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文化艺术设计论文精品(七篇)

时间:2023-03-06 16:04:10

序论:写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感,挖掘那些隐藏在内心深处的真相,好投稿为您带来了七篇文化艺术设计论文范文,愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂,助力您的创作。

文化艺术设计论文

篇(1)

论文摘要:中国是个几千年文明艺术古国,有着更多自己优良的文化艺术文明,所以在我们的书籍设计中更能对自己国家的艺术特,点触手可及,同时也让它更好的给我们指引设计之路,继承和发扬我们民族自己独特的文化艺术,展现自己的内在气质!

中国的书籍发展有着悠久的历史,书籍的装帧形式,也是随着文字和生产力的发展变化而不断地演变着。中国当代的书籍装帧设计在经历了学习和借鉴西方现代设计理念的基础上,正在向传统回归,正因为把握了这种时代特征,才使得中国当代书籍装帧设计更具迷人的魅力。发展自己独有的特色就须有自己的东西,所以在中国发展书籍设计更需认真学习和融合我们自己民族的文化艺术,体现自己的个性与气质。

1传承具有民族特色的书籍设计

任何一种文化或学科都是在传承历史成果的基础上发展而来的。书籍设计是一门艺术学科,它经历了几千年的发展历程,同样也是如此。但是,现在我们对书籍设计的继承认识是非常不够的,导致目前书籍设计方向混乱不清的状况。改革开放给我们带来了许多全新的观念和思维方式,但很多从事书籍设计的人,已经理不清设计的路子该怎么走了。一所谓新的东西充斥着我们的头脑,在迷茫中,自觉不自觉地倒向了完全商品化的方向。对于书籍设计来讲,这个趋势是非常危险的。书籍设计丢掉了传承的观念,而去模仿一些流行的东西,看起来这很省力气,能够吃饱饭。但是,如果这种状况一旦成为一种普遍,并在设计界扎根的话,终究会被读者所抛弃。

设计师们必须经过图形、色彩、文字等诸多设计元素的组合与编排来传达设计的某种意念,全方位的了解、学习、发展传统文化,注重对传统艺术语言的继承,同时又必须掌握现代的审美趋向以及对现代艺术的实验性探索。书籍设计无疑需要带着民族文化的自尊,但也应该尊重世界一切优秀文化的精神,汲取各国之长,使图书版式设计保持创新的态势,走向现代的书籍艺术世界。我国著名设计师吕敬人先生的《朱熹大字千字文》和《梅兰芳全传》;张守义先生的《春明外史》;王序先生的《意匠文字》;张志伟的《梅兰芳藏戏曲史料图画集》等,像这些优秀的书籍设计经典之作,它们的创作根基就是来自传统,又把握了时代的脉搏,是传统的而不是古板的,是时代的而不是浮华的。这样的作品是可以使读者读时悦目,品时赏心的。更重要的是可以指导书籍设计的发展方向,成为中国现代书籍设计的脊梁,将优秀的中国文化艺术继续传承下去。

2把握书箱设计创新与传统文化继承间的和谐统一

艺术设计需要追求创新,特别是在全球化趋势的背景下,创新离不开对国外先进设计思想的学习与借鉴。然而盲目的抄袭,只能是简单粗放的模仿和放弃自我,只有拥有自主、民族特点的设计才能在国际设计领域获得成功和认可。现代艺术家马哈蒂尔曾在他的讲演中指出,亚洲人如果盲目地学习和模仿西方,就会丢失自己最宝贵的东西—文化。我们应当清醒的认识到,艺术设计的民族性才是一个国家设计文化的生存之本。中华民族有着悠久的历史和优秀的传统文化,我国古代艺术思想、美学原理博大精深,其中所蕴涵的许多艺术理念、哲学思想对于现代艺术设计仍然具有时代意义和可贵的前瞻性影响。在设计中寻求传统文化与创新借鉴的平衡是每一个设计者需要关注的间题。

与文化传承有着最密切联系的装帧艺术设计应当如何处理继承与创新的关系呢?

首先,我们应立足本民族的文化,从中寻找属于自身文化标记的设计特质,建立对传统设计文化的自信。我国传统书籍装帧文化从书籍形态到印制工艺都有着极为丰富的表现形式,这些传统设计思想和经验是我国装帧艺术文化的灵魂。仅以装帧形态为例,在已发现的敦煌遗书中,古籍的装帧形式就有卷轴装、梵夹装、绳装册叶等多种样式,除此之外,我国古代装帧形式还有龙鳞装(旋风装)、蝴蝶装、包背装、袍套装、线装、毛装等多种形制,每种装帧形式都各有其特点,如明末清初的学者周二学在《赏延素心录》中记录:“卷册用旧锦做囊或紫白檀做匣。匣内衬宣德小云鸯白绩。以檀末掺新棉花为胎,不但展舒发香,且能避虫”。由此可见这种纸板木胎的古代锦囊匣不仅工艺精致而且极具艺术内涵与实用价值。这些凝结了古人设计智慧的艺术构造为现代书籍设计提供了丰富的可供借鉴的形态参考。

其次,对于传统文化的传承,不是局限于简单地使用几个中国元素;而学习国外先进设计思想,也不是照搬几个外国纹样。在学习与继承中,真正的核心是文化。我国著名设计师赵健对此曾有过一段精彩的表述:“对于当代的设计师来说,传承不是简单的加减法的问题,而是借鉴西方人对现代设计原理的理解,来挖掘我们中国人原来没有从现代设计的角度完全整理好的中国的视觉遗产。”原“世界最美的书”评委、德国柏林出版社、布鲁斯帕瑞出版社制作总监雷纳特?斯蒂芬女士在评论中国书籍设计时曾说“我认为你们国家有很好的书籍设计师,并且我希望他们不要受太多的西方国家书籍影响,而要注意你们有自己的文化的书籍设计。”加强对本民族文化的学习和理解,提高传统文化修养才是创作优秀设计作品的根本。

篇(2)

论文摘要:传统艺术与现代设计是艺术设计专业的一门专业基础课程,在设计领域中传统与现代有着密切关系,充分运用传统民族元素于现代设计之中,是创造中国特色设计的关键。在本门课程改革的教学中,充分把握艺术设计类课程教学的特色,发挥以学生为主,教师为指导的教学方式,从教学的方式、过程和考核方法三个方面做了全面改革。基本确立了以学生为中心的,强调个性培养和创意性思维的形成的教育方式,以用一种全新的教学理念来面对新时代的大学生教育。

广西大学教学改革实施已经~段时间了,作为参加教学改革的教师,对实施改革性教学还是有了一点经验和体会,希望通过汇报和交流,达到学习、沟通和资源共享的目的。由于专业原因,对艺术设计类课程实施教学改革个人觉得还是非常有必要的。因为本来艺术设计专业就是一个以学生为主体的专业,学生本身就是专业人才,也是思维和技法的拥有者和主导者。所以在教学的过程中,教师教学方法的改革范围和深度就可以更大,更深,也可以充分发挥以学生为主的、强调独到创造性思维的教学和学习方式。在培养学生的个性思维,创意能力及社会实践能力、动手能力上产生更有价值的成就。

在这里我从三个方面,不同的角度把这门设计专业基础课程的教学内容,教学形式和教学结果分别作了改革和汇报。其目的是想引发对艺术设计这一特殊专业的学习和教育的方式与同行进行一次交流和互动,希望从中可以得到更多的建议和意见,也希望能够推陈出新,打破常规,用大胆的尝试和独特的方式对待特殊专业的教学,以求取得更多的收获,在未来的教学当中应用、完善和发展。

一、本门专业课程的课程介绍

(一)本课程的性质和目的

《传统艺术与现代设计)是一门艺术设计专业基础课程。当今时代,传统文化与现代设计的关系随着社会的发展越来越出现不和谐的发展,从社会的各个领域甚至出现冲突的矛盾关系.其主要原因是现代社会与世界的全球~体化的模式与各国、各民族文化特色上的冲突。但从另~个角度去看,两者又是唇齿相依的,没有民族特色的文化底蕴支撑,设计是没有个性和生命的,更不能体现一个国家的风格。因此,如何把握传统文化与现代设计两者之间的关系,延续“传统继承发展派”的艺术设计风格,也是我们当代设计师必须关注的重要课题。

作为未来设计师的艺术设计专业的大学生有必要熟练掌握本民族传统文化艺术的脉络,用具有中国特色的设计去感动世界,让世界知道“中国设计”的价值和意义,同时又要不违背全球一体化的时展大背景。所谓“民族的就是世界的”,这正是对中国现代艺术设计的明确定位。传统艺术与现代设计有着密不可分的关系,中国5000年的文化历史厚重的基础为现代设计提供了无尽的文化艺术题材和元素。怎样使现代设计更具有文化底蕴和时代气息,更具有历史内涵和民族特性是非常值得研究和探讨的学术课题。本课程通过对中国传统文化和民族文化的解析及与外来文化之间的交流积对话,充分融合传统与现代的元素和理念,进一步阐明了传统与现代的关系,诠释了传统元素在现代设计中的地位和意义,为民族传统文化在现代设计艺术中的弘扬和运用提供了一个较完整的结合方式。

(二)本门课程教学的内容简介

《传统艺术与现代设计)是在了解和掌握了中西方传统文化艺术知识的基础上,通过理解、变革和应用三个过程,把中国传统文化艺术的精髓有生命的运用到现代艺术设计当中,使现代设计在良好的视觉艺术基础之上进一步增加文化底蕴和内在品质,从而在使中国设计能有机会世界设计大舞台上脱颖而出,形成具有较强民族特性和艺术个性的设计风格,更适合现代艺术设计的潮流风范。其内容主要包括以下几个方面。

1.中国传统文化艺术

本章主要是阐述了中国传统图形与传统文化的关系。以中国国画为例,中国传统国画之中的创作六法之首一气韵生动!气韵:抓住事物表达的精神内涵,形态准确,体现出精神气质,形与神之间的关系,气韵的感受。意象造型:不似之似,精神之象,既表现事物的表象,又再现事物的内质。动静虚实;和平有度,和凿自然。东方;和谐完美,国画中自不是空,而是体现船在白纸上,白是水。在疏密关系上强调;疏可跑马.密不透风。传统艺术中线的艺术,平面化、装饰化、程式化、均衡、简化。这些中国传统线条的气质和个性是必须要理解和把握的,并在将来的设计中予以渗透和应用。

2.中国传统图案

本章内容是中国传统图案的基本特征:特殊的美术式样“对中国传统文化的依赖性很强”。中国传统图案的内容包括:正面肯定的吉祥图案,吉者一福善之事。祥者一嘉庆之征。表示赞美和颂扬的图案。六合“东西南北加上天地统称六合”。它们的构成法则足以文字为基础,用文字做为装饰元索构成图案。这些图案的内涵意义充分体现了中国传统图案与传统文化的关系,是应该掌握和理解的。

3.现代视觉艺术对传统图形的继承

本章以中西方现代艺术设计思考的立足点为基础:直接把传统元素应用到现代设计中去为出发点,首先是举例说明了西方艺术设汁的思考方式.用右脑画素描,用右脑思维方法。反画法、意念思维的表现等等。其次是设计艺术表现出的生命感,设计的个性一不一样的东西,造型一表意,观念一创意的体现。同时理解形态美的概念。西方对传统结构的剖析,光、形、结构、轮廓、体积、质感。固有色、透视、成功的艺术家更强调某一点。但结构更为重要,是不可忽略的一点,必须充分理解形态美的本质~结构为本。通过了解以上的相关知识后,掌握国内外设计师怎样将传统元素运用到现代设计当中。

4.现代艺术设计的观念

现代艺术设计方法观念。观察与表现:对艺术创造能力的自我开发。模仿与创造:来自生活的真情实感。功能至上:美观、经济、结构合理、运输储存方便。设计是生活的艺术:生活的概念,设计来源于生活,是自我价值的实现。设计艺术家的基本能力:造型能力。跟一观察与分析,手一表现与技艺,脑一思考与想象,心—创造爱与情感。审美判断能力,敏锐的感受,对美的认知。观察的能力,感受生活,了解自然,学习自然。有了表现的激情,观察就会深入。就会生动。艺术创作的基本因素—情感、思想、想象、灵感。通过一系列学习和理解,最终做到把握好视觉秩序,形式与思想的相互作用。其中最为关键的是现代设计观念的形成过程,设计创意思维的形成过程

5.形的分析

形一思想、愿望的传递。艺术设计中形的类别和表现形式:有机形,动物,植物的生长形态一有弹性,有一种内在的生命力,具有一种发展性,完形心里。几何形,具有理性的明快。机械形,冷漠感、缺少人性、工业机械美、力量感。自在形,手绘的自由形,个性的自由,偶发性,自然、生动、出人意料的新奇感,过程的美。象征的形,形式、意味的统一。设计是人类在造物过程中造型构想的表现形式,是生活的艺术。设计的象包括衣食住行,包罗万象。同时,也反应了一个民族的精神面貌,构成一个时代、地域的生活样式。从传统的艺术形态当找到形的特性和表现语言在现代艺术设计当中运用。

6.传统艺术与现代设计案例分析

重点列举三大重点案例,从中得到较大启发和思维拓展。中国历代艺术作品分析鉴赏,国外艺术作品赏析及设计作品赏析与中国现代设计的联姻和发展。传统艺术在现代设计各个领域的应用研究。通过欣赏解析,透彻掌握设计案例的特点并加以吸收应用。

二、本课程教学改革的方式和过程

(一)教学方式的改革一坚持以学生为主体,个体培养为主的教学方式

了解了本门课程的大体脉络和具体内容后。我们可以根据本课程的具体情况拟定教学方案了。由于本门课程涉及较多较宽的知识面,有一定的文化深度要求。因此在教学上要结合学生个人情况采取了分类、分别小范围、独立教学的方式。在初步的理论讲授结束后。首先在班上重点选择几个不同文化底蕴、比较有代表性的的同学。结合其综合素质的考虑,以其为主体,让他们完全自主的从自己的观点和思想出发思考并阐述对中西方传统艺术的认识和看法,同时拟定一个议题,此议题将以传统文化为基础展开对未来自己现代设计的一个构思和展望,然后以此议题为中心辐射出去,在相同层次和有共同认识的同学中展开联合讨论和研究,最终组合成一个有机团队。此团队完全由同层次类别及对此议题有共同研究兴趣的学生组成。这种由学生找学生的方式,在共同感兴趣的课程议题的前提下,充分保证了学习过程的主动性和完全参与性,同时也对最终的学习成效提供了有力保障。由于对传统和现解和看法的不同,不同层次的同学提出的观点和议题将是广泛和具代表性的,当议题形成同类学生取得共识之后,由老师出面指定针对每一个同学的综合情况确定其在此议题中充当的角色和工作范围。比如有学生对中国传统书法有一定的了解和兴趣、有学生对西方传统古典绘画有强烈兴趣,则可以将其准确的定位于在课题议题中的位置和未来主攻方向。这样就可以充分的用其所长,再以其兴趣为引导使其在课程议题中看到自身的价值的同时发挥所有的想象力和潜能,为教师下一步实施教学和推进课程进展提供了一个良好的基础。在未来的教学进程中教师可以轻松自如的把握每一个学生的学习程度和专业高度而因材施教,这样就完全符合了艺术设计课程对学生个人能力和个性创意思维培养的教学宗旨。

(二)教学过程的改革——学生全程发挥,尽显个人风采,教师引领方向、画龙点睛

在进一步的教学过程中,随着课程教学的逐步推进,在把中西方传统文化艺术脉络和特征分割细化、分散整理落实到不同学生个体之后.教师此刻可以逐步将学生逐个引入到几个不同的中心议题上来,也就是最初不同深度层次的学生们自己拟定的课程议题。此时教师必须起到一个集中、汇总、推陈出新的重要作用。相当于每个学生在努力的走着自己的路,各自都是平行的行走着,老师现在要在每条路上放置一盏灯,让他们看见灯光后顺着灯光方向并用自己的方法走到一个新地点。在每个学生提出自己新的设计观念或创意之前,教师必须把每个课题组对中西方传统文化艺术特征和前期基础性的知识做一次彻底的总结和评论,当然这个总结的前提也是在每个同学根据个人所长阐述了自己对传统的认识和看法以及对未来设计中自已会怎样去运用的基础上进行的,否则就没有意义,也就是在以学生的观念和看法为前提下的总结性概括。期间还必须与学生进行多次的讨论、研究和互动。以求最大限度的发挥学生积极主动性和潜力,这点对于未来学生提出和形成自我个性的创意观念和设计风格是至关重要的。在整个教学过程中。教师的作用就好比是一个撑船的舵手,不管有多大的风浪,航线有多宽广、多少条。永远保持着船的最短行程和正确的航向。至于船上的水手们。完全可以让他们自由的选择干活和生活的方式。正是基于对中西方传统文化艺术认识的巨大差异和广博的范围,才能使得一个班的几十个学生可以根据个人能力大小和知识储备的优劣从各自不同的方向去选择和追求自己想学到和得到的东西。也才更全面的体现出这样的教学方法对于此门课程在教学上的必要性。

当然艺术设计课程教学的最终目的是让学生学到最实用的知识、思维创意的方法和动手制作技法,这也是设计教学学以致用的教学根本目的。因此在学生众多的观念和看法及思维面前,要求老师也要有一双雪亮的眼睛和敏锐的洞察力。也就是最终要把学生引导到思维和创意上来,这也才是教学的最后目标。基于此目的。在最后的辩论中,每一个同学都将会提出自己的创意构思和个性想法。然后以此为基础去设计属于自己那一部分的作品,最终的作业完成形式将是以中西方传统文化艺术为创意基础,提取诸多不同传统设计元素之后,综合形成的一个系列套装设计。而在这个套装设计的诸多设计项目中,既有每个学生各自的单体设计案例元素,同时又有以不同层次的小组为单位的团体设计项目,这样就达到了既锻炼个体和又考核团队合作思维、讲究配合,为目标的团体创意精神的学习目的.为将来在社会工作中既保持个性风格又讲求团队合作的设计师工作模式的习惯形成打下了夯实的基础。同时教师也就达到了完成此门专业基础课程所要追求的教学效果。

(三)课程成绩及评定上的教学改革——注重整体表现,全面综合评定,做到准确考核每一个学生

作为一门设计专业的设计基础课程,

通过这样一种考核方式。我们可以真正的让学生理解艺术设计教学的关键所在,培养的目标是什么,也进一步说明了设计到底应该怎样去做,它应该是一种综合能力的体现,是一种思维创造的表现,而不是仅仅用一张画面就能说明问题的。

篇(3)

多元化社会文化是由各种独立多数的文化现象组合而成,主要包括主导,高雅,大众等文化形式,内容丰富,如果从客观角度出发,可以将其内容分为以下几点,具有一定意愿性符合社会大众需要的是主导文化,强调社会人文关怀和追求个性的是高雅文化,高雅文化主要指的是人类对相关知识学习的理解和欣赏。例如,古典音乐,芭蕾舞和古典音乐剧等等,一定程度上放映了人们生活的情趣和兴趣爱好。都市文化指的是伴随社会的发展而发展的人类需求,个性化和时尚性是它的主要特征。例如,时尚杂志,广告,影视连续剧等等,民间文化的主要特点是地方性和民族性较强,它在一定程度上代表了当地的民族文化和居民对未来的展望,具有温情的感彩。例如,民歌,年画,风筝和京剧等等。如果从时代角度出发,还可以分成现代,传统或者东西方文化等等,这些文化充斥在一起,组成了丰富多彩的多元社会文化。

2艺术设计技术研究的主要内容

艺术技术是人们通过物质和艺术手段,设计出符合人们要求和目的的艺术产品,满足人们的精神和物质世界的需求,艺术设计的本质内容是创造文化,独立性和理智性是它的主要特点,艺术设计使人们创造艺术的过程,是在人类生活的基础上,开展具有一定精神文化气息的活动。例如,我们生活中比较常见的服饰艺术设计,产品外观艺术设计,园林保护艺术设计等等。设计者和设计品是艺术设计技术的行为主体,艺术技术水平是一个设计者全方面高素质的体现,创造艺术的过程中需要设计者的创作灵感和审美能力,创造出符合大众审美,做工精湛的文化艺术品是对设计者的基本要求,艺术设计作为一种生活文化创造的表现形式,它的内容在方方面面都展现了社会文化的多样性和文化特质。

3艺术设计技术教育的多元化发展方向

3.1发扬多元化的艺术设计技术理论知识学习在艺术设计领域中,由于受到不同文化的影响,设计者在设计过程中的设计想法和设计产品的突出特征也有所不同,具有很强的差异性,尤其是在国内外的艺术教育学校中的差异最为明显,培养全能型的技术应用人员是我们艺术技术教育的重要任务,艺术设计专业在我国属于发展中的学科,在课程的综合素质教学和培养人才方法上教学模式都比较单一。学校在艺术学科的课程上,应该以学校的社会文化环境为基础,发展具有自身特色的艺术专业,将学校的艺术学科和专业在多元化的社会文化教育体系中进行结合,让学校的艺术设计学科开设的专业课能够相互影响,相互补充和融合,让学生更清楚地了解各个文化的魅力,在不同的文化特点中找到相同点,从而找出符合自身艺术设计特点的发展方向,加强专业课学习的多样化,提高专业艺术设计技术的整体水平。

3.2发展多元化的艺术设计资源配置多元化的艺术设计资源配置对提高艺术设计专业和艺术学科的发展具有一定的积极促进作用,首先高素质的师资队伍是发展艺术设计技术的根本要求,目前我国艺术设计教育的教师队伍主要是由合同制教师和专职教师组成,专职教师主要从艺术设计的实践,研究和历史发展三方面为主要教学内容,这些教师的自身要求普遍比较严格。例如,艺术实践方向的教师主要是专业的设计师,教学生学习艺术史论的教师是视觉设计方面的史学家等等,而合同制教师主要负责的是学生艺术设计技术方面的研究和学习,此类教师具有丰富的实践教学经验和坚实的技术知识,为学生解决艺术设计中遇到的难题,提高学生的整体技术水平。其次,完善的教学设备是学生将理论技术知识赋予实践的主要手段,现阶段我国很多学校并没有艺术学生专用的工作室和实验室,很多学校对于此类资源的认识不清,资金不足也是主要的一个限制因素,加大我国艺术类学生的动手操作能力是提高艺术设计技术水平的重要条件。例如,可以为艺术系的学生建立一个完善的学习研究教学资源平台,为教师生提供一个创新的教学空间,如图书馆,数字设备,智能电子数据库等等,通过这些手段的实施,来满足学生和教师学习科研的需求。利用丰富的教学手法和高品质的图形资源来提高学生的课外自主学习能力,加强他们的创新精神和实践动手操作能力。

3.3培养艺术设计学生多元化的专业能力艺术设计学科专业性比较强,学生毕业后用人单位对学生的要求也比较高,由此可见,培养全方位的高素质艺术设计学生显得尤为重要,对提高设计技术水平也有较大帮助,多元化的文化模式是艺术专业发展的强大推动力,在多元的社会文化发展环境下,设计艺术的特点根据不同地域和历史文化而发生变化,提高学生的艺术创造能力和思维创新精神是当代艺术学生应该具备的专业能力。首先,教师应该对专业教材进行深度的研究,利用学生的自身情况,发展灵活的教学模式。例如,鼓励学生课外阅读,通过专业艺术论文或者是学习报告来进行竞赛,增强学生的良性竞争意识。其次,教师应该将学生自身知识和多元化的社会文化进行整合,通过留题目的方法,把学生划分为小组形式,让学生根据自身的条件进行分工合作,从而解决问题,这种方法一定程度上锻炼了学生的团队合作能力和自主学习能力,让学生在团队中互相帮助,相互学习,让学生在德智体美劳全方面发展,为以后的艺术学习做好基础。最后,学校可以与相关专业对口的企业和公司进行合作,为学生提供良好的环境和平台,让学生通过实习单位举办的各种活动,增强自身文化学习意识,把理论和实践相结合,从而提高学生的创新能力和动手操作能力。

4总结

篇(4)

为了建设新时代艺术设计实验室,国内艺术院校在传统“包豪斯”教学模式的“艺术工作室”基础上融合时代特征,以科学的管理机制,加快实验室建设步伐。可以从以下几个方面解决实验室建设中存在的问题。

1.1深化教育理念,从精英教育转向素质教育当今社会已经不再适合推行精英教育,也无法拷贝过去选拔“精英”标准和素质。另外,具有优秀教学资源的专业美院如果还抱着精英教育的理念不放,客观上是对教育发展动力的本源———社会需求的漠视。正确理解精英教育与素质教育,专业美院扩大办学规模绝不是权益之计,而是历史给予的新的发展平台。大学的责任是为学生营造成长的环境、条件和氛围,使他们有能力成为日后社会拼搏竞争的成功者。大学教师的责任是以精英的标准鞭策自己,以自身的实践、能力、成就和人格影响,带动、陪伴学生成长并帮助他们日后的成功。

1.2科学规划主体教学与实验教学,优化师资结构艺术设计专业实验室教学建设已在国外成功运作多年,在我国也有成功案例,该模式是培养具有综合素质艺术设计创新人才的有效手段。科学地规划艺术设计实验室建设有助于艺术设计专业的发展,建设分工明确,特色鲜明的艺术设计实验室是符合时代特征的,也是社会发展的需要。专业艺术院校应从科学配置教学机构和师资队伍管理工作抓起,优化课程结构、重视师资结构和梯队建设,在教学管理方面,注重基础教学和实验教学并行发展;在实验室建设方面,除了注重培养学生实践动手能力外,还要将设计市场化理念贯穿其中,承担起艺术设计衍生品的深度研发;在人员配置上安排资深教授授课,为学生打下良好的专业基础。同时在低年级教学中就贯穿实验室教学理念,让学生初步了解实验室教学是工作室教学的延伸,并以高水平师资保障实验教学的质量。实验教学师资队伍由注重产学研结合,具备高水平实验教学经验的团队组成。

1.3打破地域限制,引进优秀企业,深化校企合作,解决实验室建设的发展问题艺术类专业是实践性强、创造性高的专业,艺术院校可以在国家政策的倡导下,根据专业特点吸引企业加大对专业建设的投入。同时工作室、实验室需要提升内化能力,提高培养学生创造性思维、扎实的设计技能以及美学理论和文化素养的水平,谋求校企之间更高层次的合作。实验室应充分利用教师资源,引导学生参加设计竞赛、学术论坛、社会实践,形成立体化培养,并通过实践增加学生掌握知识的灵活性。学生到企业实习、实践,参与实际项目运作,为企业创收的同时也提升自己的能力。企业为实验室投资设备,提供资金、项目,能为培养优质人才做铺垫。

1.4推广优秀的实验室案例,创造“百花齐放,轻重分明”的局面面对多数艺术院校内教学资源分配不平衡的现状,可以选择性地将有成功经验的实验室的建设模式推广到其他专业,使整个学校里的实验室教学既有重点,又不单一,形成“百花齐放,轻重分明”的局面。这种教学交流是彼此作用的。图1—图3是鲁迅美术学院大连校区的部分实验室照片。

2艺术设计人才培养的创新途径———鲁迅美术学院大连校区的办学实践

鲁迅美术学院大连校区2002年开始在黄海之滨进行校区建设,并于2011年成功举行了首届毕业生毕业设计作品展。其学科建设宗旨是遵循国际先进的艺术设计教育理念,适应市场经济的发展对专业人才的需求,倡导高素质、综合型、点面兼顾的培养模式,打破传统的条块式学科分布结构,培养有创新精神、创新技能和创业能力的艺术设计人才。学校所推行的低年级打通基础,高年级进入工作室的教学体系,有助于学生拓宽专业视野,加强自主学习能力,在对专业理解和兴趣点相对成熟的条件下选择适合自身特点和优势的专业发展方向。

2.1校区本科专业课程体系

大连校区本科专业课程体系目前包括艺术设计和动画2个专业,由专业基础、视觉传达设计学院(筹建)、传媒动画设计学院(筹建)40个工作室构成实施教学的终端平台。第一学年(专业基础A段)2个专业平台相互打通,共同教学。第一学期的教学单位是基础教学部的相关工作室/实验室,课程内容是素描、色彩、综合材料、摄影、数码图像编辑。教学目的是发挥专业美术院校的特点和优势,打通造型艺术与艺术设计学科、艺术设计各专业方向之间的传统壁垒,注重学生艺术视野的拓展和专业兴趣的提高。课程架构为各门课程平行展开,学生分批、分阶段、不同步地接受全部教学内容。第二学期前段课程内容和架构与上学期相同,但教学要求有层次上的递进。教学目的是,为形成学生创意性思维模式及培养跨学科造型能力提供条件,让学生有机会接触和了解本专业的高端课程、师资等信息,为第二学年选择进入专业设计工作室或实验室做准备。第二学年(专业基础B段)学生在各自专业框架内经双向选择进入艺术设计和动画设计所属的专业设计工作室,工作室主任教师将根据校区教务管理委员会的要求组织教学,课程体系及教学内容逐步偏重与本专业高年级设计课程相关联的基础知识。

第三学年(专业设计C段)的专业设计工作室教学是校区课程体系的核心部分。工作室的主任教师依据其自身的学术研究成果、社会实践的业绩和在相关专业领域的影响力组织工作室的教师队伍,制订教学计划,确立教学、科研方向及目标。引导学生在专业设计课程及实践中应用和深化,在完成学习任务的同时力争取得阶段性的实践成果(如参展、参赛、项目应用及获奖等)。第四学年(专业设计D段)专业设计工作室将在第一学期末举办教学成果展和总结汇报,由校区教授委员会与主任教师共同审定学生进入工作室以来的学习状态和学习成绩,在此基础上确定学生的毕业设计、毕业论文方向和内容。第二学期是进行毕业设计和毕业论文阶段,各设计工作室主任将按照教授委员会确定的方向和计划,带领教学团队完成毕业设计、毕业论文及组织毕业展览和论文答辩工作。鲁美大连校区实践教学注重培养高质量、复合型的创新人才,坚持东西方艺术的融会贯通。在课程设置里,除专业课程还有文化课、体育课,使学生获得艺术理论、语言、文学、哲学等知识提高综合素质,旨在培养德智体美劳全面发展的艺术设计创新人才。

2.2工作室教学管理模式

鲁美大连院校区打破传统院系管理体制,实行与国际接轨的基础部+工作室的教学管理模式,有的工作室与实验室是复合的。见图4、图5、图6。工作室设置顺应了文化创意产业,发展人才紧缺的现状。实施教学的终端平台由平面、多媒体及展示艺术设计教学部、动画及多媒体艺术设计教学部、装饰及陶瓷艺术设计教学部、专业基础部、公共基础部的40个工作室构成。平面、多媒体及展示艺术设计教学部即下属的工作室包括:广告及视觉信息设计、品牌形象设计与策划、包装设计、展示设计、手绘表现与空间设计、产品与会展、书籍设计、插图设计、影像艺术与设计。动画及多媒体艺术设计教学部下属的工作室包括:平面动画、虚拟立体动画、材料动画、多媒体/游戏动画、卡通读物、动漫文化创意产品、综合媒介与互动艺术。装饰及陶瓷艺术设计教学部下属工作室包括:玻璃、金工、织造、漆艺、塑形、网印制像、综合材料、家具与环境设计以及两个陶艺工作室。当代艺术、公共艺术、新媒体艺术、信息设计等交叉学科方向的专业工作室目前已开始招收硕士研究生。大连校区的工作室体制与习惯认为的大师工作室或专家工作室完全不同,它是与扩招后的学生规模相对应的,是校区4千多学生教学管理的终端平台,其运营水平决定校区的经济效益、未来生源和发展模式。而其规模化的智力资源、科研实力、创造成果及其社会影响是对其教学水平的充实及放大,使其吸纳更多的社会项目、资金、设备及与之适应的管理方式进入。而在大连校区工作室体制中核心内容之一是使整个实验室体系形成艺术类之间多专业交叉发展的实验教学格局,并促使实验室的教学符合艺术类教育和人才培养特点,充分体现了弹性、灵活的特征。

2.3创办大连金州新区鲁美艺博产业基地

作为在国内外具有重要影响的著名高等艺术学府,尤其是作为中国艺术设计领域的领军者,鲁迅美术学院大连校区具备深厚的艺术文化传统积淀、优越的周边生态环境、高品位的设计和建设理念、先进的教学管理体系、极具特色的专业和工作室设置等优势资源。为了加速大学教学科研成功转化和高新技术产业化,学校正在努力建设大连金州新区鲁美创意产业基地,见图7。

2.3.1项目主题

鲁迅美术学院具有悠久历史(延安—哈尔滨—齐齐哈尔—沈阳—大连),为传承延安鲁艺精神,在政府政策大力支持下,以建立“延安鲁艺在东北”主题展馆为契机,创建代表先进文化的革命传统及爱国主义教育基地;创建以鲁迅美术学院大连校区创意人才资源为基础的文化产业集群;创建集艺术教育、文化产业、旅游资源三位一体的发展模式。

2.3.2鲁美艺博产业基地4大板块

(1)校园教学旅游区。随着旅游产业的发展及文化品位的提升,著名大学的校园旅游成为热点已在国内外造就了众多成功的范例。鲁迅美术学院大连校区的建筑及规划设计是经国际招标产生的德国奥尔•韦伯建筑事务所的方案,该方案根据金石滩地区优越的自然生态环境提出了“花园中的城市”的规划理念。目前校园区的建筑、道路、水体、绿化、公共艺术等建设项目已基本完成并日臻完善,将成为新兴的校园教学旅游风景区。

(2)鲁迅美术学院艺术博物馆暨金州新区创意大厦。鲁迅美术学院艺术博物馆是学院与大连市政府在金石滩共同投资建设的地标型建筑,总面积2.3万平方米,是目前国内规模最大的专业展馆之一。现根据文化产业发展的实际需求,校区计划把博物馆其中两层作为金州新区创意大厦使用。鲁迅美术学院将以重量级艺术展览、国内外学术交流及人才资源带动创意大厦的蓬勃发展,建成以动漫创意产业、当代文化艺术、新兴信息多媒体交互设计研发为核心的产业圈,形成文化创意产业和多媒体交互设计与高端技术研发产业集群。同时,校企合作还将促进建成企业自主创新的孵化基地、产学研合作的示范基地、高校师生创新创业的实践基地、战略性新兴产业的培育基地。金州新区创意大厦的建成,将加速大学教学科研成果转化和高新技术产业化,使大连金州新区快速跻身全国动漫产业前列,使鲁迅美术学院大连校区走在国际艺术设计教育的前沿。

(3)艺术文化长廊。依据国外设计师的理念,在鲁美大连校区的规划建设中没有校门和围墙,这与国内高校的管理模式存在矛盾,尤其安全问题无法回避。校区根据实际情况,引入企业投资,现已在校区周围建成艺术文化长廊。得到政府相关部门的支持和审批后,学院计划将其统一规划为以画廊、书店、美术用品及鲁美师生作品及衍生产品为代表的艺术文化商业街,为金石滩旅游文化的品味提升填上浓重的一笔。

(4)文化创意产业园区。鲁迅美术学院校区大连利用紧邻博物馆、地貌优美的20万平方米校园预留区域,以政府扶持文化产业为推力,发挥校区自身专业优势,以产学研相结合为纽带,打造有特色、有示范性、有辐射力的中国最大动漫游文化创意产业产学研基地。规划设计建设由动漫雕塑广场(鲁迅美术学院动画与媒体学院奖永久会址)、动漫游博物馆区、动漫游体验学习区、动漫游文化创意区、动漫游餐饮休闲区、动漫游特种影视区、动漫游演艺演播区、动漫游酒店区等区域组成的动漫文化创意产业现代主题乐园。该项目同时包括:陶瓷、玻璃、髤漆、金属、染织、服装、家具、木艺、平面设计、多媒体、公共艺术、油画、国画、版画、雕塑、艺术摄影等学科领域和若干个艺术家工作室。

艺术家工作室将由著名艺术家和美术学院的师生常年在此进行教学实践和艺术创作,作品可直接在园区的景点进行展览和销售。游客也有机会参与其中,亲身体验艺术创作的乐趣。由此形成完整的艺术观光、创意体验、工艺参与相融合的园区特色。文化创意产业园区还将联合周边院校,组成文化创意产业群,全面建成中国最大的动漫游文化创意产学研基地。

3结束语

篇(5)

论文摘要:分析了中国传统元素在现代书籍设计中的表现形式和中国传统元素应用于现代书籍设计中的原因,以期在设计时做好传统文化底蕴与现代书籍设计理论的有效融合与创新。

一、中国传统元素在现代书籍设计中的表现形式

中国传统元素其实更准确地应定义为中国传统视觉元素,主要指在艺术作品活动或活动中可被表现的视觉符号包括色彩、形象、图形等,以及可被展现的精神文化包括民俗文化、思维力式、价值观念、行为举止等,这种视觉元素不仅指肉眼可见的死式层面,还包括抽象的精神层面方面,但从无论怎样表现,都与“中国”二二字构建起联想。

书籍做为许多人可以拥有和欣赏的表达传统文化美丽的最科媒介,例来与传统文化有着深厚的渊源关系,中国的敦煌遗迹的书籍就是收录与吸取了当时感觉最优秀的文化元素从而产生庄的极其经典且最具创造性的艺术设计。从这种意义上来说,现牡书籍设计也只有植根于本民族的文化,从中吸取丰富的养分和名慧,才能产生最优秀最爱大众欢迎的艺术设计。

具体而言,中国传统视觉元素在现代书籍设计中的应用与表现形式主要体现在三个层面,第一,从应用元素来看,中国绘画、汉字、书法、篆刻、印章、图腾、祥云图案、中国结、秦矶汉瓦、京戏脸谱、皮影、中国漆器、汉化竹简、文房四宝、哟纸、风筝、如意纹、中国刺绣、凤眼、彩陶、紫砂壶、中国瓷器、石狮、唐装、筷子、金元宝、如意、八卦等等能成为现,籍设计的运用素材与儿素。第三,从应用形式来看,传统视觉元素的造型、构图、色彩成为现代书籍设计可优先考虑的运用形式。第三,从应用手法来看,通过对传统视觉元素直接运用、形式借移、元素再造、神韵传承等四种运用手法的使用,现代书籍的艺术设计一定更具内711更加美观。

二、中国传统元素应用于现代书籍设计中的原因

众所周知,中国悠久的历史与底蕴深厚的文化孕育了中国传统视觉元素丰富与独特的文化艺术内涵,能为同为文化事业的书籍设计提供丰富的养分、智慧与经验技巧,但是并不意味着我们在现代在一书籍设计中可以滥用传统视觉元素,简单的照搬和复制传统视觉元素,这样种做法绝不适合书籍设计朝着健康正确审美的方面发展。相反,要在现代籍设计中更好地发挥传统文化的作用,我们需要做到了解中国精神的象征、中国文化的与审美思想,这样在设计时才能做好传统文化底蕴与现代f5籍设计理论的有效融合。

(一)中国精神的象征

在中华民族悠久的历史与长期的和生存与发展中,孕育出了许多体现中国民族文化与民众心理的巾国精神,如:吉祥喜庆、平安如意、国泰民安、风调雨顺、五谷丰登等,都可成为现代书籍设计的精神食粮。

如吉祥观念就是中国人民在长期的社会实践和特定心理基础上逐渐形成的向往与追求,反映了人们生活土求安的心理需求和审美趣味,所在在大部分的传统吉祥图样中均显了“图必有意,意必吉祥”,其实就是想以营造出吉祥环境为的,以美的饰纹来寄托祈福求吉的象征性装饰设计,如图案中的几只丫和太阳,表示只羊开泰;画几只喜鹊站在梅树枝头,表示喜梢的意思。

(二)中国文化内涵的表现

中国文化源远流长,文化精髓中最深奥难知最广博的核心就是‘人人合一’的精神,其源头处即是老子《道德经》,本意应是追求人与宇宙自然的和谐一致,这一思想文化内涵对中国各领域影响深远。如刘舰的《文心雕龙.物色》篇土要论述了主观的“情”和客观的“景”在文学创作中的关系,这种“情景交融”创作模式是华夏文化“天人合一”思想在文学创作中的体现,而在绘画、艺术设计上则表现为“物我交融”的思想精髓。

(三)中国文化的继承和发展

“物我交融”思想在艺术设计上的要求就是神在象外、象在台外、言在意外,意思就是说在艺术设计过程中将客观事物形体和精神内涵做到会意在心、成竹在胸后,依照自己的观察体会即兴发挥,随意而就,洒脱自如,“以意写神”。书籍设计中的承传、应用以及创新这种方法后,在设计领域的体现以及在设计审美上所追求的自然、意境和神韵的书卷气设计风格就是中国这种文化的继承与发展。

三、中国传统元素在现代书籍设计中的创新

追求最好的东西的精神,无论是在过去或是现在都是相同的。在未来我们予以保存的“传统”,在今天仍有待创造,甚至还要建基二全新概念和技术所造成。也就是说,传统的本质是基于窥探未来的精神,从传统中寻求创造潜能,读取想像力和智慧,进行现代书籍的设计一变得很重要。

(一)视觉美的创新

如在继承传统视觉元素内涵的基础上,为了使书籍艺术设计更美观,可以进行4此设计手法上的创新。止七现代书籍在对吉祥视觉元素符号化象征意义的传承时,通过对某一仁体形象进行再次创新改造的同时,不用形象的实物或用抽象的符号艺术形式表现更加深远、更加隐晦的象征意味,如同时是表现吉祥的意味,可以考虑书的封面图案设计采用源于佛教八室的“八吉祥”之一的“盘长”的造型,取其“源远流长,生生不息”之意,通过这种古祥寓意的沿用,同样可以传达现代人对美好事物心存向往的设计理念,使现代设计多一此文化气息和亲和力。

篇(6)

[论文关键词]艺术设计专业 创新型人才培养模式

“创意产业”又被译“创造性产业”或“创意经济”,是一种在全球化的消费社会背景中发展起来的,推崇创新、个人创造力、强调文化艺术对经济的支持与推动的新兴理念、思潮和经济实践。创意产业是当今世界发达国家经济文化发展的重要潮流。全球的创意经济每天创造出高达220亿美元的产值,并以5%的速度递增,创意产业的增长速度比传统服务业快2倍,比制造业快4倍,成为新的经济增长引擎。目前我国各级政府积极推动创意产业的发展,正在建立一批创意产业基地。在此背景下,艺术设计专业创意、创新人才的培养受到前所未有的重视,巨大的市场潜力,使得相关专业人才的需求量不断上升,行业的就业机会也大大增加。

创意产业是建立在艺术设计教育高度发展的基础之上的,英国学者佛罗里达在《创意阶层》一书中,就强调了创意阶层对于创意产业的极端重要性。他认为,“从根本上看,创意产业的高速发展依靠创意人力资本的大量投入和文化创意阶层的崛起。”从其他国家创意产业发展的经验来看,创意产业的发展、繁荣无不归功于艺术设计创新人才的教育与培养。创新是社会进步的原动力,是人类智慧的凝聚,古往今来,人类光辉灿烂的思想文化、高度发达的科学技术,无不闪耀着创新的光芒。艺术设计作为一种渗透美学韵律的技术,自然也与创新有着密切的关系。所以,在创意产业背景下的艺术设计创新型人才培养必将成为艺术设计教育的核心命题。

一、创新型艺术设计人才的需求分析

设计艺术学理论家尹定邦教授说:“现代设计既不是纯艺术,也不是纯自然科学和社会科学,而是多种学科高度交叉的综合学科。”艺术设计教育是为培养艺术设计人才服务的,所以艺术教育的本质就是培养、造就具有艺术与科学技术相结合的创新型艺术设计人才。现代社会的飞速发展对艺术设计人才的培养提出了新的要求,我们只有深刻认识这一点,才能把握人才培养的正确方向。21世纪是知识经济社会,而知识经济社会的核心是创新。在艺术设计领域里,需要大量综合素质佳、创新能力强的艺术设计人才。

创意产业对人才的需求体现为对创新人才知识结构的要求,毕业生单一的知识结构难以适应社会发展的需要。众所周知,艺术设计是系统工程也是社会工程,跨学科、综合化、科技化是其主要特征,它广泛涉及科技、社会、环境等诸多领域,与此同时,艺术设计也是一项高度个人化的创造性劳动,它需要劳动主体充分挖掘自己的创造潜能。所以,这就要求设计师在具有艺术知识的同时,还需要了解科学技术、社会人文、艺术理论、传播与管理、计算机技术等相关知识,形成宽广的文化视野和丰富的知识储备,要有意识地培养创新思维,实现对知识储备的高效整合,只有这样才能够满足创意产业高度发展下艺术设计市场的需要。

二、艺术设计创新型人才培养模式的建构

艺术设计专业创新型人才培养,重点在于培养学生的创新意识和创新能力,在知识培养上应注重知识的综合化、系统化,使学生具有较宽的专业知识结构和较深的专业研究能力,成为社会所需的复合型人才;在能力培养上注重实践能力的培养,使学生具备较强的实践动手能力和创新能力。具体做法体现在以下几个方面:

1.在教学过程中突出创新能力的培养。创新能力的培养是艺术设计教育的核心内容,它要求在具体的教学过程中要将开发学生的创造性思维作为主线贯彻始终。从专业基础课、专业设计课,到设计实践课,我们都实施以项目课题为中心的创新设计教育模式,重点培养创造性思维,讲授创造方法,营造创造情境,围绕项目课题展开教学,引导学生进入创造角色,激发创造激情,增长创造能力,调动学生学习的积极性、主动性,收到了良好的教学效果。例如,在课程体系中开设了“图形创意”课,注重训练学生的创造性思维,强化集中教学,从而提高了学生的创新能力,在培养学生的创新意识和观念的同时也增强了学生的市场竞争能力。

2.增设实践课程,增强学生的实践能力。艺术设计教育的终极目的是使学生真正获得解决实际问题的能力。教学必须重视实践环节的落实和创作能力的培养,鼓励学生积极参与文化建设活动,广泛地建立校企合作关系,不仅有益于艺术设计专业学生实践能力的发展,更能够为社会的经济、文化建设做出一份应有的贡献。目前,我们重视实践教学,在校内建立十多个工作室,艺术设计专业以技能实践为主,采用课堂教学、实践教学并行设置的方式,使实践教学与课堂教学成为教学的两条主线,力求互相交融、相互印证,使学生将所学理论知识成功运用到设计实践中去;在校外与多个企业建立实践基地,开设以专业考察、见习、实习一条龙的市场实践课程,实现理论教学和实践教学的交替渗透,使学生贴近专业、贴近市场、贴近社会,增强实战能力,实现与企业的无缝对接。

3.实现教师的双重身份。缺乏高素质、有实践经验的教学队伍是目前制约高校艺术设计实践教学的主要因素。我们在师资队伍建设方面主要通过以下途径进行改革:采用以老带新传授经验,鼓励、选派青年教师参加相关培训、参与艺术设计实践等方式,加强对现有教师实践动手能力的提高;聘请合作企业中优秀的一线设计人员,担任兼职教师、客座教授,负责教授如广告设计、印刷工艺、工程预算、材料加工工艺等专业课程。这种“双轨制”的教学方式,不仅可以使学生亲身感受到技师精湛的技艺,从而调动起学生学习技艺的积极性,还能为学生提供实现学习与工作心理角色转换的良好环境,这些都是培养社会急需的复合型创新人才的必要途径。

4.打破传统封闭式课堂教学模式,让学生走出校门广泛开展实践调研。我们根据教学内容的要求,对设计项目的各个环节开展实际的调研与实践。经常带领学生到企业或市场中去搜集第一手资料,如到大型超市、产品生产与加工的车间或工程施工现场等地进行现场授课、设计分析以及市场预测判断。总之,要让学生在实践的一线摸爬滚打,亲身参与实际设计、开发的全过程,从中得到锻炼,真正地提高学生的设计能力和动手能力。实现了由课堂向职业场所的转变,有利于学生实现“零距离”就业。经过两年多的反复模拟训练,许多学生在顶岗实习中获得相关领域设计专家的肯定和好评。

5.开展校企合作,建立学校和企业互惠互利、合作双赢的机制。与企业建立密切的联系是加强实践教学的重要环节,甚至可以说是至关重要的环节。学校应鼓励师生在不影响正常教学的前提下,尽可能地参与企业实践活动,为企业提供有偿的技术服务,以提高教师和学生自身的实际操作和动手能力,进而改变艺术设计专业纸上谈兵搞科研的现状。当然,这一切的实现都有赖于学校、企业能够为艺术设计专业的社会实践与科学研究创造一体化的教学创造,提供政策上的优惠。通过这种机制所取得的成果,也必将惠及学校和企业自身。

三、激发艺术设计创新型人才的创造性思维

艺术设计产业是创意产业的重要领域之一。为了更好地适应经济全球化的发展趋势,艺术设计教育必须以更积极的心态努力适应、分析市场的需求走向,追求造物的专业化,认真揣摩、分析使用者的接受心理和审美发展的流行趋势。因此,艺术设计教育必须从造型的“程式化”教育向设计的“创造性思维”方向发展,并在教学中有效开发学生的创造性思维。艺术设计教学的核心是培养学生的创造性思维,绝对不能只是教技法,而是应该使学生学会思考,能够做到“博学之、审问之、慎思之、明辨之、笃行之”。抓住这个核心,就可大大扩展学生设计思维的创造空间,也能极大限度地开拓学生的大脑资源,使之能应用于设计之中去。具体方法如下:

1.兴趣是动力源。常言道:“兴趣是天才”“兴趣是智力之母”,实际确是如此。在艺术设计教学中,学生如果没有学习兴趣,就没有创新的自觉性,就不可能迸发出智慧和灵感的火花,也就无从挖掘潜能设计出好的作品来。所以,在教学中必须把兴趣视为设计的创造原动力,必须从设计独特的问题开始,以“疑”激趣,调动思维进入到创造性设计的“角色”之中,把知识的掌握和智力的开发有机地统一起来。打破了重双基轻智力、重技能轻创造师傅带徒弟式的教学模式。

2.开启多样思维。发散思维就是从一点出发向知识网络空间发出一束射线,打通与多个知识点之间的联系,最终殊途同归到达思维的预设目标。它包含横向思维、纵向思维等多向思维。求异思维具有偶然性、独特性、多向性、变通性、流畅性的特点,即思考问题时注重多思路、多方式,解决问题时注重多途径、多方案。这就需要教师能够针对同一问题,启发学生从不同的角度、层次不断地扩展、延伸,逆向深入,采用转化、变换、迁移、构造、变形、组合、分解等手法来开启设计思路,培养学生思维的灵活性,锻炼学生的创造意识和能力,最终实现学生设计水平的提高。

3.激发思维潜力。心理学家指出,想象是在过去感知材料的基础上,在语言的调节下,创造新形象的心理过程。它分为再现想象、创造想象和幻想三种。而创造性又是抽象思维与想象活动的协同作用的产物。因此可以说,没有想象就没有创造。此外,根据科学研究显示:人脑90%的潜在力还没有被挖掘出来,大脑皮层的利用率只有1/5,而大学生又正处于逻辑思维、形象思维急剧发展和形成的阶段。故此,艺术设计教学必须积极地去开掘头脑中的潜在能力,必须充分调动学生的丰富联想、想象,借此来提高学生的设计能力。

篇(7)

一、概述

在美国,艺术教育一直是整个国家教育体系的一部分。美国的绝大部分艺术院校均属私立性质。一些州立综合性大学里,也有艺术学院,主要是培养一些专业的艺术设计人才,同时为其他学科的学生提供选修艺术课程的机会,以培养学生的创意精神和艺术素养。经过专家们长期的经验积累、改革、创新,美国高校逐渐形成并建立了一整套艺术设计教育体系。各院校根据各自特色和市场需求,自我调整、相互竞争,为社会发展培养了许多艺术家和设计师。每所艺术院校都有自己的培养目标和特点,但共同特色是为学生提供具有启发性的学习环境和宽松自由的思想空间,以鼓励学生养成独立创造精神和批判精神。教师的教学以学生需求为中心,激发学生的潜在创造能力,培养学生用多种方法解决问题的能力,锻炼学生的表达能力。

美国绝大部分专业艺术设计院校都必须接受政府教育机构授权认可的相关专业委员会进行的定期检查、考核和审核,以决定该校能否继续有权授予学位、文凭和招收学生。此类检查每10年进行一次,过程非常专业和严格。委员会成员由来自各领域的专家组成,并按照委员会主席的指派各自独立审核,定期集中开会讨论。委员们有权提出要求,抽查任何材料,对学校艺术教育的各个层面进行评估,而校方必须积极配合,提供一切便利。检查和评估范围非常全面,也极为细致深入,其中包括师资资格、教学质量、图书资讯、课程设置、学生作品、师生考评、学术成果、仪器设备、宿舍餐厅、运动设施、行政管理、职业辅导等。这样的检查需要学校将所有的材料归档到位以备委员们随时抽查调阅。每次审核要用半年到一年时间,由各委员向委员会主席提供独立的报告,然后主席开会协调并讨论,以决定是否能够通过检查。各项指标在1~5个等级之间,其中第5级是最好的。委员会将对查出的问题提出具体的限期整改建议,然后再查。如果检查仍不能通过,该校将被临时取消学位授权资格,如再次检查还是不能通过,该校将被取消学位授权资格,并且降级。

美国的艺术设计学位分为4个类别。第一,博士学位仅覆盖艺术史、文艺批评、学术理论研究方向。第二,美术硕士学位是艺术设计领域的最高学位,一般学制为2~3年,并要求学生有毕业答辩、论文和视觉的个人展览才能毕业。第三,艺术硕士学制一般只需要1年左右,是介于美术硕士和美术学士之间的一个学位。该学位设置的初衷是帮助具有3年以上实践工作经验的美术学士提高理论水平,但现在已经取消上述限制。艺术硕士学位不是最高学位,不允许在大学授课,但学生可以通过补修课程以获取美术硕士学位。第四,美术学士学位学制为4年,由一年的大学基础教育、一年的专业基础教育和两年的专业教育组成。我个人认为,美国的本科教育含金量非常高,其着眼点不只是专业教育,更重视培养学生独立思考能力、多种方法解决问题的能力和不断创新争优的意识,这也可以看作人生的基础教育。除此以外,美国许多两年制的社区学院也是学生接受良好教育并且节省费用的一种途径。在那里经过两年基础课学习后,学生可以转至艺术设计学院或州立大学的艺术学院,从三年级开始学习专业。美国的艺术设计院校和其他大学一样,采取学分制,宽进严出。本科学生入学申请没有视觉考试,甚至不要求提交视觉作品,主要根据综合素质考查来录取学生。当然,有优秀作品的学生有可能得到更多的奖学金。综合素质考查包括学生对将来学习艺术设计的计划、高中成绩、知情人的推荐,以及已经完成的和艺术设计有关的作品,如速写、绘画、摄影、陶艺等。

二、美国艺术教育的特色

美国的艺术教育和其社会文化理念保持一致,但有些特色在艺术创作领域中显得更为突出。学校高度鼓励逻辑思维和形象思维的融合渗透、边缘和交叉学科的探索以及跨专业的合作,以各种方式鼓励学生的独特思考力和创造性。在此可以归纳为讲求理念、强调个性、注重创造、推崇新异、激发想象、关联社会等几大特点。

(一)讲求理念

讲求理念就是强调艺术创作要有思想内容和深度,要言之有物,不能只是为了形式。艺术家要通过自己的作品来表达自己的真实诉求和感受,用视觉形象和观众交流对话,并通过这种对话把自己的理念传达给观众,与之产生共鸣。思想是一件艺术品的内在灵魂,理念是一个艺术家的精神反映,形式则是外在的表达方法,只有两者的有机结合才能赋予以一件艺术品旺盛的生命力,而具有生命力的作品才是感人的杰作。

(二)强调个性

强调个性就是要突出艺术家个人思维与他人的不同。艺术家有充分的自由来表达个人独特的感受。艺术创作是人类在精神领域的思想升华,这就要求艺术家发挥个人特有的敏锐感来发掘事物的本质,然后运用自己独特的艺术语言来表达感受,创造出可见的视觉形象并以此来表达自己的真实声音――那是发自艺术家内心的、独一无二的声音。

(三)注重创造

艺术创作贵在创造,尤其是首创和独创,需要艺术家用自己独特的艺术语言表达自己的思想, 从内容上和形式上都要有所突破。 艺术家最忌讳与人相似或类似。艺术家在此是高傲的,也是自律的。他们不甘平庸,痛恨“山寨”,常常为创作一件艺术品而苦思冥想,绞尽脑汁,以求自我创造。

(四)推崇新异

艺术家为求自己的作品能给人以耳目一新的感觉,苦苦追求并希望抓住所处时代的新气息、新观念,并与之同步甚至领先。为此,艺术家开拓新思路,发掘新题材,运用新技术,寻找新材料,以新时代的新语言,来表达新思想和新理念。为求出新,许多艺术家纷纷转向不同于自己国家的文化汲取营养,以求嫁接,再生新果。这也成为后现代主义的一个重要特征和在艺术设计领域的具体实践及反映。

(五)激发想象

激发想象就是充分制造空间以激发学生的想象力,使其举一反三并灵活处理,产生多角度的观点,发挥无限可能的探索和比较。艺术创作没有一个固定的模式,学生通过对模糊处境的处理和应对,能理清思路,找出各种可能的解决方法,以此证明自己的准确判断。提升学生的反思潜能和想象力是促使其新观念诞生的重要方法。敏感度、观察力、想象力是丰富视觉传达的手段和表现手法。有想象才会有新意,有想象才会有突破。

(六)关联社会

这看起来和强调个性有矛盾,其实不然。正因为艺术家异于他类,他们对社会上发生的许多事情,除了有敏锐的感觉外,还应有丰富的语言表达方法。科学家发明新的东西造福社会,让广大民众享受高科技带来的实惠。艺术家除了能够表达人性美、自然美外,也能用自己特殊的触觉来感受社会、发现问题,并用艺术形式传递自己的看法,以引发人们和政府的关注。此类例子举不胜举,如在呼吁对艾滋病人的关注和推动政府对艾滋病治疗的研究方面,艺术家们相关领域的创作是功不可没的。在此,艺术家不仅为民众提供了大量的精神食粮,而且配制了治疗社会病症的“良药”。

三、美国艺术教育发展的启示

业余的艺术设计教育在美国也非常普及,对提高整个国民的艺术素养作出了很大的贡献。除了民间的许多组织教授和生活密切相关的艺术设计课程外,许多公立和私立院校都会利用丰富的教学资源和设备,开设夜间班、周末班、假期班等,为普通市民提供艺术设计课程。此类课程收费低廉,不授予学位,但为业余艺术设计爱好者的知识与技术水准的提高创造了非常良好的环境。