视觉艺术教学精品(七篇)

序论：写作是一种深度的自我表达。它要求我们深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隐藏在内心深处的真相，好投稿为您带来了七篇视觉艺术教学范文，愿它们成为您写作过程中的灵感催化剂，助力您的创作。

篇(1)

只有开展多元化评价，才符合视觉艺术传达专业的设计类课程的特点与发展要求。高职设计类课程多元评价的概念。高等职业技术教育的培养目标需要由“知识中心”向“能力中心”转移，实现转移的关键因素就是学习效果的评价，而目前很多高职院校视觉艺术传达专业设计类课程的评价方式相对落后，急需调整步伐、紧跟时代需求与发展。多元评价是以建构主义理论、多元智能理论和高职教育培养高素质人才为目标，坚持评价主体多元、目标多元的理念为基础，以人的综合职业素质为评价重点，强调以人的发展为本的价值取向，关注学生的多元智能、多维能力和职业素质的发展，坚持评价主体多元、目标多元、标准多元、方式方法多元等。

高职视觉艺术传达专业设计类课程多元评价的内容

1)设计类课程的理论知识与实践技能。多元评价要求应由过去单一的评价学生所掌握的基础知识转向评价学生的综合能力、实践技能和职业素质，促进学生能力和素质的不断进步，以达到全面发展的教育目标。多元评价是为了促进学生的成长和教师的发展，让不同层次的学生都能获得成功，最终成为“教一评—学”三位—体，充分发挥以评促学、以评促教的作用，最终形成学习的良性循环。因此，设计类课程本身的理论知识和实践技能等就构成了课程评价的基本内容。由于高职艺术设计类专业的职业性特点，很多学校要求所开设的专业课程更多地关注学生职业素质与职业能力的培养，因此在对学生专业技能情况进行评价时，往往会照搬理工类课程的量化考核，这对于艺术设计类学生来说，不但会磨灭他们对个性化的艺术语言的探索，逐渐陷入技能第一的误区，更容易遮蔽学生学习过程中的表现性成长。因此，理论知识和实践技能虽然是传统评价方法最主要的部分，但是在多元评价中，这一部分虽然重要却并不能作为评价的全部。

2)艺术表现能力。艺术表现能力是艺术设计者专业水平的体现，包括创意能力与制作能力。高等职业技术教育的人才培养定位是:高职培养的人才就是应用型白领、高级蓝领，或者叫“银领”人才，是高技能专门人才［1］。因此，培养出来的人才应该是各行各业的主力军。提高学生的制作技能是教学的关键，但是从目前专业需要和社会发展的角度看，拥有独特创意的能力才是艺术设计类课程最重要的培养目标。因此，不能用简单的量化标准去衡量创意是否出色，而应该综合考虑行业意见、专家意见与观众反映。因此，在多元评价时应重视学生艺术表现能力的发挥与培养。

3)艺术鉴赏能力。提高学生的设计创作能力必须先提高他们的艺术鉴赏能力。对于设计类的课程而言，开拓学生的眼界，提高他们的鉴赏能力，是学好该类课程的关键。只有观赏大量的优秀作品，逐渐提高自身的审美品位、鉴赏能力，才能创造出赏心悦目、震撼心灵的艺术作品。因此，设计类课程教师不仅要在教学中引导学生观看大量的优秀作品，锻炼学生的分辨能力，提高学生的艺术审美眼光，培养学生的艺术鉴赏能力，还应把这些作为课程评价中一项独立的内容强调并运用，通过欣赏与相互评价交流，不断促进学生鉴赏能力的提高。

4)积极健康的人生观与丰富的文化素养。艺术设计类课程教学在重视学生个性化培养的同时，也必须重视培养学生积极健康的人生观、正确的学习态度以及自我完善的能力等。这既是学习设计类课程的需要，也是学生个人发展的需要，从长远考虑，这也直接影响到我国视觉艺术传达专业的发展。作为视觉艺术传达专业，必然要求从业者不仅要具备艺术、技术等方面的专业技能，还要具备自然科学、历史、社会学、心理学、哲学等丰富的人文知识，因此，全面提高视觉艺术传达专业学生的文化修养，应贯彻到课程的各个教学环节之中，并在教学评价时有所体现。

高职视觉艺术传达专业设计类课程多元评价的方法

1)学习过程评价。传统的教学评价方式是以课程结束后展示学生作品后再进行评价，但是这种方式只重结果不重过程，对于那些学习认真但水平和能力有限的学生而言，他们努力的过程容易被忽视。因此，应将学生的学习过程纳入教学评价之中。过程性评价是质性评价的一种主要表现形式，而质性评价是设计类课程评价的重要方式，过程更能反映每个学生的发展变化，体现出学生成长的历程，其注重学生的探索过程，而不是学习的结果，它适应艺术教学的即兴变化、个性、跳跃等特点［2］。因此，学习过程的评价是视觉艺术传达专业设计类课程多元评价中必要的基本方法之一。在学生学习课程的各个阶段教师都要设置评价点，针对不同的学生用心观察、客观记录、进行合理的评价。

2)学生自我评价。自我评价是一个人对于自己的自我认知、自我定位，以及在此基础上的自我完善。对个体全面而深入的分析研究，是正确引导人们形成良好自我评价能力的前提。大学教育的重点是如何培养学生良好的自我学习能力，它可以为学生有效地学习以及将来职业发展和终身学习提供应具备的技能，对学习结果起着衡量作用，有助于学生在学习过程中及时发现问题并纠正偏差。所以，及时引导学生进行正确的自我评价，这应是视觉艺术传达专业设计类课程评价别重要的一个环节。当然，在学生进行自我评价的过程中，教师应给予积极的指导与引导，以加强评价的管理与监督，避免或减少学生自我评价的随意性与不规范性。

3)学生互相评价。学生之间的相互评价是多元评价中另一个重要环节。可以通过举办校内学生作品展，让师生进行客观公平地评价，以提升学生的学习成就感，激励学生更加努力;还可以通过DV、相机摄录或拍摄学习制作的过程，展示他们的设计构思笔记等方式，从多角度反馈学生的学习效果。学生通过饱览各种设计作品，在开阔眼界的同时，鉴赏能力也能有所提高，这时再让学生进行互相评价，可以促进学生之间相互学习与交流;同时由于学生们评价的是自己同龄人的作品，便于彼此了解与沟通，各个作品中的不同之处，不仅可以启发学生，也能刺激学生的竞争意识，激发学生的学习兴趣。因此，学生的互评不仅体现了学生的鉴赏能力，而且也体现了创作者的设计能力，可以在评分时综合考虑［3］。

4)教师评价。对于教学而言，即使引入了多元评价，教师依旧是最有权威的评价者，各种评价都是在教师的总体监控与指导下进行，例如作品的评价标准、内容与计分比例都由教师制定。同时，教师还应当对学生互评进行指导，了解学生互评的态度与鉴赏水平。教师对学生的学习状态、作品设计与制作能力、鉴赏能力是最有权威的评价者，其对学生课程的评价也应该占多元评价各个组成中最重要的部分［4］。在教师评价中可将学生的作业、作品与成绩变化等数据建立电子档案，以便于全面了解学生的学习情况与进步，有利于对学生作全面评价。另外还可以通过师生座谈交流总结，更全面客观地对课程教学情况进行综合评价。#p#分页标题#e#

5)网络评价。一个优秀的设计作品应该能够得到业内人士与广大观众的认可。所以在评价作品时，如果能够加入更多的观众评价，对于艺术设计类课程来说是很有意义的，这不仅可以帮助学生更清楚地认识自身设计与制作水平，还能帮助课程教师发现专业设置、课程安排与教学设计中的不足，从而做到及时调整，将教学与市场需要贴近。在信息技术飞速发展的今天，特别是网络技术的兴起，为高职教育教学改革创造了有利条件。已有部分高职院校开始推行网上评教的方法，既有利于教师通过网络及时与学生沟通，传达对学生作品的评价意见;又可以尝试学生进行网上评教，反映学生对教师教学效果的满意程度［5］。但由于一些不确定性因素，网上评教只能作为一定的参考，尚需对相关数据进行整理分析方能得出综合的结论。

篇(2)

论文关键词：多媒体，视觉，设计，视觉美感

 

一、绪论

随着多媒体技术在教育教学中的广泛应用，多媒体课件制作越来越受到相关方面的重视。一个好的多媒体课件不但能很好地让学生获取知识，而且又要能提高教学效率，使老师和学生从烦躁的课堂上解放出来。那么什么样的课件才算好的多媒体课件？又如何才能制作出好的多媒体课件呢？我认为好的多媒体课件应能充分合理的利用文字、图象、视频、音频及动画，给学生展示一个搭配和谐、构图美观、制作有创意的美丽图画。

二、多媒体课件的文字设计

在多媒体课件信息设计中老师们往往通过大标题、中标题、小标题的层级关系来定位所处的位置，建立起系统严谨的信息管理概念，由此来把握多媒体课件的信息脉络，因此各级标题在字号、字体、色彩上最好能有一定的区别，建构起一定的层级关系。在每一个版面上，标题部分最好能有一定的视觉稳定性和延续性，保持课件版面风格的统一性，方便受教育者在学习过程对重点内容的查找和关键内容的识记，同时利于授课者在课堂教学中对信息内容的同步讲述。

课件的文字不是越多越好，过多的文字只会让受教育者无所适从，使有效信息无法识别，多媒体课件信息失去可读性。因此，在制作时，正文要以标准的黑体和宋体为主，编排时字距和字符距可以较小，行距可以有意识的加大，这样可以增加每行之间的有效距离，帮助受教育者对内容的识别视觉美感，使受教育者保持视觉传输信道的通畅。在信息量极大的多媒体课件中，对于需要重点强调的内容，常常采用增加下划线、变换颜色、更换字号、加粗字体等方法来实现，使这部分内容能从庞杂的内容中脱颖而出。但是必须特别强调的是这种方法不能在单一版面上使用过于频繁，如果满版都是重点符号和标识，将会使多媒体课件显得异常混乱，信息分散而凌乱，其结果无异于没有重点。

三、多媒体课件的配色设计

在设计制作多媒体课堂教学课件时，经常会出现这样的现象，设计好的PPT演示课件，在自己的电脑上色彩鲜艳美丽无比，可是到投影银幕上却一片模糊。究其原因，除了一些客观的因素外，最重要的还在于设计者没有掌握好相关的配色设计。多媒体课件的配色计应当注意以下四个方面。

1、投影银幕上的颜色视觉清楚度与颜色亮度有关。高亮度的前景色(白色、黄色、绿色、青色)适合与低亮度的背景色匹配，低亮度的前景色(黑色、兰色、红色、紫色)适合与高亮度的背景色匹配。

2、投影银幕上的颜色视觉清楚度与前景色和背景色的对比度(或亮度差)有关。高清楚度的匹配显示出前景色与背景色的极高亮度差。

3、低亮度差(或低对比度)的颜色匹配(黑一蓝，蓝一黑对比等)看不清楚；同色调对比中也未显示出高的清楚度。

4、在投影显示中，最佳的前景色为黄色和白色。最佳的背景色为为蓝、红、蓝绿期刊网。为保证投影银幕上的文字高清楚度，当选用高亮度文字颜色(白色、黄色、绿色、青色)时，背景颜色应选用低亮度的颜色(黑色、兰色、红色或紫色)和极低亮度级的背景色；当选用低亮度的文字颜色(黑色、兰色、红色或紫色)时，背景颜色应选用高亮度级的高亮度颜色(白色、黄色、绿色、青色)；低亮度差(低对比度)的颜色对比(黑一蓝，蓝一黑对比等)以及同色调对比匹配应避免使用。

四、多媒体课件的图片设计

多媒体教学课件中图片的编排与设计是非常重要的，多媒体教学课件可以图文并茂地向学生提供信息，成倍地加大了它所提供的信息量，而且图片的引入也大大美化了多媒体教学课件的页面。

多媒体教学课件图片要求不高，在图片的选择和优化的同时，图形图像一定要清晰规整，若将图形、图像作为学习的内容时，图形、图像要尽可能大并放于屏幕中心位置。作为背景的图像要简洁明了，颜色淡雅，如此设计能够突出主体，有利于减轻眼睛的疲劳和学生对主体内容的感知、理解和记忆。图的内容要便于观察。图形、图例等画面的设计在清晰的基础上要尽可能大，图的主要内容应处在展示屏幕的视觉中心，便于学生观察。复杂图形要逐步显示。对于较复杂的图，如果一下子显示全部，会导致学生抓不住重点，也不便于教师讲解，因此，这样的图形，应随着教学的过程分步展示，到最后显示出全图。

在编辑图形图片时，应考虑它们在整体编辑计划中的作用，达到和谐整齐，要达到这样的效果，在页面图片的合理选用时，一要注意统一视觉美感，二要注意悦目，三要注意突出重点，特别是在处理和相关文字编排在一起的图片时。

五、多媒体课件的动画设计

在教学中教师经常遇到一些难以表达，甚至无法表达的问题。动画可以将抽象的无法亲身感知的现实生活中很难出现或不易观察到的现象，真实、形象地模拟出来，弥补了常规教学的不足，容易收到生动有趣的效果。

多媒体动画的设计原则要遵循两个原则。一方面动画要流畅，无停顿、跳跃的感觉。动画画面的设计应简洁生动，构图均衡统一，色彩配置和谐明快，动作自然流畅，文字清楚醒目，动画的色调与界面整体风格相符，动画的布局合理。另一方面，动画的配音要恰当。声音包括解说、音乐和音响效果，它起承上启下、穿针引线的作用，应力求做到朴实生动、清晰流畅、通俗易懂、节奏合理、准确无误。

六、结论

设计好多媒体课件，可以把枯燥的课堂变得生动有趣，展现其特有的魅力与作用。因此老师要特别注意多媒体课件的视觉技术，以激发学生强烈的求知欲，使他们处于主动地位，形成直接的学习动机。如果师生在知识交流的同时获得更多审美享受和视觉愉悦，必然能逐步提高全民族的整体素质，培养受教育者更加全面的综合能力。

参考文献

[1]代志强.如何看待高中数学教学中的多媒体应用[J]．时代教育（教育教学版）, 2009(2).

[2]黄秋生，罗丽萍，彭玲.简论多媒体教学课件制作的要素[J]．实验室研究与探索，2003(3).

[3]赵素云.多媒体教学中教学课件的设计与开发[J]．光盘技术2008(8)．

篇(3)

关键词：视觉艺术 单一思维 系统化 创新性

早在史前时代，人类就用图像模拟和创造自然世界，今天视觉艺术已经成为人们传达文化信息的重要系统，是人文科学的新领域并占据着重要的地位，当代文化理论更称之为“图像的转换”。忽略了视觉艺术发展的有机整体必然造成文化的断层。到目前为止，对视觉艺术并没有一个完全合理的概念解释，一般是指人们将眼睛所看到的自然形象，进行有意识的描绘，完成某种功用，赋予艺术作品一种文化内涵，并通过不同的载体传播与交流思想。视觉艺术的形式有很多，主要有以下几大类：绘画、影视、雕塑、服装、广告、摄影、动漫、建筑、多媒体艺术等。视觉艺术教育已经成为重要的专业教育组成部分。视觉艺术研究方法直接决定着其教育的科学性。本文将分析我国视觉艺术研究存在的主要问题，并提出一些对策建议。

一、我国视觉艺术教育研究存在的主要问题

1.我国视觉艺术教育研究存在单一思维模式

我国早期的视觉艺术是在一个与外界相对隔离的半封闭环境中形成的，带有农耕经济特征和血缘宗法制度，是儒、释、道等不同文化形态相互融合的自发性独立文化体系。今天我国的视觉艺术产品随着经济形势的发展异常繁荣，视觉艺术研究却一直未受到应有的重视（其中还包括基础文化艺术设施的建设，如艺术博物馆、大学视觉艺术的学科建设），这既不符合社会发展规律，也难以推动文化艺术的整体健康发展。

例如，目前我国的绘画艺术研究就是一种典型的单一思维。由于我国的绘画艺术拥有传承数千载的历史背景并有人数众多的从业者，这造就了许多单一范围内（中国）根深蒂固的思维模式，违背了艺术的多样发展规律。学校的绘画教育甚至还停留在简单的基础训练和理论研究中，特别是我国油画的百年发展史，在缺乏对“真实”的学习和“文化断层”双重因素影响下，其功能性正逐渐丧失。

2.我国视觉艺术教育研究缺乏系统化

随着经济的快速发展，我国视觉艺术研究亟待与世界接轨。尽管有更多机会学习西方视觉艺术的先进经验，但目前有些人研究方法简单，不是拿来直接抄袭就是东拼西凑。主要原因是研究者在对视觉艺术学科间的比较研究中缺乏应有的联系，没有融会贯通，没有系统了解中西方视觉艺术及各种流派的变化，忽视系统的美学知识理论指导，而进行盲目的实践。长此以往，研究逐渐就会陷入尴尬的境地，没有自己的创新性和民族特点。

通过对我们本民族的视觉艺术与国外视觉艺术的研究可以发现，由于地域、民俗和的差别，在传统视觉艺术上存在明显的不同之处。缺乏系统化也表现在我国视觉艺术研究专著贫乏，难以在教育研究中起到指导借鉴作用。系统化研究就需要理顺视觉艺术发展的脉络，细致入微地从视觉艺术的绘画、图案、包装、招贴等方面比较研究中外在传统视觉艺术方面的不同之处，提高研究者的创作能力。

3.我国视觉艺术教育研究需要创新性的思维方法

视觉艺术的发展源自于人类无限的创造活力。长期的单一思维和缺乏系统化的研究方法从根本上阻碍了创造力的发挥，束缚了想象力的培养，其中包括创新性的思辩能力。因为创新性的观点来源于最少程度的思想限制和对课题的系统把握，有了丰富知识的指引，才能创新样式，保持视觉艺术发展的活力，并能指引健康的文化艺术发展方向。比如基础教育中强化构成艺术中的形式语言，而形式语言的图像符号就需要学生作为创新点展开无限想象的空间。视觉艺术的创新性思维方式的培养应当成为今后的首要教学目的。

二、我国视觉艺术研究误区及解决策略

视觉艺术的繁荣程度是一个国家经济繁荣的重要标志之一，而研究方法的科学程度从根本上又决定了视觉艺术的发展方向。我国薄弱的艺术教育力量和视觉艺术的历史经验无法适应视觉艺术研究发展的需求，一些行政干预也违背了市场规律。要解决思维单一化，前提是加强视觉艺术的基础教育，重视视觉艺术发展的文化地位，特别要排除行政思维等非专业性干预。

我国在视觉艺术研究中从根本上缺少跨学科、系统化的研究方向。目前在我国绘画艺术加速弥补文化断层的基础上，设计似乎也开始逐渐建立自身完整的研究体系，这主要得益于国际商业交流的频繁，促进了跨学科、系统化的进程。但视觉艺术设计较绘画似乎更加忽视自身艺术史的研究，对国外艺术史也存在断章取义，这必将使我国的视觉设计发展成为无源之水、无本之木。比如研究传统图案在包装上的应用，思维不能仅限于传统图案，若将当代文化内涵和中外传统图案设计元素联系起来，发现共同点，去掉不适合现代社会的因素，效果会更好。不同设计能够体现不同国度的风俗变化，扩展品牌的国际声誉，视觉设计更能达到出奇制胜的目的。系统化提示我们在设计中不仅要考虑功能性、装饰性，还可以从其他不同艺术形式中寻找装饰语言。要很好地运用形式美的要素，把不同的表现形式运用在同一平面上，使之协调整合成为一个完善的创意。因为形式要素中点、线、面的运用一定是相通的。当然，由于时代的不同，艺术风格也要相应变化，要考虑地域、风俗习惯、民族性、等各种条件，并且涉及到社会学、心理学、宗教学、民俗学等多学科的知识，使之融会贯通，更加系统化，成为雅俗共赏的设计样式。这样才能设计出有创新性、国际性的大品牌产品，为产品走向世界奠定基础。

创新性依赖于完善的创作思路，而提升创新性的关键在于解放思想、深入探索，挖掘创作者的潜力。这也迫使我们的视觉艺术教育研究进入这一良性循环轨道。

结语

本文主要是探究我国当下视觉艺术教育研究的一般思维方法误区，从视觉艺术的图案、包装等应用方面及绘画艺术实例，比较分析我国在视觉艺术研究方面的不足，从中找到今后需要改进、提高的地方。研究时避免单一化，追求多元化、跨学科的思维方式；将知识整合，汲取中国传统艺术的精华，创造出更接近自然、更人性化的视觉艺术作品；学习国外的视觉艺术创新性方法，在借鉴之后提倡更富新意的创作。因此，研究者要能跨学科，互相取长补短、融会贯通，推动我国视觉艺术走积极健康的发展之路。

参考文献：

[1]鲁道夫・阿恩海姆.艺术与视知觉[M].成都：四川人民出版社，2001.

[2]伯尼斯・马丁.当代社会与文化艺术[M].成都：四川人民出版社，2000.

篇(4)

【关键词】 “生命影响生命”；美术教育观

[中图分类号]G64 [文献标识码]A

教育是人类成长进步的必然推动器，没有教育的社会是落伍、退步的；固步自封、陈旧的教学方法也不能让社会改变。所以，理想、进步的教育必须配合适当教学方法及其它配件，而促成教育的成效性。陶行知认为：“教育的作用是使人天天改造，天天进步，天天往好的路上走；就是要用新的学理，新的方法，来改造学生的经验。”[1]720世纪60至80年代，香港中学的视觉艺术教育过于着重技能培训，至九十年代则偏重知识发展，时至今天兼备创作与评赏，教师实在难以适从，困惑于如何教，如何达至成效。笔者将自己二十多年在中学的视觉艺术教学经验，发展为一套教学理论，本文在于介绍“生命影响生命”教育观，对视觉艺术教学重新提供一个新的教学观念。

一、“生命影响生命”教育观的本质与内涵

笔者认为每个学生都可以去教，他们各有自己独特的潜能，无人可以代替，只是等待机会被发掘出来，所以，教师是他们潜能的开发者。事实上，学生的能力未被认同的时候，屡受挫折之余便会缺乏信心，终至学习表现欠佳。究其原因，除了在学与教两方面配合不到他们之外，还欠缺教师的鼓励和关心。其实，教师可以多行一步，除不断改善自己教学外，还可与学生分享自己的生命经历，让学生可以从中学习，他们的生命因而得到激励。因着这些理念，笔者慢慢地发展自己一套教学理论的核心标准――“生命影响生命”（“life to life”art education）――中学视觉艺术教育理论（以下简称为“生命影响生命”教育观或“生命影响教育观”）。所以，拥有一套“教育思想”和“教学理念”是每位教师首要和基本的规格要求。

笔者受西方视觉艺术教育理论影响最深远的是罗菲尔德（Lowenfeld）的“工具论”和艾斯纳（Eisner）的“以学科为基础”的艺术教育理论。笔者既认同罗菲尔德的顺应儿童成长而发展艺术能力，教师不加干预；又赞同艾斯纳认为艺术能力非自然的成长，是后天学习的结果，尤其是知识。罗氏的教学理论纯是顺应一个人的成长而发展不同的能力，这点是成立的。因为强行教授学生能力不逮的知识，到头来不单学不到东西，反而留下不好滋味。笔者认为艾斯纳的教学理论也有道理，因为如果没有系统的课程，没有美术知识的培养，任由学生自行发展，试问怎会有米开朗基罗（Michelangelo）和塞尚（Cezanne）这些伟大的艺术家出现？笔者在中学视觉艺术课堂教学内，都有用到上述这两套的教学理论，而且效果也相当理想，只是不同类别的学生，就要用合适他们的教学理论。不过，学行较为逊色的学生必然需要夹杂多种教学理论才可以进行教学。笔者明白，“只有当学生接受和认可了教师，学生才会接受教师的教学；在复杂的教学情境中，师与生的交流与沟通，最终是否产生教学效益”[2]27，这是一个教学规律。

笔者认同师生沟通非常重要，“生命影响生命”教育观的本是一套教学理论，乃透过自己生命影响学生的生命，用自己和他人的经历感染他们，陪伴他们一起走过漫长而艰苦的学习路途，让他们透过学习视觉艺术认识和了解自己，继而了解别人。于是在沟通过程中，自然包含了辅导的元素， 因此，“生命影响生命”教育观的内涵除结合罗氏和艾氏两套教学理论外，还加入一些“艺术治疗”的理论其中，从中对学生进行辅导，让学生在视觉艺术创作过程中可以享受创作乐趣，又可以舒缓情绪，更可达到学习目标，收学习成果之效。罗氏认为“美术教育的重要性在于它有利于个人的成长和发展，通过教育的过程使学生有一个健康、民主、个性的发展空间。也可以这么说，美术教育的创造性活动提供了一个释放压力的情感出口，因此艺术活动的医疗特性对于快乐的、有良好调节能力的儿童的健康发展是非常有意义的”[3]41，他的理论孕育了艺术治疗的发展。一句话，笔者的“生命影响生命”教育观乃结合罗菲尔德的“工具论”、艾斯纳的“以学科为基础”的艺术教育理论，以及“艺术治疗”的理论。它是指在尊重学生艺术表现基础上以教师生命经历激励个体学生成长的艺术教育主张，这是关爱生命的教育，藉此影响他们生命的改变与成长。

二、个案探讨及实践成效

究竟这套“生命影响生命”教育观的教学方法是什么？事实上，笔者在课堂教学中，会用多些时间对每个学生进行个别指导，除了是了解他们学习需要外，还对他们在学习上的一种扶持与鼓励，陪伴他们走过这条艰辛的学习之路，让他们感受到有一种同在感觉。在跟学生进行个别指导时，透过与他们倾谈和讨论创作路向，对他们的学习进行辅导，以视觉艺术作为沟通、治疗的工具，如引用一些名家作品，透过作品内容让学生有反思机会，从而鼓励他们尝试表达自己生命的经验。

笔者2011年在一所高中的视觉艺术课堂上进行了对“死亡”主题的探讨，并引用20世纪挪威表现派画家蒙克（Edvard Munch）一系列的作品（图1、图2、图3）进行讨论、欣赏和分析，引起学生对主题探讨的兴趣及动机。在教学过程中，学生分享了自己对主题的体会及经历，从中释怀了自己心中的情绪；然后，教师进行个别辅导，深入主题，探讨其创作意念，并分享自己相关的经验（图4、图5），大家藉此建立紧密沟通，彼此激励，活化课堂。

如图6是学生的创作，它们都是以“死亡”作为主题、透过别人的经验分享、彼此激励、在生命影响生命下而完成的创作。创作完成后，学生们分享自己的感受，抒感。

笔者在2016年3月初开始对高中年级的一班香港及南亚裔学生以“大小”为主题，指导他们进行绘画创作。笔者首先以“生命影响生命”教育观进行教学，对一系列“大小”为主题的绘画进行欣赏及分析；然后让学生分享自己经验，教师与他们进行个别讨论，并分享自己的相关创作经验，与他们共商创作方向；完成作品后（图7-9），再让学生们分享创作感受。

总的来说，这种教学模式是：欣赏分享讨论反思创作总结。这六个过程，教师和学生一起参与，共同经营，活化整个学习生态。由此推论，“生命影响生命”教育观就是单指视觉艺术教师与同学间以生命互为影响生命而能健康成长的教学理论。综合而言，“生命影响生命”教育观有三方面的基本作用：一是课堂教学中师生有紧密的沟通；二是课堂教学中学生生命有成长；三是课堂教学中师生在互相配合下教与学均达到高效能水平。一句话，这套教育观是师生要建立紧密的沟通去感染学生学习。

三、小结

香港虽然分别在2003年开展了视觉艺术基础教育（小一至初中三） ，在2009年开始了新高中视觉艺术课程，但实行了多年的课程，究竟有多少成效？学生在这学科上能发挥多少？教师在课程下如何发挥教学，而让学生学习上有成效？我们作为前线工作者必须要留意和关注这些的问题。笔者所构建的“生命影响生命”教育观，不单是自己二十多年来教学经验的积累，而且还对香港视觉艺术教育作出了启示。包括以下三方面：1.视觉艺术教师建立课堂教学艺术，发展多样性的教学方法，展现创造性教学魅力。每个教师都有自己的“课堂教学艺术”，它就是教师于课堂内展现个人特有教学风格，也就是视觉艺术教师于课堂内展现自己个人独特教学理念和样式，而感染学生有效学习的创造性教学魅力。“生命影响生命”教育观的出现启发了香港中学视觉艺术教学新的教学方向，确立了今天教育的新趋势。2.活化课堂教学，造就了学习生态。视觉艺术课堂教学是师生间关系建立的交叉点，透过与学生进行个别指导，与他们倾谈和讨论，一方面了解他们学习需要，藉此建立关系，活化课堂教学；另一方面，与学生进行生命教育，分享自己的人生阅历，用自己的生命影响学生的生命，营造学习生态，因为“教学过程本身就是师生人生中一段重要的生命经历”[4]96，从中灌输正确的学习态度、道德观、价值观等，修正他们偏差了的思想和品德，激励他们积极学习之余，勇于尝试，发展自己潜能，改变和缔造新的生命。况且“一切教学行为都应该是教师积极支持学生健康成长和进步的活动”[5]58，这才是教师发挥教学艺术所起的积极作用，是教育的真正意义，学生得到真正的学习成果。3.因材施教，建立校本/班本课程设计。要教学达到成效，不得不在课程设置上下点功夫，尤其对学行稍逊的学生，便需要设计合适的课程，以切合学生能力。透过“生命影响生命”教育观，教师个别指导和关心他们的需要，让他们能透过视觉艺术表达自己，舒缓心中的情绪，重建他们学习信心，但最重要是认同他们的学习表现。总的来说，“学”与“教”能达至成效，两者必互相配合。“生命影响生命”教育观主张的提出是师生体验生命的时候，让教师可以进行自我检视，是优化自己教学的契机。

参考文献：

[1]方明.陶行知名篇精选[M].北京：教育科学出版社，2011.

[2]尹少淳.初中美术教学策略[M].北京：北京师范大学出版社，2010.

[3]马菁汝.罗思菲德与艾斯纳的告诫[M].长沙：湖南美术出版社，2010.

篇(5)

在美国的教育理念中，每个学生，无论男女，种族，残疾与否，都应该有均等的接受教育的机会。根据美国当代著名心理学家、教育家加德纳提出的“多元智能理论”，儿童的思维被区分为7种思维形式，它们分别是语言的、逻辑的、音乐的、空间的、体态的、人与人之间的（交往的）以及对自我的认识等智力表现形式。依据加德纳的这种理论，教师将所有的学生大致根据智力表现形式的不同分为：视觉型学生，听觉型学生，阅读型学生，动作型学生，语言型学生等。不同类型的学生应该分别在不同的方面有所擅长，如视觉型的学生会对画面敏感，可以更快掌握创作技能；语言型的学生擅长对历史的研究和对审美经验的总结；动作型的学生肢体语言能力相对较高。对于不同的学生，美国教育试图尽最大可能给予其平等的教育机会和公平的成绩评估，DBAE教学理念的施行，促进了这种平等观念的实施。这就改变了以往只有动手能力强的学生才会在视觉艺术课上得到教师赏识，拿到较好成绩的状况，使不同类型的学生可以用自己所擅长的思维形式表达对艺术的理解，从而爱上艺术，自觉地接受审美教育。这就让视觉艺术教育成为一个具有明确的目标、内容和方法的人文学科。它以讲授本学科的全面知识和发展本学科的整体智能为宗旨，在学校中与科学和语文等科目处于平等的地位。具体到这种教育理念的实施，美国的学校把每个具体的教学任务落实到了实处和细处。教师的教学计划、教学活动的安排都要和这一理念吻合，校长和教务人员会常常到教室听课，并随时提出对课堂活动的意见，以确保这种教育理念的贯彻执行。

自由创造精神

席勒说：“艺术是自由的女儿。”在美国的视觉艺术教育中，自由创造的精神深入人心。在美国的课堂教学中，当学生开始制作自己的视觉艺术作品时，作为教师应该学会适当的保持沉默。对比国内的教学经验，当学生开始进行美术创作时，作为教师有义务对学生进行详尽的指导，否则，就可能被认为是不负责任的表现。但是，在美国如果一个教师喜欢在学生制作作品时指手画脚，则会被看作没有专业素养的表现。美国人的观念里，“帮助”只有在被请求时才应该给予，否则则被视为某种意义上的骚扰，这和美国人对独立自主观念的重视有很大的关系。在美国，一个人在出手相助前，一定会先问准备帮助的对象：你需要帮助吗？得到允许才可以伸手帮忙，否则，即被视为打扰和不尊重他人。所以，课堂上学生的创作自由会被充分地尊重。美国的审美教育观念深受瑞士的心理学家皮亚杰的影响。皮亚杰的研究认为，“儿童思维与成人思维是不同的，儿童有着自己总结经验和思维的方式”。教育界对这种观念的认可使美国日渐形成了一个“儿童中心主义”的教育环境，无论是学校教育还是家庭和社会教育，都非常注重儿童主体性的发挥。

在美国的教育家看来，儿童应该有机会在毫无干涉的情况下接触和探索不同种类的绘画或音乐。在此期间，任何人给予他们过多的示范、观摩、建议，都有可能会使儿童过早形成固定的他人的思维模式。因为这样就遏制了他们自己的艺术理解力和创造力的发展，会在他们日后的审美过程中形成桎梏和枷锁，无法进行自主的创造性的审美活动。加德纳发展了这一理论，提出艺术思维不同于科学思维和逻辑思维，有着自己的思维方式。所以，在美国视觉艺术的审美创作的过程中，创作者无论年龄大小，都被给予了广阔的自由自主的空间，教师必须尊重儿童的思维模式。对于初期的视觉艺术教育，重要的是让儿童大量接触不同种类的艺术形式，并且教育者鼓励学生用自己的独特方式来自由传达对不同艺术形式的审美理解和再创造。以“梵•高的《星空》”这一课为例。学生在学习这幅画的历史和美学价值之前，先要对它作出自己的评价判断，而后尝试创作表达自我感受中的《星空》。在此过程中，没有对错之分，每个人的观点和创造都是珍贵的，重点是表达了自己的独立看法。

如果教师把自己的判断和想法直接告诉学生，学生就很有可能重复教师的评判，画出教师所感受到的星空，这在无形之中磨灭了学生珍贵的创造力，使他们成为人云亦云的所谓“权威”的传声筒。这种情况在中国的基础美术课堂上时有发生，十分值得我们深思。

在美国人眼里，艺术根源于艺术家的自由创造，即使无意识的自由创造也是独特的艺术表现，如美国行动派艺术家杰克逊•波拉克的滴洒艺术就是这样。同时，艺术也是艺术家个人情感的表现和宣泄。因此，艺术教育的根本在于学生创造能力的培养。作为学习主体的学生不仅需要能够理解、感知艺术作品中所渗透的作者的情感，而且需要调动自己的情感和审美经验创造出自己的艺术作品，通过自己的创作对自己的感受进行自由传达。艺术就是创造，复制不是艺术。从美国政府对版权的保护可以看出美国人对于原创的重视，对于自由创造的尊重。

这给予了艺术创造以良好的环境和肥沃的土壤。在我的美国课堂里，学生会对模仿自己作品的人说：“请你不要拷贝我的画，这是我的想法，你要有自己的想法。”由于确认了艺术是情感的创造性表达，所以在美国，视觉艺术的教学不会只针对艺术作品进行逻辑性分析，而是通过多样化的手段努力构建审美主体的审美心理结构。在这里，自由创造的精神让审美主体的主观能动性得到了最大程度的发挥。

多元化特征

在美国工作和生活，能够强烈感觉到这个国家的多元化特征。作为世界上最大的移民国家，兼容并蓄、开放包容是美国社会公众心理的主要表现。美国的多元化特征正反映出公众对外来文化的包容心理。且不说种族的多元，文化的多元，饮食的多元，生活方式的多元，就连酒店里的水龙头设计都是多元化的。

初来美国时，常常需要询问服务台才明白它的使用方法。这种多元化特征也无一例外地体现在视觉艺术的审美教育中。首先是教育标准的多元化。就像美国不同的州可以拥有不同的法律一样，美国的州也可以制定自己的教育标准，连各个州的教师资格标准都有很大的不同。其二是教学内容的多元化。

美国的视觉艺术审美教育内容不是关于某个民族、某个国家、某种文化的艺术，而是涵盖了世界范围的题材广泛的多种艺术形式。研究美国不同州的州立艺术教育标准，会发现无论哪一个州的艺术教育标准都涵盖着不同文化来源的艺术形式和艺术观点，任何一种优秀的艺术形式都可能被放在美国的参考教材中。美国文化坦然接纳外来艺术作品，并且乐于从这些艺术作品中找到与其自我审美情感、审美经验互相认同的部分，对之进行审美理解和再创造。和美国的学校艺术教育内容多元化一致的是：走访美国的地方艺术节，我们会惊奇地发现一些美国本土艺术家在以认真严谨的态度制作着非洲风格的木雕或者南美风格的壁画。

严格来讲，每个国家的艺术形式都可以成为他们创作灵感的来源。其三是教学方法的多元化。美国的学校喜欢接纳具有独特个人教学风格的艺术教师，学生也期待在课堂上经历别出心裁的教学过程。事实上，这些学生也确实有机会体验各种各样的艺术学习经验。他们可以坐在地上听课，可以创造自己的课堂游戏，可以躺在地上作出真人填充壁画，也可以趴在博物馆的地上对着自己喜欢的作品发呆。有的时候，教师还会在课堂里加入力量游戏的内容，让一些精力过剩的学生可以发泄过剩的精力。其四，创作材料的多元化。谈到视觉艺术创作中最为重要的环节——艺术媒介的运用，美国的教育给学生提供了最大范围的可能性。几乎所有学校的视觉艺术教室都配备有多种质地和色彩的纸材，多种画笔和颜料，多种针对不同材质的粘合剂，多种陶土及烧制陶瓷的电锅炉，多种不同肌理的细碎材质：纽扣，丝网，马赛克……大多数出现在传统及现代艺术作品中的媒材在美国一个普通的视觉艺术教室里都可以发现。作为我们的高等教育才会接触的综合材料运用，在美国的中小学就已经广为普及。

美国社会公共审美教育情况

艺术博物馆美国的艺术博物馆是世界著名的艺术资源库，即使与世界驰名的欧洲艺术博物馆相比也毫不逊色。除去古根海姆这种私立的艺术博物馆，大多数艺术博物馆在美国都可以全天候免费参观，或者把每一周的某个半天划分为免费参观时段。笔者看到在那些著名艺术博物馆的免费参观时段里，参观者往往摩肩接踵络绎不绝，因为这里是视觉艺术审美教育重要的教育基地。

笔者看到在纽约的现代艺术博物馆前，每逢周末，都会有超过2条街区的长队等待入馆参观。艺术博物馆是视觉艺术活动主要的场所，随时要为视觉艺术审美教育提供资源和服务。博物馆会根据馆内每个时期的展览为不同程度的学生提供课外课程，除了给学生提供免费参观讲解，还会给教育工作者提供一定的课程素材，一般为数据图片、视频资料和艺术复制品等，以方便教师把艺术博物馆的活动课程带入课堂，积极与学校合作开展审美教育活动。2009年冬天，美国明尼苏达州立艺术博物馆举办了“走进卢浮宫”的展览，展出来自法国卢浮宫的一些珍贵艺术品。其间博物馆举办针对各级学校的“卢浮宫之旅”活动，和招募的艺术教育志愿者一起安排了大量的适合不同艺术层次的有关此次展品的课程，并把这些课程送入该州的各个学校。在美国，博物馆里经常看到各个年龄段学生的身影。参观艺术博物馆是视觉艺术课程中极为重要的一项，任何年龄的人都可以随时拿出画笔，在这里停驻临摹。

几乎每个美国大学都有自己的视觉艺术博物馆，即使规模较小的大学也不例外,较大的综合性大学还会拥有两个以上。这些展馆拥有一定数量的馆藏艺术品，但其主要任务是举办多种风格的艺术展览，并结合展览邀请相关艺术家为学生举办讲座，为视觉艺术交流和审美教育研究提供一个广阔的平台。

艺术家和艺术工作室

美国的视觉艺术家在美国的审美教育中也发挥着重要作用。除却一部分在学校担任教职的艺术家之外，还有一些专职的视觉艺术家，包括画家，雕塑家，陶瓷艺术家，首饰设计师，服装设计师等，他们大多拥有自己的工作室，在自己的所属业界已经卓有成就。这些人中很多人的工作室对外界开放，有兴趣的人可以参观，也可以请教和学习。其中一些工作室定期对学校开放。届时，艺术家会带领学生参观并一起进行艺术创作。这就给学校教育增添了更直观更有趣味的艺术实践教育。我所任教的学校，每一年都会到不同艺术家的工作室参观学习实践。一些艺术家还会走进学校，举办短期艺术培训和教育讲座，给学校视觉艺术审美教育注入鲜活的力量。

篇(6)

【关键词】综合类高校；舞蹈教育；融合性

中图分类号：G642.4 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2015）11-0175-01

一、融合性发展策略提出的背景

舞蹈专业教育是为国家培养舞蹈艺术人才的重要途径，受到很多高校的高度重视。然而，与舞蹈专业类院校相比，综合类高校的培养方向虽然相对全面，但针对性不佳，模仿甚至复制专业舞蹈院校的教学模式，不能够根据自身的教学理念来设定培养方案与教学大纲，这也是综合类高校舞蹈专业教育亟需完善的首要问题。当下，要推动综合类高校舞蹈专业教育的发展，重要一点就是要根据综合类高校的办学特点，加强知识体系调整的力度，向融合性方向发展。

与专业类艺术高校相比，综合类高校舞蹈专业教育更加重视学科内容的交叉性，有着有益于学生身心以及未来就业的重要意义。“融合性”就是要本着“综合人才”的精良教育理念，凸显综合类高校多元化学科优势，体现学生“一专多能”的特色，在专研舞蹈专业领域的同时兼顾该领域的边缘学科；培养大众人才，以培养表、教、编、研、管合一的综合舞蹈艺术人才为主要目标；敢于向传统教学模式、教学内容挑战，从“专一”到“全面”，从“技术”到“文化形式”，从“单一”到“丰富”，进而建立适合我国综合类高校舞蹈的融合性发展模式。

二、融合性发展策略的具体内容

（一）注重文学与舞蹈的融合

一般说来，文学属于艺术的一种表现形式与手段，它以文字为载体或艺术媒介来传达审美情感，这些情感主要体现在语言的情感性、间接性或是结构性等方面。文学与舞蹈相结合有两点最为主要：一是文学为舞蹈提供了重要的素材与灵感；二是文学为舞蹈的表现提供了思想性与情感性，我们可以从舞剧中看到两者的融合。“舞剧，是舞台剧本的一种，是以舞蹈作为主要表达手段的艺术。”[1]在舞剧中舞蹈作为主要载体承载着剧本所要表达的情感，而这就需要表演者拥有一定的文学功底才能够将自己理解的角色性格准确地表现出来。因此，在综合类高校的专业舞蹈专业教育中，文学赏析课可以开设舞蹈专业理论必修课。

（二）注重音乐与舞蹈的融合

《乐记》中这样形容音乐与舞蹈的关系：“诗，言其志也，歌，咏其声也，舞，动其容也，三者本于心，然后乐气从之”，[2]即只有诗乐舞三者都发自内心，然后乐器才能够跟着共同表演。当然，好的舞蹈作品与音乐有着密不可分的关系，在舞蹈作品中，音乐不仅起到了渲染故事气氛的作用，更能够与舞蹈一起共同烘托人物的性格。著名的音乐家吴祖强老师认为：“音乐有声音，无图像，有听觉而无视觉，舞蹈有图像，无声音，有视觉而无听觉，将音乐和舞蹈二者结合在一起，则能互相弥补‘局限’，相互完善。”[3]综合类高校舞蹈专业教育还没有认识到学习音乐的重要性，只开设基础乐理课，无法让学生把音乐与舞蹈有机的结合起来。因此，还应开设音乐欣赏课，重点就是如何利用将音乐的美准确地以舞蹈的形式表达出来，除此之外，在平时的专业课中，教师也要注重音乐对于舞蹈专业教育的促进作用，比如经常性地引导学生根据音乐创编舞蹈动作或者小舞剧等等。

（三）注重其他视觉艺术形态与舞蹈的融合

这里所说的视觉艺术形态包括静态和动态两种。静态视觉艺术主要指造型艺术，包括绘画、雕塑、书法等塑造静态视觉形象的视觉艺术，其主要特点是直观性、造型性与表现性。而这些特点恰巧与舞蹈的特性相吻合，我们或许可用这种观点来说明舞蹈与造型艺术之间密不可分的联系。动态视觉艺术主要指与舞台表演相配合的现代技术手段，虽然舞蹈有自身的动态造型与构图方式，正所谓舞蹈是“流动的画卷”和“活的雕塑”，但舞台与现代技术手段的融合是大势所趋，“艺术与技术的当代交融与对话”必定会改变和推动舞蹈创作的未来发展，[4]因此动态视觉艺术与高等舞蹈专业教育的融合也是一种必然趋势。

在综合类高校舞蹈专业教学中，如果能够合理的利用众多相关学科与舞蹈的联系，那么不但益于学生对于舞蹈专业知识的学习，还能够更进一步地提高学生的艺术想象力与理解力，推动舞蹈艺术创作实践。对于综合类高校来说，由于具备多学科相邻的便利条件，应该尽可能地组织舞蹈专业学生到其他艺术专业中去体验与实践，亲身寻找与体会其他艺术学科与舞蹈之间的亲疏关系，这不但有益于培养学生在艺术领域的猎奇心理，更有利于他们将这种融会与贯通的精神运用到以后的工作岗位中去。

参考文献：

[1]王国宾.舞蹈教育战略与发展[M].上海音乐出版社，2004.124.

[2]于景春.舞蹈教育理论与实践研究[M].云南科技出版社，2012.84.

篇(7)

关键词：国际教育交流；课程教学设计；课程建构；思考

在国际文化交流的大背景前提下，各国间国际合作沟通增加，国际合作教学交流日益密切，越来越多的联合培养课程被引入国内，这些课程从开设到设定都有其独特的国际背景。中国当下设计艺术教育在这样的背景中能有怎样的发展，成为我们关注的话题。本文以对中新联合培养课程――《视觉艺术实践》为例，探讨联合培养课程的引进对当下中国设计教育的启发。

一、《视觉艺术实践》课程简述

《视觉艺术实践》是成都学院和新西兰怀卡托理工学院合作办学中所开设的一门由新方全权提供教学材料的引进课程。课程授课对象是大学一年级新生，为中新联合办学中艺术设计方向基础性课程。学时为120课时。主要由三部分内容组成即视觉叙事、策略、符号。其中视觉叙事部分占课时总量的一半为60学时，策略、符号各占30学时。

二、《视觉艺术实践》课程主要内容

第一部分为视觉叙事，主要讲述的是用视觉图像、图形化的语言来表现文字，最终以时下流行的漫画书的形式表现。要求用WORKBOOK的方式记录下完成的每一步。

课程分为四个步骤：1、剧本的写作。启发阶段。在教案中设定几个基础练习，如利用一张照片为它添加一个意想不到的对话，以照片为原型联想照片可能发生的前因和后果；方法教导，简单的介绍最常用的两种剧本创设方法。一种以好莱坞影片故事发展为示例，介绍经典的叙事结构的组成要素。第二种方法是重构。依据一组照片，对照片的顺序进行打散重构变化，构建不同的故事脉络；最后再综合运用经典叙事结构和重构的方式来审视故事架构的合理性；

2、角色、场景塑造。在角色塑造中先拟定角色的年龄、长相、性格及表情动态，后塑造与故事事件发展相关的场景。中间穿插了拼贴与重构的方法运用。对故事剧本进行反复讨论和锤炼，着重对情节的发展和叙事结构进行梳理。

3、脚本创作。这段课程中涉及到对漫画中格式、天沟的运用、取景中镜头语言的运用、知觉记忆、从剧本到对白设定、旁白的设定、不同风格漫画作品的赏析等知识点。

4、后期调整。在建立好前面的剧本创作，脚本绘制后，要形成一本漫画书还需要对文字进行设计与添加，对版式与构图的知识进行学习，这就是后期调整中需要了解的内容。

第二部分是策略。课程中首先给策略一个明确的定义。教案中提到一个课堂练习即教师抛出一位艺术家，请学生分析了解艺术家通过何种策略表达了他的艺术理念。策略课程的最终呈现是学生确定一个主题，对主题进行发散，找到不同的方式去表现主题。课程规定表现的方式可以多样，可采用一幅画或一系列画作，一个雕塑或一系列短片DVD或VHS1故事板或静止图像序列的摄影作品或一系列海报的形式来表现这一主题。给学生很大的自由空间去选择表现方式。

第三部分为符号。在课程设置中仍是先给符号一个定义。后让学生参与去寻找符号，从文字、影像、声音中去体会符号存在的价值与意义。最后运用符号语言去完成设计一个视觉表现可以是装置、平面设计、摄影、绘画、雕塑、运动图像等。在教案中不断提到教师引导学生如何学生对作品进行评估，从选材到方法的运用再到借鉴设计师表现的手法等方式。

三、简析《视觉艺术实践》课程设定的特点

回顾这门新方引进课程，我们不难总结出以下5个特点。

1、课程设计与市场接轨。《视觉艺术实践》课程中第一部分视觉叙事，包含有剧本创作、角色创作、场景设计、镜头语言、漫画表现技法、字体设计、版式设计等都与当今市场的需求息息相关；第二、三部分策略与符号的学习是创意设计中“意境”塑造与提高必不可少的知识。

2、以问题为解决前提的课程框架搭建。不是单一课程的信息传输而是以解决实际问题为基础，明确制造一本漫画书需要的知识架构，从故事的编排到人物角色的创设到场景的绘制与表现，静态镜头语言的运用到漫画分格最后到书籍版式、字体设计，每一课程的设定都是为最终的目标课程做准备。对于设计基础课，在课程设置中有技法课程的学习如视觉叙事章节，同时还有设计思维提升的课程如策略与符号章节。

3、统一课程大纲与课程教案。《视觉艺术实践》是新方课程全方位引进，包含有大纲、教案和部分教学资料等。这些教学材料的统一，一定层度上保证了教学任务和教学质量的完成性。

4、思维导图训练。发散思维的训练，在课程设计中反复运用思维导图，强调进行发散式的思维启发训练。

5、WORKBOOK。课程中要求学生将自己学习该课程中收集整理、思考创新的思路及过程用工作笔记的形式记录下来。可以说一本工作笔记就是一个领域的资料收集册。既是一个学习过程的记录又是一种对学习整理的方法。

四、现阶段中国艺术设计教育课程中的表象

从设计基础课程开设而言，基础课程的开设源于国外对设计基础课程的设定，目前尚停留在对包豪斯的三大构成等基本构成理论的讲解。新生从基础的点线面开始学习，通过对点线面的练习使得学生的设计思维得到了基本的训练，但这耗费了几乎一年的专业课程计划。学生在进入下一阶段的学习过程中，授课教师又要把相关的设计基础知识进行回顾，这使得课程的设计战线过于长。

对年轻教师的培养而言，新进的年轻教师主要通过听课和助课的方式，向老教师学习授课经验。但仅仅是短时间的课程听取，对年轻教师的授课学习往往又收效甚微。年轻教师在课程授课摸索过程中势必会影响教学质量与教学效果。不成熟的授课经历会造成不好的教学效果使新进教师陷入恶性循环中，这样会打击作为新进教师的教学积极性。考虑如何缩短年轻教师的教学适应期，让年轻教师能更快的进入角色，是师培的重要问题。

对于中国传统的教案而言，过于单纯的强调重、难点的教学内容，却并未提及到教师将通过怎样的方式去解构重点、难点。解构的方式是否有效，只能凭借任课教师一次次的经验积累，缺乏一个相关的群组去协助解决问题，这也使得教学质量很难把握。

对于学生而言，课程体系设计的逻辑性不强，使得学生在学习的过程中往往有猴子搬玉米的现象。对于完成专业课的作业也有临时抱佛脚的现象，缺乏对事物认真的观察、了解、分析的训练。更有甚者出现创意抄袭的现象，这对于艺术设计专业创意思维的培养很不利。

五、课程引入后的思考

德国哲学家费希特说：教育必须培养人的自我决定能力，不是着眼于实用的知识与技能，而是要去唤醒学生的力量；教育最终的目的在于，培养人的自我性，主动性，抽象的归纳力和理解，以便使他们在目前还无法预料到的未来局势中，自我做出有意义的选择。通过对《视觉艺术实践》课程内容及特点的总结以及对当下中国艺术设计教育表象的梳理，我们可以从不同角度可获得启发。

对课程开设系而言。约瑟夫.麦斯坦豪塞教授认为：“目前大学教育所面临的未来挑战是内容、知识获得的过程，可预见的成果，应用过程和知识本身的属性。”[1]1、在教学大纲的制定过程中采取2+1模式课程体的搭建。即两门基础课+ 一门表现课形成一个简单却完整的课程体。就如视觉叙事课程的设计以剧本创作和角色设计为基础加上一些表现手法的学习如镜头语言、分格、字体设计、版式编排等最终形成漫画书；2、基础课程与课程阶段的深入化建设和进阶课程的设定。基础课程的设定一定要有通识性，关注市场需求的发展开设实用性较强的课程。注重设计理论、设计思维的培养，注重方法课程的引入成为进阶课程必不可少的内容。中国历来就是重视“术”的教育，对于艺术设计课程设计中的史论研究、方法研究往往趋于边缘化，这种课程教学设定显然对两会上提出的“由中国制造到中国智造”的方针不一致； 3、确立清晰的教学大纲与课程教案是教学质量、教学任务保证完成的前提。

对于课程开设群组而言：1、定期的开设课程讨论会议，修订课程教案。2、在课程教学讨论过程中始终以问题解决为出发点，将问题进行分解，在课程架构中引入问题解决的方法，并将方法编写进课程教案中。3、按照由浅入深的原则，循序渐进地将课程内容的问题解决。

对于任课教师而言：1、从年轻教师的个人成长来谈，使用统一且明确的教学大纲与课程教案，缩短年轻教师的教学适应期，让年轻教师能更迅速的进入到教学角色中。2、明确学生的知识构建应该是建立在已有知识的基础之上，知识的传导不应是填鸭式的满堂灌，而是设立一个目标让学生通过需求的引导发现新的领域。3、对于课程中学生创新思维的培养，设定课程中的WORKBOOK，强化过程教学，将对设计思维过程的考核纳入最终成绩考核中。

对于授课学生而言，学习不应该仅仅是完成课程作业，而是随着知识增长，自身思维方式不断成长的一个过程，是一个自我完满的过程。课程设定在一个相对开放的环境中，以学生的兴趣入手。1、workbook 记录学习过程以及思维发展历程。2、通过课程引导创意思维的方法，发现自我。在课程设定中，从自己感兴趣的设计师入手，了解他的风格特点，站在巨人的肩上学习，将设计师的风格运用到自己的作品中，为自己的作品打上“设计师”烙印。3、课程教授的不单是课程知识更是一种学习模块搭建与运用的过程，一种有意识的将知识系统化整理学习的过程。

六、小结

弄清楚现实教育发展规律的基础上，展望和预测未来教育发展的一般趋势，以及有可能出现的各种危机和良机，以服务于我们当下的教育决策和选择，使现实的教育工作更有成效，更便于我们创造艺术设计教育的未来。[2]通过国际教育交流中外联合培养，不仅使人才的培养更加趋于国际化，同时也对中国现有设计教育模式产生冲击，在这样的冲击之下，中国设计教育只有取长补短，才能更好的发展。

（作者单位：成都学院美术学院）

参考文献：