人际关系、社会地位、作品炒作而真假难辨；一些设计被采用变成了赚钱的生意而失去了对艺术价值的追求。当代美术的市场化和资本化导致美术语言逐渐缺乏原创性和生命力；有些美术家创作急功近利；美术批评失语；美术史写作状况混乱，缺乏学理性标准。当然客观原因是不容忽视的，我们现有的经济条件无法为教师们提供更多的资金及技术支持，而且一般科研课题的要求完成周期是2至3年，有悖于学术研究的一般规律，这些因素同样为高质量的科学研究增添了难度。但主观原因更应引起重视，从事科学研究，甘于寂寞的心态与持之以恒的精神是必不可少的。对于考评体系的构建而言，在数量与质量认定中仍需要进一步实践与研究。以下是评价体系的分值说明，供教师参考。

1.出版教材

教学用书或出版教材应为当年新编（5万字以上）20—30分。

2.教学成果奖

精品课、教材、其他教改项目获国家级成果奖40—50分，获省部级30分，获校级15—20分。

3.科研项目

为当年正式结题项目。承担国家级项目40—50分，市级20—30分，院级15分。

4.学术著作

学术专著（8万字以上）40—50分，学术论著（6万字以上）25—35分，译著（5万字以上）10—20分，编著（5万字以上）10—15分，个人论文集、个人作品专集10—20分。

5.学术论文

核心刊物（被A&HCI收录）15分，重要刊物6分，一般论文4分。

6. 作品发表

发表于正式出版社的大型画册一次2—4分，一般画册刊物一次1—2分。

7.作品参展（设计参赛）

国际大型展览、国家级展览25分，国外专业性展览、全国美术家协会各专业艺术委员会、专业学会举办的单项展览或赛事4—6分，各省市美协组织的美术作品展、联展、邀请展2分。

8.设计（创作）作品被采用

与教学或学术研究有关的设计（创作）作品被国家大型活动或场馆采用15—20分，被省市级大型活动采用5—10分，被一般场地或活动采用2—5分。

9.个人展览

在国家级美术馆展出为30分，地区性或专业院校为15—20分。

10.个人作品收藏

国家级博物馆、美术家协会收藏10分，省市级美术馆5分，院级收藏3分。

美术学科的开放自由与科研管理的系统性是科研评价体系的双生面，教师科研成果考评体系并非仅仅是监督机制、考评手段、激励措施，其核心目的应是营造一种良好的学术氛围，为教师提供更大的研究空间及更多种可能性。但现实状况是，很多教师在这种体系下会有紧迫感，仅仅为了考评分数而努力，忽视了科研本身。这种现象看到了评价体系的应用价值，但在数量达到要求的同时，如何真正提升内在质量，还需要教师及管理者共同努力。

（注：本文为北京市属高校人才强教资助项目和天津市高等学校人文社会科学研究项目成果之一，项目编号：20112130）

参考文献：

[1]孙海垠，纵深.从文化公德自律理论阈阐释艺术管理及其孵化教育[J].北京联合大学学报，2011.

篇(2)

传统中国画的国际化是阳小毛教授必须面对的课题，阳小毛现任江西财经大学教授、硕士生导师，早在2002年公派去法国学习期间，就有一个问题缠绕着他的思绪，偌大一个巴黎，几百家画廊、艺术馆、博物馆，却很难见到一幅地地道道的中国画，不是欧洲人对中国传统文化不感兴趣，而是中国传统文化与欧洲文化背景的巨大差异，使欧洲人在相当长的一段历史时段中不可能明白中国画的玄妙，文化的传播与文化的对接需要时间去磨合。

作为一个有民族责任心的画家，阳小毛十分清楚这一点，要让欧洲人看懂中国画，那么中国画的国际化，中国民族绘画与国际接轨是中国艺术家绕不开的话题，作为中国画的绘画语境当随时生转型，这是历史的必然。在巴黎期间阳小毛与来自国内各美术学院的教授艺术家学者探讨这一命题。他欣喜地见到一些毕业于中央美院的留学生，在法国春季沙龙、秋季沙龙中所作的各种尝试，异国的环境迫使他们求变，他们汲取许多西欧艺术的元素融入传统的中国画，使之中国画更具现代意识，也就更易于让大胡子的老外大致明白，起码是先从视觉上产生共鸣。他开始以国际化的目光关注传统的中国画，如何让中国画走向国际，自觉地成为他的一份责任，青年时代他对西洋画的民族化进行过深入地学术探讨，阳小毛教授是在西方形式构成美学理论影响下切入中国画的，然后回归到传统。他发现中国传统绘画与现念是吻合的，只是如何丰富传统形式的艺术表现值得去尝试。他十分关注中国画的国际化与现代化，他要让更多的海外人士了解具有民族特色的中国画。自2001年他在美国华盛顿举办画展、2000年在中国北京举办画展、2002年在法国巴黎举办画展之后，2010年到来之际画家阳小毛将自己的画展办到了韩国的国会，韩国的国会副议事长以及许多的国会议员观看了画家阳小毛的画展。画家阳小毛的作品被收藏，许多阳小毛早期的创作由上海人民美术出版社、人民美术出版社出版，这些90年代的大量印刷品在收藏界流传，并有学术论文译成外文在一些国家与地区传播。

画家阳小毛曾在中央美术学院研修西洋画，随之公派赴法国巴黎深造，坚实的造型能力和色彩基础为提升和改造中国画建立了自己的学科体系，力求传统的中国画与国际接轨，他认为无论中国画与西洋画的差异有多大，最终均属视觉艺术，视觉艺术具有自身的视觉规律，这就为中国画的国际化、现代化，中国画的突破与创新提供了可能。阳小毛将传统的中国画传播到世界各地，在让世界了解中国文化的同时使自身更多地了解了世界。他走出了传统与地域的局限，与其他本土艺术家所不同的是，他将自己的目光投向了一片蔚蓝色的海洋，投向了一个更加广大的视域。

艺术简介

阳小毛：中国著名画家，江西财经大学教授，硕士生导师，中国美术家协会会员，中国画百杰艺术家。大学本科攻读西洋画，先后于中央美术学院深造绘画艺术，公派赴法国巴黎研修欧洲美术，20世纪80年代由上海人民美术出版社，人民美术出版社出版的大量印刷品和早期的水彩画在国内收藏界和海外广泛流传。坚实的造型能力和色彩基础为提升和改造中国画建立了学科体系，力求传统的中国画与国际接轨，他认为无论中国画与西洋画的差异有多大，最终均属视觉艺术，视觉艺术具有自身的视觉规律，这就为中国画的国际化、现代化、中国画的突破与创新提供了可能。画家阳小毛对中国画新视域的拓展做了许多有益的探索，全国许多媒体《中国画家》《当代名家》《美术时空》《书画名流》《文化娱乐》等专题介绍画家阳小毛与作品，专版介绍《画家阳小毛掠影》刊登于人民美术出版社《水彩艺术》丛书，曾多次荣获全国及省市各类奖项，两次荣获市政府奖。

1998年中国画《女性之光》参加日本东京第51回国际文化交流展

2000年在中国北京举办画展，并由《北京日报》《中国日报》予以报道

2001年在美国华盛顿举办画展，并由《华盛顿邮报》《美术报》予以报道

2002年在法国巴黎举办画展，并由《欧洲日报》《欧州时报》予以报道

1989年《祖国在我心中》上海人民美术出版社三次再版

2007年《阳小毛中国画作品集》中国民族美术出版社出版

论文《陷入温柔泥沼的当代美术》发表于《美术报》

论文《精神的追寻与放逐》发表于《美术报》

论文《漂泊的家园》发表于《北京日报》

论文《水彩特质的雨雾欧洲》发表于《美术报》

篇(3)

关键词：传统工艺美术，现代室内装饰

 

社会的进步、经济的发展使人类原有的生活环境和审美情趣发生了很大的变化。由于人们对传统工艺美术产业的错误定位和认识，以及当前工艺美术产业的不景气，使得人们对工艺美术的认识就是低知识、低技术，手工艺的小作坊，从业者是知识水平低的人。这样的认识的高学历者和艺术专业的学生，无人愿在就业时选择工艺美术。虽然部分学校开设了工艺美术专业，但毕业生也都转向了其他专业就业，使大师后继无人，没有徒弟可带。工艺美术门类正面临着日渐稀少、后继无人的局面，使许多本身就具有局限性的传统工艺美术面临危机与挑战。毕业论文，传统工艺美术。在此情况下传统工艺美术如不随着时代的变迁而改变，将会慢慢淘汰，淡出历史舞台。

中国传统工艺美术在经过了漫长的历史沉淀后，虽然失去了原来的主流地位，但它仍然继承了以往的优秀传统，保持着中国工艺造物的一贯美学特征，已经形成一定的象征模式并融入社会之中。工艺美术是中华民族优秀的文化遗产，其独特的艺术构造、丰富的表现形式、鲜明的民族特色都反映了生活的直接性以及艺术风格的多样性，对现代设计产生了重要的影响。传统工艺美术在现代社会的空间中有其存在的独特意义，在我们生活中工艺美术无处不在，有工艺美术作品的地方往往会吸引更多的目光，它是环境的一部分，是人们感受生活、释放情绪的媒介，这也是传统工艺美术的魅力所在。在众多的平面设计、室内设计、工业设计中到处都能看到传统工艺美术在现代设计中的作用。

社会的发展变迁导致人们在吃、穿、住、行、用等各个方面较以往都有了更大的不同，尤其是现在的青年一代，追求精神自由、张扬个性美感是工艺美术创新发展的原动力。家庭住房、物用品质、室内陈设等社会空间都是艺术家设计创新的空间，也使得传统工艺美术有了更加广阔的舞台。

二、室内装饰设计的发展概况

室内装饰是为了满足人们的社会活动和生活需要，合理、完美地组织和塑造具有美感而又舒适、方便的室内环境的一种综合性艺术，是环境艺术的一个门类，现代的室内装饰强调以人为中心进行设计，大致可以分为两大潮流，一是从使用功能上对室内环境进行设计，如科学地通风、采光、色彩选择等等，以提高室内空间的舒适性和实用性；另一种是创造个性化的室内环境，强调个人的风格和独特的审美情调。室内装饰设计融合了现代科学技术与文化艺术，并与建筑设计、装饰艺术、人体工程学、心理学、美学有着密切的联系。它可以改善空间，对室内空间进行美化和修饰，通过选择与设计，创造一种理想的室内气氛，使人赏心悦目，怡情逸性。

我国现代室内装饰设计起步较晚，真正意义上的室内装饰设计发展是在上个世纪八十年代后开始的。随着经济的发展、社会的进步和观念的改变，人们对公共场所、办公区域以及居住空间环境装饰要求越来越高，促进了室内装饰设计的迅速发展。不管是公共场所还是家庭居室，现代室内装饰设计已经深入人心并得到了广泛应用。由于当时装饰设计及创作还没有形成较为成熟的观念和较为完善的体系，室内装饰设计局面比较混乱。有些一味照搬外国设计成果追求所谓的“西洋风格”，有些到处堆砌传统装饰样式强调所谓的“民族特色”，甚至于把不同风格、特点的设计元素混杂于一室已达到“中外合璧”的效果，粗制滥造的现象比较普遍。

三、传统工艺美术与现代装饰

中国传统工艺美术是中华民族智慧的结晶,其中包含着丰富的审美价值、深厚的文化底蕴和独特的艺术风格，可以为现代室内装饰设计提供借鉴和参考，具有很大的实践意义和运用价值。创造传统工艺美术品的目的就是美化人们的生活，很多制作精良的工艺品在古代就已经作为室内装饰物供人们赏玩，从审美特质上看，传统工艺美术品与绘画、雕塑等其他造型艺术相比，装饰性更强，更适合运用于室内装饰。

工艺美术的对象主要是手工艺品，而艺术设计是批量生产的工业产品。一个是传达了传统的道器思想，一个是体现现代人的设计理念。以往的工艺美术史论多是讲技术和现象，多是研究图案、装饰的问题，或者亦偏重于材料的工艺阐释。与工艺美术相对应的是道器，器指物质载体、道指精神内容，是相对于工艺美术领域的范畴而言的。而艺术设计的研究对象主要是人为事物。人为事物主要是指包含了人的设计思想和创造性理念的人化自然事物。工艺美术的“形、道、器”相对应的就是艺术设计的“造型、设计、产品”；传统的“制器和器用”就是当今的“产品和用品”。道器是传统的器物观念，反映了中国人的思维方式，而人为事物是当代的对设计的一种认识，二者互不排斥。

传统工艺美术与现代室内装饰设计结合，也是为自身的发展谋求出路。传统工艺美术以手工制作为主要生产形式，其蕴含的劳动价值量非一般工业品所能比拟。毕业论文，传统工艺美术。随着生产力水平的提高，传统工艺美术品的实用功能几乎完全被工业品所代替，从实用品转身变成仅仅充当审美对象的艺术品，褪变成为一种“小众文化”，其发展空间受到强烈挤压。可以说将传统工艺美术融入现代室内装饰设计，是对中国民族文化艺术进行继承和发展的有效途径。

无论是有着500年历史的景泰蓝采用的无机化学，材料学和金属加工技术，还是历史更久远的玉雕，牙雕所使用的加工工具，无不透视出科技和工艺技术的发展水平。毕业论文，传统工艺美术。而传统工艺美术之所以能够绵延不断发展数百年，乃至千年，其核心就是与时俱进，不断创新。工艺美术的传承需要现代科学技术与现代设计理念的不断注入。

四、方法

如何避免千人一面，是所有的设计师关注的话题。经过十余年的争论、反思和探索，目前，业界基本上已经形成共识：我国的室内装饰要健康发展，应该走一条符合我国国情的现代化设计道路，努力探求中华民族的文化精髓，同时吸收国外先进的设计经验，建立具有现代意识的真正体现中国特色的室内装饰设计理论和实践体系。毕业论文，传统工艺美术。毕业论文，传统工艺美术。在设计实践中，设计师不断探索创新，新手法、新理论层出不穷，各种文化艺术元素都得到了充分发掘，个性化越发明显。室内装饰设计风格也因而频繁变化，自然环保、民族特色、异域情调、前卫现代等风格随处可见，呈现出百花齐放、五彩缤纷的局面。

中国传统工艺美术包含着丰富的审美价值、深厚的文化底蕴和独特的艺术风格，可以为现代室内装饰设计提供借鉴和参考，具有很大的实践意义和运用价值。吸取中国传统工艺美术的材质元素、主题元素和地方文化元素并对现代建筑内部空间进行装饰和处理，使传统特色和现代建筑统一，对创造既有鲜明民族特征又具强烈时代感的现代室内装饰设计作品意义重大。传统工艺美术运用的具体方法多种多样，但是要符合室内设计的使用功能和环境主题，或繁或简，采取合理方式手法适度地进行装饰。

在现代室内装饰设计中运用传统工艺美术时，其原则是要符合室内装饰的特点。首先要契合室内使用功能和环境主题，合理适度的进行装饰，使装饰成为室内环境的亮点。第二，传统装饰品要与整体设计风格相适应，和灯光、家具、隔断、植物、陈设等相得益彰，符合整体美的要求。第三，在现代室内装饰设计中运用传统工艺美术元素既不能打破室内的整体性又要突出其现代感，不能把传统装饰进行堆砌而成为古代装饰的简单克隆产品。第四，尽量降低传统工艺美术中不适应现代装饰设计的限制性因素的使用，如玉石、金银器等珍贵的原材料、制作程序过于复杂和表现手法太过精细的工艺品，虽然有独特的装饰效果但都不适合普遍使用，要重视新材料、新工艺、新手法的运用。

在室内装饰设计实践中，应该遵循现代设计观念，将中国传统工艺美术元素融入现代设计理论、结构体系中，创造出符合现代人的审美情趣、思维方法的室内装饰。最基础的方式是将传统工艺美术的造型、图案、纹饰直接引入到室内装饰设计方案中，对传统装饰进行解构与重组，或者对材质、工艺和表现手法进行替换，延续其审美形式。在掌握了中国传统装饰艺术的造型方法、特点、规律之后，可以进一步对传统元素进行革新和再创造，通过抽象、变形或增加新的表现方式，产生新的形式和效果。

最有创新价值的方法是将传统工艺美术精髓真正融人到室内装饰设计中，不囿于传统装饰的现有形式，探索并创造出新的符合中国传统文化精神造型方法，真正实现室内装饰设计的中国化。毕业论文，传统工艺美术。这就要求我们充分挖掘中华民族丰富的文化资源，吸纳古今中外的文化精髓，在设计理论和实际实践上大力探索，不断拓展传统工艺美术的进步空间。

篇(4)

中央美术学院人文学院光的硕士论文《美术考前班现象研究》中讲述了“考前班的出现，反映了我国基础美术教育和高等美术教育系统衔接出现了断裂，但是美术考前班并不能是我国教育体制中的空白，它只是对于现有的高中美术教育应试的补充。基础美术教育和高等美术教育之间的衔接将是我国美术教育体制变革中面临的重要问题。”谢裕宣的《透视广东美术高考补习现状》介绍了改革开成二十多年来，随着广东高等美术教育的迅猛发展，遍布全省的美术高考补习班如雨后春笋应运而生，成为中等美术教育的补充型的教学模式，形成了以专业补习、生活管理和高考资询为一条龙服务的美术高考补习新产业。作为广州美术教育中一种颇具规模的新形式，寻找他形成和发展的根源，客观全而的透视剖析它给社会和高等美术教育带来的积极意义和负而影响。南京艺术学院黄从威的硕士论文《美术高考现象的分析及建议》一文中指出影响美术高考培训的主要因素是国家考试制度，次因素是美术类专业的扩招产生的，从而说明了美术教育的生态遭到了巨大的破坏。“美术培训”成为功利性的产业而存在，影响着美术高考的正常进行并产生一些不良的社会现象。杭州师范大学硕士研究生尹玲的《美术高考现状调查与分析》中以中国美术学院象山校区所在的转塘镇为调查对象，对现阶段美术高考培训机构发展现状及学生学习现状进行调查、分析和总结，得出了“艺考热”有所降温，总体趋势向理性发展的结论。提出了美术培训的健康发展需要教育主管部门加大相关政策法规的力度和培训机构的大力合作，另一方面也需要学生从理性出发，从兴趣出发而选择美术高考这条路。首都师范大学李泽云的硕士学位论文《校外美术教育市场化初探》提出校外美术教育市场化繁荣背后所隐藏的价值观、师资、教学质量、教育设备、教学管理、教育内容陈旧、部分办学机构不稳定等诸多问题，针对这些问题提出了可行性建议：①政府对美术高考培训既要扶持又要监管；②家长参与教学管理；③教师提高教学质量；④创业者建立并巩固自己的核心教师队伍、强化社会责任感的同时创立自己的个性美术高考培训教育品牌等等。

二、美术高考制度与美术高考的关系

四川工程职业技术学院艺术系谢建华在《美术高考制度的现状分析与对策》通过分析认为目前美术高考制度存在几个方面弊端：①对文化理论课程的轻视；②考试内容的固化和单一导致对中国传统艺术及世界艺术多元化的漠视；③对创造能力的湮没；④美术高考内容与学生所报专业的错位。认为应该从以下几个方面来解决上述问题：①录取时，文化与专业要并重；②美术高考中，对中国传统及民间艺术的侧重；③考题应根据不同专业有不同变化，加大对艺术综合能力的考核；④对考题的审美标准应多元化，强调艺术创造力；⑤在阅卷中，实行初审、复审、终审三步骤，评审老师年龄老、中、青搭配；⑥美术人才的民间选拔与高考选拔相结合。河南省青年管理干部学院的李勃和吴杰的《对美术高考改革之路的建议》跟上文大同小异，都强调了文化和专业并重、传统与民间艺术的侧重、艺术综合能力考核等等。中央美术学院人文学院光的硕士论文《美术考前班现象研究》从高校扩招、社会和需求压力、高校变革等方面阐述了美术高考制度是导致美术“高考热”的根源。

三、美术高考的利弊分析

湖北大学艺术学院的杨帆在《试析美术高考培训产业对大学生就业的积极作用》中对美术高考培训产业的发展现状、高校艺术类毕业生严峻的就业形势进行分析，从美术培训产业对美术类大学生就业具有积极作用。浙江工业大学的王东在《高考美术“速成班”的利弊分析》一文中分析了校外美术教育“火爆”的原因、高考美术“速成班”的利弊分析和如何避开其中弊端的解决方案。

四、美术高考相关的教学方法论的阐述和新解

首都师范大学的席卫权博士在其博士学位论文《国内普通中学艺术设计教育研究》中从新的视野和新的角度阐述并提出了被忽视的设计教育在普通中学美术教育中所体现的更全面的教育价值和综合课程优势。提出了：①归属学校美术教育的设计教育与一般美术教育是“和而不同”的观点；②对国内中学设计教育的发展历史进行的梳理，将国内中学阶段的设计教育沿革概括为五个阶段：追求实用的开端、理想化的成长阶段、渐趋边缘化的沉寂阶段、恢复成长的阶段和向现代设计教育转型的阶段；③根据对中学教育发展史的考察，通过借鉴国外经验、传统文化剖析和师资状况等方面的总结和归纳出现代学校设计教育发展过程中的一些关键方向；④以综合创新、情感慰藉、设计伦理和持久兴趣等为代表的几个关键目标指向作出了较为详细的状况分析、规划策略、课程设计和教学建议等。并从课程建构和教学实施的可行性角度对全文作出了总结和展望。

篇(5)

【关键词】初中美术 人文素养 教学现状 教学策略

【中图分类号】G633.955 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2016）09-0231-02

一、初中美术教学中存在的问题

随着社会的发展，国家教育部门也越来越重视学生人文素养的培养。新课标的实施，使初中美术课的人文教学能够顺利实现，并取得一定的成果。但是在实际的教学中，还存在各种问题。

1.学生的主体性地位不被重视

目前还有部分学校把对学生考评的重点放在文化课的考试成绩上，以教师的教学为中心，学生处于被动状态，忽视了学生的兴趣和特长。美术教学的重点是提高学生的主体地位，提高学生的学习兴趣。激发学生的想象力和发散思维。在文化学习中融入美术知识，发挥学生的主管能动性。

2.教学目标设计缺乏人文素养

主要表现在两个方面，一方面教师多以学生的考试成绩来评估学生，而不是鼓励学生培养情感和价值观。作为教师，应该引导学生激发创意，充分的表达自我，实现自我。另一方面，美术课程在很多地方尚未编入教学目标，仅将人文素养教学话语中，并没有真正的付诸行动，这不利于人文教学的发展。

3.教学评价体系缺少人文素养

在以往的教学中，教学评估体系比较单一。评估中往往是只中结果不中过程，这不利于人文素养课的推进与开展。单一的教学评估体系限制了学生的创新能力和创造能力的发展。教学评价在整个教学计划中起着重要作用，能够发现学生的不足和激发学生的发展潜力，促进整个教学计划的调整。在教学评价中突出以人为本的理念，突出人文价值取向，能不断的促进美术课程的推进和美术人文素养的提升。在教学评估中不能只注重学生的分数，学生的发面发展更加要重视，激励学生的学习热情和创作的能力，培养学生的潜能发挥。

二、初中美术人文素养教学策略

1.构建良好的师生关系

随着教育的发展，学生的主体地位在教学中越来越得到重视。学生不单单是一个听课者，逐渐的变为教学的主题，教师也不再是原来的说教者，而成为学生的引导者。教学角色在不断的变化，不断的适应教育的发展要求。同时也体现了对学生主体地位的尊重，促进和引导学生自我能动性的发挥。在教育观念转变的大背景下，教师也要转变观念，不断的去了解学生的价值取向和行为习惯，协调好师生关系，突出人文关怀。在和谐融洽的师生关系中，学生能够更加的自由自在，更加的有信心，可以充分的发散思维，实现个性发展，为人文素养的进一步提升做准备。

2.了解教材人文内涵

美术教学是美育的直接表达方式，是人文精神重要的培养方式。通过将自然界和现实的事物听过艺术手段来描绘出来。在描绘的过程中，描绘者需要投入自身的情感，融入自身的认知，赋予作品生命。作品不单单是一幅画，而是具有了活力和情感。初中美术教材中融入了大量的国内外优秀美术作品。这些作品都是东西方文化的精髓。教师应该首先认识到美术教学在学生人文素养培养中的重要性，不断的引导学生品鉴优秀的艺术作品。加强师生之间的相互了解，不断提高学生对学术的认识和对美得认识。

3.构建平等、和谐、民主的美术教学环境

良好的环境是人文素养培养的基础，良好的师生关系、教学环境等都与人文素养的培养有着直接的关系。良好的环境，有利于培养学生独立、自尊的优秀人格，还可以增加师生之间的互动和默契合作。所以美术教师要充分利用这一点，加强在和谐的环境中开展教学，增加人文关怀。重视课堂教学环境，让学生在关爱的环境中成长。让学生体验到教师的关心，增加师生、同学之间的感情。构建良好的师生关系和同学关系，促进心灵的交流对话。

4.了解学生学习状况，加强培养学生人文素养

在现代教育中提倡“以人为本、以学生为本”的全新教学理念。现在是信息化时代，学生的学习途径更加的多样化，不再是单一的书本，这样有利于学生思维的多样化和思辨能力的提升。教师要充分了解学生的特点，做到言传身教。在长期的教学中，教师积累了大量的教学经验。应当不断的进行归纳和总结。教师也要不断的提高自身美术专业素养，提升自身美术欣赏水平和美术技能，把美术和其他文化课程有效的结合，促进文化课的学习，促进教学的不断推进。教师要利用自身的影响力促进教师与学生的交流。

5.更新教学理念，优化美术教学过程

在以往的应试教育中，美术教学不受重视，甚至是可有可无，时间经常被挪用。在教育改革的新时期，教师应该认识到美术教学的重要性，改变以往落后的教学模式，进行教学模式的创新。要走出课堂，增加交流与沟通，提升创造和长信。培养学生的细信息和自尊心，积极表达自己的看法，真正成为课堂的主体。教师要转变以往的教学理念，增加教学的趣味性，调动学生的积极性和主动性，在学习中不断提升学生的人文素养。

三、结语

人文素养的培养是一个长期的过程，不是一蹴而就的。在当今社会，人文素养的发展对我国的社会主义和谐社会的构建具有重要的作用。在教学过程中，教师要充分利用美术教学这平台，提升学生的人文素养。实现学生的人文素养的不断提高。

参考文献：

[1]凌国荣.初中美术人文素养教学策略探究.合肥师范学院硕士学位论文，2014.

[2]王晓婧.初中美术教学与健全人格培养研究.温州大学硕士学位论文，2011.

篇(6)

[论文摘要]美术课程是一种人文课程，是人文主义精神的集中体现。美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺，而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。

教育的人文主义是以人的和谐发展为目标，希望人的本性、人的尊严、人的潜能在教育过程中得到最大的实现和发展。在我们提倡素质教育反对应试教育的今天，人文主义教育观对我们现行教育有很好的指导作用。美术教育作为一门学科教育，它有自己的独特性，它主张以学生自身的发展为目的，强调发展人的天性，发展人的个性，发展人的潜能。因此，用人文主义教育观来指导美术教育是顺应时代的潮流，是未来教育的一个发展趋势。

美术课程是一种人文课程，是人文主义精神的集中体现。人文主义指的是一种高度重视人和人的价值观的思想态度。它注重人的自由与平等，人与社会、自然之间的和谐。美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺，而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。它记录着不同时代的文明，闪烁着人类的智慧、代表着人性的深度。美术是人类情感和精神生活的创造表现。任何美术表现形式都包含着一定的情感和思想。学生通过美术学习与自己情感生活的连接和相互作用，学习用美术方式表达和交流情感，使学生的不良情感情绪得以释放和宣泄，恢复他们心理的平衡，从而获得创造、表现和交流的能力，达到健全人格，陶冶性情的目的。因此，通过对美术的学习，将使学生的审美情趣和能力不断提高，性情不断得以陶冶，从而增强对自然和生活的热爱和责任感，形成尊重和保护生命和自然环境的态度，以及创造美好生活的愿望与能力。可以说，美术已经成为人文教育的核心学科。

美术课程的人文性开始受到广泛的关注和重视。美术教育作为一门基础学科教育，它没有应试教育的功利性和目的性，能更好地贯彻人文主义教育思想。即使在高等教育阶段，美术教育作为艺术教育的一个重要组成部分，其教育目的和作用也开始受到越来越多的重视。1997年5月，北京大学隆重宣布成立艺术学系，并明确表示：希望通过在全校开展艺术教育，培养学生的艺术感受力与理解力，用艺术生动的表现形式陶冶他们的情感，使他们具有更高的精神境界、更开阔的胸怀和眼界、更丰富多彩的生活经验和人文修养、更健全的人格，成为21世纪合格的人才。我们知道，当下的美术教育不再是传统的素描、绘画、版画、雕塑课程及欣赏课，它有了更宽泛的内容。在欧美很多国家，开始用视觉艺术教育来代替美术教育，它超越了传统的“纯艺术”范畴的教育，为学生提供了更广阔的艺术教育。美术教育的对象不是针对那些对美术感兴趣的少数学生，而是面对全体学生的，倡导全面发展的人文主义教育理念。强调通过直觉、推理、想象、技巧以及表达和交流的独特形式过程逐渐形成丰厚的文化修养。美国的《艺术教育国家标准》在强调美术学科结构特点的同时，始终贯穿着以学生发展为本的思想，内容标准是根据学生达成目标来制定的，注重学生在参与美术活动时的感性体验，发展美术创造的基本能力。中国现行的美术教学也开始以强调美术学科体系转向激发学生创新意识和创造精神，强调以学生发展为本的精神。因此，用人文主义教育观来指导美术教育，成为对现行教育进行改革的一个重要理论依据，开始受到更多的关注。

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论文摘要:我国高校师范美术教育课程的编写逐渐从单一的绘画，向多门类、多方面、多层次发展，结合高校师范课程，所培养的应是走进学校的美术教师，而现阶段高校美术课程设置与中小学美术课程脱节较严重，这就要从高校的课程设置着手，调整高校师范美术的课程结构，加强教学实践，使其与基础美术教育课程相接轨。

美术课程设计，通常是指学校设置美术课程类型和对不同的美术类型课程的教学目的、内容、进程、评价等设计的总体方案。

1、高校师范美术教育课程的教育目标和意义

高校师范院校承担着中小学的师资培养任务。因此，做一个热爱美术教育事业、甘当人梯的普通老师是师范类高校的教育目标。其次，其专业设置面广，无论是国画或是油画，无论是实践还是理论，无论是工艺还是实习等均为必修课，其目的是使师范生根据教学目的及其特点，全面掌握美术知识和技能并运用到教学实践中。

高师课程设置应该以各门美术技能专业为主，与教育学、心理学、中外美术史等相结合，形成立体交叉思维、教育模式。

通过自己的实习，发现在中小学美术课堂中折射出的问题更严重。走进中小学的课堂，发现现在的中小学除课堂正式教学外，兴趣班开设的也较多。除了素描色彩之外大多都有版画、泥塑、陶艺、书法、篆刻、手工制作、拼贴、剪纸，小学还有儿童画创作课。

2、怎样使高校美术教育与中小学美术教育相接轨呢?

(1)首先大学教学与课程设应该与社会的发展及教学的更新相适应。课程设计应紧追时展的步伐，课程的开设应具有鲜明的预见性，把学生培养成多元化的全能人才，以适应社会的发展。所以，大学应该不断地进行课程更新以切实与中小学美术教学相配套。比如，开设一些多媒体、手工的操作实践课、VIDIO(影视制作)、电脑设计课，学习flash动画等相关课程。针对小学涉及一些手工制作、拼贴、剪纸，儿童画创作等课程。这样高校美术教育专业的学生将来才能运筹于中小学美术教育这片领地。

除了教学设施与方式要配套外，还要提高美术学科大学生的综合素养。美术教育专业的学生要在力求精通专业知识的基础上拓宽知识面，适应当今对基础教育理论的扩充，以最大限度地扭转美术学科大学生综合素质低的这一现状。

(2)调整高校师范美术教育课程结构，加强教学实践

A、要修订高校师范美术教育专业的课程目标

综观我国高等师范院校现行的美术教育课程计划，可以发现高校美术教育课程仍偏重技能性训练方面的内容，如造型表现训练的课时占很大比例;美术创作至今仍然是师范类毕业生的重头戏，也是评价其能力的重要标准。很明显该课程计划还是以培养专门从事艺术作品创作的艺术家为方向的，仍然保留着专业美术院校课程设计的痕迹，在目标上有大同小异之感。现在把美术创作定为是评价毕业学生能力的课程科目，就不如改为以美术课堂教学的形式来评价学生的能力，更符合《标准》对美术教师素质和能力的要求。

因此，高校师范美术教育的课程目标的制定，应该注意这些方面问题:既注重以美术教育学科为中心，又要兼顾实用艺术、综合艺术和人文知识的教育;既要注重各类艺术的审美和艺术表现过程的教育，又要兼顾基础技能的训练;既注重比较宽泛的艺术学科知识的教育，又要兼顾学生独特美术个性需求的发展。同时，还必须对学生从事美术教育必需的教学组织、实施和教育科研的能力进行培养和锻炼，使高校师范美术教育的课程目标清晰化，才能够设置出适应当前中小学美术课程改革要求的课程体系，才能防止高校师范美术教育办学方向偏离轨道。

B、重整高校师范美术教育的课程体系，加强教学实践

目前，有相当一部分高校的美术教育专业的课程体系，很大程度上偏向专业美术院校的课程设计，多以专业画种或美术门类为设置主线。高师教育是以多门课程为基础，技法课和理论课相结合，与教育学、心理学等相关学科相互结合、渗透、融会的一种学科。

这样的体系难以与《标准》[1]的目标要求、课程结构和内容相适应。对于美术教育专业的教学实践尤为重要。《课程标准》[3]指出“学习内容应适应高中学生的实际能力，不宜过高、过难，过于专业化”。《标准》规定的美术课程，其内容和量及涵盖的面更为宽阔。教师除了应具有造型艺术的知识及技能外，还涉及了实用艺术、表情艺术和综合艺术的知识。所以，高校师范美术教育的课程体系应该减少单独开设的技能课程的门数，把一些技能课程、史类课程和相近课程进行合并，以确保有课时空间来调和课程结构。合并后的技能课程其知识性、体验性的掌握，比技能性掌握更重要。如版画与雕塑、油画与水彩，其体验的过程比技能的掌握更重要;技能传授，教师的演示比口述更重要。比如说有48学时的雕塑课程或48学时的版画课程，那在这个时间里能够培养雕塑艺术家、版画艺术家出来吗?不能。

3、通过课程调整对高校师范美术教育体系的要求与建议

通过课程的改革调整使高校课程同基础教育美术课程接轨，这就要求高校师范美术教育的课程体系应走出过于专门化的美术教育，尤其是专门技术化的狭小天地。从纯艺术领域到实用艺术领域，从理论领域到技术领域，从审美领域到创造领域，从普通教育领域到艺术教育领域都应涉及，从而建立一套完备的课程体系，使其更加完善与发展。

由于调整后课程体系容量大，在课程内容的难度上和教学方式、教学方法上要与专业美术学院拉开距离，从而才能保证教育科目的课时和学习效果。

参考文献

[1]常锐伦:《美术学科教育学》，首都师范大学出版社，2000年版