自我意识心理论文精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇自我意识心理论文范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

关键词：心理健康教育 技校生 初探

中图分类号：G63 文献标识码：A 文章编号：1672-3791（2014）06（a）-0221-01

人体的健康包括生理健康和心理健康两个方面。近年来，心理健康问题逐渐引起全社会的重视。国务院的《关于加强未成年人思想道德建设的若干意见》，明确提出：“要加强心理健康教育，培养学生良好的心理品质。”

技校生年龄一般在十六七岁至二十岁，正值青春期或青年初期。这一时期是人的心理变化最激烈的时期，也是产生心理困惑、心理冲突最多的时期。一些学者甚至把技校生所处的这个年龄段称为“暴风骤雨”的时期，认为这个年龄的学生极容易产生各种犯罪或情绪的问题。由此可见，对技校生开展心理教育刻不容缓。

我校组织相关教师采用临床症状自评量表（SCL-90）对我校在校生进行调查。本次调查回收有效问卷1022份。从调查结果中发现：有28.2%的学生存在不同程度的心理健康问题，有11.5%的学生有明显的心理健康问题。有20%的学生有不同程度的人际关系敏感。

在分析问卷中，我发现我校学生的心理问题主要集中在学习问题与自我意识的认识上，比如学习上的挫败感导致自卑与厌学。其次是自控能力较差，道德意识薄弱。

技校生大多是基础教育中被忽视、被冷落的弱势群体，部分学生有一些模糊的道德认识，如“不受纪律约束才自由实惠”“小节无害，文明吃亏”“打不服别人要受欺”等等；有的学生缺乏集体观念，自控能力较弱，常受个人欲求的驱使，很少考虑自我和集体需要之间的协调；受个人情感的驱使，常常忘记道德准则；有自制的愿望，但又缺乏坚忍的自制力。行为上常以吸烟、乱花钱、逃课、迷恋网络来掩盖其自信心不足，用违反校规甚至用的行为来补偿内心的失落感。

为此我们制定对策，在全体师生中强化心理健康教育。

（1）组建心理健康教育教学团队。

我们组建了由2名优秀教师组成的心理健康教学团队，并鼓励青年教师参加国家二级心理咨询师培训，增强心理健康教育师资力量。目前，多名教师获得了心理咨询专业证书。我们还组织课题组成员、心理健康教师和部分班主任老师参加心理专题培训班的学习。

（2）建立心理健康教育第一课堂，在全校所有在校班级开展心理健康教育。在所有班级中，开展以班主任为心理导师，面向全班学生的，旨在促进学生整体素质发展的班级心理教育。并且开展专题个案讨论式学习，由班主任在班会课上组织教学。

（3）开展主题性心理健康教育活动。安排如下：一月：召开心理研讨会。二月：各班设心理委员，召开心理委员培训班。三月：制定心理键康教育学年计划，召开学校心理健康教育工作会。四月：学生心理调查、心理健康教育月、选择心理健康教育实验班、成人宣誓、青春期教育。五月：心理咨询室举行心理健康教育讲座。六月：心理健康案例征集。七月：班主任心理健康教育培训。八月：心理健康教育社团活动。九月：新生心理健康问卷调查、印发心理健康教育校本培训教材。十月：聘请专家进行心理健康教育讲座。十一月：学生心理健康教育讲座、教师心理健康教育论文评选。十二月：心理健康教育年终总结。

（4）建设“心理健康教育QQ群”。选择班级、年级有侧重地进行“心理健康教育QQ群”的应用研究；采用个案研究法，选择班级、学科、教师、学生进行基于网络环境的心理健康教育个案研究。

（5）创建心理博客。我们设置了“训练目标”“焦点新闻”“心灵之约”“心理课堂”“心理档案创新版”“听你倾诉”“七彩青春”“与你共享”“生理健康”等九个栏目。

（6）在校园网内开设每人一个的教师电子信箱，设立“师生论坛”，用于学生与班主任、学科教师的心理交流。

（7）创办“家长心理教育学校”。

（8）拓展网络内外的心理对话通道――开设“悄悄话热线”“心理氧吧”。网络内外的心理对话深受学生的欢迎，有些毕业生到了矿上，遇到心理困惑，半夜三更还发短信给我们负责“听你倾诉”的老师，希望得到老师的指点。

经过一年的探索与实践，我们初步创设了“对话―生态”式网络化心理健康教育环境。

在这样的一个心理健康教育环境中，第一，我们强调将学习的时间、地点、进度控制权交给学生，在主动、交互式的学习中，真正形成以学习者为中心，以实践为中心的现代学习方式，引导学生系统认识心理健康教育体系，使学生发现自己的心理潜能与学习热情，促进其身心素质全面和谐发展，为学生的可持续发展奠定坚实的基础。

第二，我们还形成了技校生心理健康教育网络化的管理和运作模式，而且我们初步健全了学校、家庭、社会德心一体的学习性支持系统，实现德育和心育的一体化。

篇(2)

受访地点：陈静工作室

受访人：陈 静

采访人：李 恺

一开始你画“那个人”就是“那个人”，慢慢的你会生成自己的主观想法……“物我统一，物我两忘”……你画的既是客观上的对象，又是主观上的自己……

SHMJ：可否简单介绍一下你在艺术研究院学习、创作的情况？

陈静：决定来到艺术研究院读博士是因为十分敬仰杜滋龄先生，很早以前就得知杜先生是为人低调而踏实的学者，随着对杜先生及他的艺术主张深入的了解，也就越发的下定决心来到北京，向他求教。博士阶段可能是我人生的最后一段学生生涯了，我很珍惜，现在我的生活很简单，我一直都让自己保持在“学生的状态”里，大部分时间是在上课，余下的时间自己画画、看书，我很享受现在的状态。

SHMJ：据我所知，杜滋龄先生曾经多年投身于艺术媒体的工作，除了创作以外他对于理论的梳理和积累非常丰富。他对你专业上有什么要求吗？

陈静：在理论方面，因为博士阶段理论课已经很多了，杜老师除了希望我多看些书之外，更多的是对我绘画上的要求，他提倡多写生，要求我保持画速写的习惯，在宿舍、或者在公车上等等，走到哪里就画到哪里。这段时间我也是这么做的，我常常去住处附近的一处菜市场写生，有时候也会住到农村去，深入到普通老百姓的生活里，画了不少的速写。有了速写的积累，最大的体会就是创作的时候感觉更自如，人物形象也会更生动。

SHMJ：“写生”的训练对于近代中国“写意画”产生了哪些方面的影响呢？

陈静：不仅仅是现在，古代的画家们也非常重视写生，或者面对面直接写生，或者目识心记。绘画从来就不是“闭门造车”的事情，艺术家不能脱离生活，石涛曾经说：“搜尽奇峰打草稿”，自古以来画家们就在利用写生的方式搜集素材，写生不是照搬绘画对象，而是“外师造化”与“中得心源”的主客体统一的创作过程。艺术既要表现生活的丰富性，又要在头脑中进行艺术加工，并用笔墨加以表现，去粗存精。写生跟临摹前人的作品不同，临摹名家作品的时候，这些作品中的构图、笔墨和意境都是经过深思熟虑的经营过的，但是自己写生的时候，你需要自己去构思、布局，因为你不能把现实中看到的全部照搬到画面上，所以必须删繁就简，作出取舍，这个过程里是有画家的思考和主观处理的。近意人物画的造型是引进的西方造型体系，这就更需要写生的练习，写生是训练造型手段的一个重要途径，作为写意人物画来讲，要通过写生的训练，学习熟练用“线”来概括形象的能力。

SHMJ：对于写生和创作的关系你是怎么理解的？

陈静：刚才讲过，写生不是生搬硬套，除去技法层面，绘画的灵魂还是表现人内心的东西，而不仅仅是在画面上作技法的展示。人物写生的时候，一开始你画“那个人”就是“那个人”，慢慢的你会生成自己的主观想法、主观意识，把自己的感情倾注到所表现的的人物上去，进入“物我统一，物我两忘”的过程――这时候你画的既是客观上的对象，又是主观上的自己，这就是创作了。在我看来，绘画是一个“从心”的过程，石涛说“笔受墨，墨受腕，腕受心”，我们常说画如其人，抛开技法层面不讲，创作的时候你不必刻意摹仿前人，你只需跟随自己的内心，表达自己的情感，你的作品就会与众不同。

SHMJ：人们一般称这样的状态为“境界”。目前阶段你的创作有什么想法吗？

陈静：这段时间我的想法特别多，之前绘画技巧也算有了一些积累，我觉得过分注重绘画技巧可能是优势，但也可能成为创作上的阻碍，往往竭尽全力去表现的时候，反而技术成为了某种束缚。我设想能摆脱掉一些东西，寻找适合自己的表现语言。传说中的“南禅”祖师“六祖慧能”法师本身不识字，于是就不去读文字形式的经文典籍，他的理论是“不立文字直指人心”，首先他是“怀疑主义者”，他怀疑那些经书在翻译、讨论、引申过程里偏离初衷成为了某种束缚，于是“六祖慧能”主张打破文字的束缚，去直指人心。我认为绘画也是这样的，那些笔墨、造型的训练到了一定程度反而会成为束缚，我想有必要再去打破这个束缚，反思我们的初衷。

当代水墨画家们在表现语言上有很多探索，写意画的趣味性、形式感倾向与传统的表现形式已大大不同，我的创作思路和表达方式也在不断的探索思考中。

SHMJ：你是如何看待主观情感和作品形式之间关系的呢？

陈静：一切视觉艺术都有的共性是：“有意味的形式”，这话是克莱夫・贝尔说的，我非常喜欢他的《艺术》那本书，其中有句话是这样说的：“在一件艺术品中，每一个形式的形状都是由艺术家的灵感确定的。”如何在作品中处理情感与形式之间的关系，我想从反面来说，情感和形式的关系中哪怕是一个环节出了错，整个作品就失败了。既不能用做作的情感去组成形式，也不能用东拼西凑的形式去表达情感。克莱夫・贝尔说：“那些并非出于情感需要而搞出的形式，那些仅仅在于阐明事实的形式，那些按照制图理论搞出来的形式，那些摹仿自然客体或摹仿其他艺术品的形式，那些只是为了填充空间的形式――实际上就是为了打补丁的形式，因而都是一文不值的形式。好的绘画必须是由灵感完成的，必须是伴随着形式的情感把握而产生的内心兴奋的自然表白。”我想这段话已经很好的解释了画家主观情感和作品形式之间的关系。

SHMJ：绘画中的“笔墨”究竟是什么？它是一种体会呢，还是一种“语言”方式，你对于它又是怎么看待的？

陈静：从技法的角度去理解“笔墨”，它是构成水墨画的基础，是画家表达绘画的媒介。吴冠中曾说，“抄袭老的笔墨，抄袭人家的感情，虚假的感情，这就是笔墨等于零”，他的意思是说当一个画家自己不知道要去表现什么的时候，笔墨是没有价值的。他强调，“程式化的笔墨准则等于零”，其实他总结的很精辟。吴冠中并不反对笔墨，他自己也用笔墨，事实上他反对的是束缚，反对脱离一切条件和指向性去空谈笔墨。中国古代绘画到了文人画的鼎盛时期画面上几乎没有色彩，仅仅存留“笔墨”，一笔之间浓、淡、干、湿的变化必须要有味道，其实就是“黑、白、灰”的关系，再探究下去就是对于“绘画构成元素”的玩味与组织，很大程度上忽略了所要表述对象的内容。中国古人在很早之前对于绘画语言本体就展开了探索，绘画艺术一定程度上从叙事对象中解放了出来，抛开叙事内容或者不要过多的被叙述内容所束缚，也许更能接近于绘画本体。抛开叙事性、故事性，不再画某个情节，某个内容性的东西，而是更关注作品的形式感、意境。真正的艺术品是通过它本身的形式去打动人，而不是通过作品的形式所传达的信息和思想。再说到笔墨技法，中国的绘画的技法经过这么多年发展下来形成了很多程式化，比方说，皴法、十八描等等，这往往都是前人总结出来的精华，值得我们学习传承，但是如果后人一直持守则容易形成僵化、程式化的东西。我赞成画家依据表现对象的直接感受来作画。当你的技法积累到了很高的层次，不管画什么，怎么去表现，都是自然而然的流露。

SHMJ：艺术研究院的学习已经不再涉及技法的训练，那么你更注重那些方面探索和积累呢？

陈静：技法并不是说到了一定阶段就不用再去考虑它，是贯穿你一辈子的事情。画家的成长让他（她）不停地变，同样表达精神世界的方法（技法）相应也会起变化。博士阶段我想解决的是关于创作的一些问题，目前有很多思考，自己也想做一些尝试，这些我的画的选题、笔墨和构思上都会有体现。除了加强自己创作方面的训练，我也想多学习一些理论知识，写博士论文是一个吸收多方面理论，增强专业理论素养的过程和机会。想要画出好的作品，理论支撑是必不可少的。艺术研究院里的老师们视野比较开阔，理论方面的素养齐备，这些正是我们实践类学生相对欠缺的，他们等于是帮我们打开许多的窗户，使我们在艺术视野和理论素养上有很大提升。

SHMJ：多年来的创作实践中是否形成自己的主题、脉络？

陈静：我的绘画是偏写实的风格，接近现实主义创作观念，但现实主义不等于写实主义，我的初衷是去关怀现实生活，却不一定是依靠写实的方式表达对现实的关注。现实主义并不是对于再现技法的强调，是对艺术家视角、初衷的强调。创作写意画的过程相对很快，其中有很多感性和偶然性的因素。另外，带有感性色彩的书、电影、音乐我都会关注。关于绘画的主题，我常画一些农民形象，因为小时候在农村生活过，质朴、憨厚的农民是我感兴趣的题材，对农民怀有深切的热爱，希望表现出他们倔强、坚毅的性格特点，能画出泥土味儿来。同时，我作为一个80后的女孩，也喜欢画一些跟自己生活状态相关的作品，我的硕士导师张望先生经常以都市女孩为主题创作，传统的笔墨和时尚的都市题材相结合，通过现代女性这样一种意象化的符号，表达出对生命和美的探索和思考。目前我也在做各种题材和各种材料的尝试，并不局限于某种特定的主题，画什么不是最重要的，重要的是怎么画，关于个人风格，画画当然是要张扬个性，每个艺术家都在寻找独特的绘画语言和适合自己的表达方式，追求强烈的自我意识，因此画风也会不断的变化，吴冠中说：“艺术是野生的，艺术家的要害在个性，拒绝豢养，自生自灭，饿死首阳而不失风骨。”我想，个人风格的形成不应该是刻意为之的，画画不是制作，个人风格也不是故意设计出来的，而是一个自然而然、水到渠成的过程。很幸运的是总在我人生的关键时期遇到好的导师，他们都是很感性的人，会尊重自己的学生，不具体的限制他们，虽然已经是长者的年龄，但都保有赤子之心，而这方面对于我的影响比较大。我曾经临摹过我老师的一幅画，然后给他看，他的建议是不要临摹他的东西，可以看，但不要刻意的模仿，包括之前的老师也是这样，希望我画能打动自己的题材，有感而发创作出来的作品形式才能打动别人，引起看画人的感动。杜老师画过很多西部题材的作品，我从来没去过那些地方，如果硬要去学杜老师的画，其实仅仅能学到的范围只在技法上，感情怎么能抄袭呢？

SHMJ：水墨绘画遭遇当下语境后，从客观上呈现出怎样的现象呢？

陈静：我就具体谈一谈写意人物绘画吧，它并不像山水画、花鸟画、工笔人物画那样，唐代之前人物绘画盛极一时，它主要承担教化、记录社会等功能的。“两宋”以后文人绘画兴盛，特别是元代，由于是异族统治，所以文人们怀着压抑的心理寄情于山水，寻找心灵归宿；另一方面他们垄断了知识阶层，拥有话语权，也因此山水画大兴。历史上可以供参考的写意人物画作品相对于其他题材的绘画还是少一些的。反过来想，这也给予当下画家更多的发挥空间，不仅仅是“笔墨当随时代”，绘画表现的内容也是随时代的。在我个人的实践上，我更注重水墨材质本身的形式感和趣味感，每个艺术家的个性不同，适合自己的表现语言和表达方式就不同，现在各种的新水墨、水墨实验很多，丰富了国画的表现方式，为中国画的发展寻找到更广阔的出路。还是那句话：“笔墨当随时代”。

SHMJ：当下人的视觉经验大多都不是来自绘画，在大的视觉气候环境下，“写意绘画”怎样找的自己的支点？

陈静：所以我不选择走简单再现的路子，古代绘画的论画标准分逸、神、妙、能四品，现在也是通用的，“能”永远是最基本的要求。现在的视觉媒体很多，这样更丰富了我们绘画的取材，比如带着相机去写生，记录下很多瞬间的影像。写意绘画的发展空间还很大，从内容上从表现形式上从材料创新上都有可以拓展的空间。但是要做的真正的直指人心，作品一定要“情动于中”，这个永远是艺术的最基本宗旨。

SHMJ：我有个不成熟的猜想，中国的“写意绘画”同西方“表现主义绘画”可否相互对应呢？

陈静：我觉得情感上可以对应，写意画和表现主义绘画都是重情感的表达，弱化写实性的造型，但它们本质上是两个体系，当然近代它们相互有过一些借鉴。有感情的文艺作品都是能打动人的，这和什么样的表现形态没有关系，艺术表现的是某种深刻和普遍的情感，这种情感是人类共通的，不局限于某个国家，某个时代，包括音乐也是如此，它激发的是我们最美好的感情的形式。

SHMJ：艺术品的价格和价值没有直接关系，那么，商业化运作和艺术创作之间可否存在间接的良性互动关系呢？

陈静：我觉得艺术家还是应该活的单纯些，谈到艺术市场，我想它是一把双刃剑：一方面，它促进了艺术交易的繁荣；另一方面，资本的参与也给艺术创作的可能带性来了不可避免的损伤，在资本的运作之下一切的核心价值是资本本身，它同艺术的价值会产生位移和疏远。中国古代的老庄哲学教给我们超然于物外的人生态度，无为和虚静的人生境界。遗憾的是今天的我们大部分人都做不到，在这个全球消费化的时代，我们都在为物所役，很难做到真正的“游于物之外”。

艺术家的职责是画好画，更多的去关注艺术本身。尽量的少被外界影响，保持内心的安静吧。

SHMJ：从古到今，是否有对你产生深远影响的艺术家？

陈静：有很多，中国画要发展，既要继承传统又要立足当下，观看古人和前人的优秀作品是一个方面，也包括国外的大师作品，多看优秀作品、博取众家之长，提高眼界，这些影响都是潜移默化的。看作品的时候体会艺术家的内心，而不只是学习他们的技法，所以我们说学习古人的作品是要“师古人之心，不师古人之迹”，如果透过作品看不到艺术家本人的情感，我觉得这样的作品不算是成功的作品。“当代艺术”中有很多理念是这样的，作品作为物质性实体的作用是传递艺术家的观念。观赏者接受了艺术家传达的信息，这个过程便是艺术，而非局限在物质形态的作品上。